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22/02/2017

Grand écran: avec "Si j'étais un homme", Audrey Dana tente de mélanger les genres

aaaadana.jpgMère de deux enfants, malheureuse en amour et fraîchement divorcée, Jeanne ne veut plus entendre parler des hommes. Et puis un beau matin, elle se réveille avec un pénis après une nuit d’orage! Paniquée elle consulte son gynécologue (Christian Clavier)qui ne peut que constater la chose. Et lui donner, à l’image de la meilleure amie (Alice Belaïdi), des conseils pour se servir de son "pinpin" comme elle surnomme son phallus.

Voilà qui donne lieu à quelques fous rires et situations cocasses au début, mais dérive malheureusement vers une grosse farce hystérique et faussement subversive. Devant et derrière la caméra pour son second long-métrage après Sous les jupes des filles, Audrey Dana ne tient pas jusqu’à la fin, bien au contraire, son histoire a priori audacieuse.

Ce n’est évidemment pas l'avis de la réalisatrice qui défend son dernier-né avec conviction. "Pour moi, ce sujet sensible était l’opportunité de faire une bonne comédie", nous confie-t-elle lors de son passage à Genève. "J’avais envie d’explorer la frontière ténue entre le masculin et le féminin j’ai été assez folle pour aller jusqu’au bout". Certes je me vautre dans les clichés, mais c'est pour mieux les exploser".

Ce qui l’a amusée, c’est d'imaginer que la chose arrive à une fille qui vit dans la règle stricte du patriarcat. "Cela me permettait de me moquer du patriarcat et de parler de la place qu’occupe la femme aujourd’hui, celle que mon héroïne n’a jamais prise. Nous vivons dans une société assez machiste, où être un homme procure davantage de droits. Je pose donc la question de savoir ce qui se passerait si on donnait ses attributs à une fille". 

Audrey Dana a personnellement rêvé qu’elle se réveillait avec un sexe masculin. "C’est plus fréquent qu’on ne le croit. On a tous l’autre genre en soi. Je fais donc un pas vers l’homme". Elle en a même interviewé une centaine en les interrogeant sur leur rapport au sexe. "Beaucoup ne s’étaient jamais livrés dans ce domaine. Tous étaient émus. Oubliant leur pudeur, ils m’ont raconté des choses très intimes, comme l’un d’eux qui m’a révélé s’être masturbé pour la première fois à 24 ans.." 

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 22 février.

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Grand écran: "Lion" raconte l'odyssée d'un enfant indien adopté

aaasaroo.jpgElle ne pouvait être que vraie. Inventée, on aurait eu du mal à croire à l histoire de Saroo, ce garçonnet indien de cinq ans qui se retrouve dans un train traversant le pays et l’emmenant à Calcutta. Perdu à 1600 kilomètres de chez lui, le gamin doit apprendre à survivre seul dans l’immense cité, avant d’être placé dans un orphelinat puis adopté par un couple d’Australiens.

Vingt-cinq ans plus tard, comme Saroo Brierley l’a raconté dans son autobiographie A Long Way Home, le jeune homme n’a pas oublié sa famille biologique. Les souvenirs de son enfance restent gravés dans sa mémoire et il va se mettre à rechercher son village natal. Il parviendra à le localiser grâce à Google Earth, qui a d’ailleurs parrainé le tournage.

Lion est le premier long-métrage de Garth Davis, cité six fois aux Oscars. Cherchant à éviter le pathos et le misérabilisme, le réalisateur ne manque toutefois pas de nous tirer des larmes avec cette aventure aussi extraordinaire que touchante. Plus particulièrement dans sa première partie où on découvre le quotidien du mignon Saroo (Sunny Pawar).

Il vit pauvre mais heureux dans une cahute en pleine campagneentre sa mère, sa sœur, son grand-frère qu’il adore et qui l’emmène parfois à son travail. Jusqu’à ce jour fatidique où, fatigué de l’attendre dans une gare, Saroo monte dans un wagon pour atterrir à Calcutta, ville de tous les dangers pour une jeune proie facile.

Moins centrée sur l’émotionnel, à part le final, la deuxième partie de ce mélodrame le montre dans sa nouvelle vie entre ses parents adoptifs et un frère difficile, également adopté. Puis il apparaît en adulte sous les traits de Dev Patel (le héros de Slumdog Millionnaire) qui, suite à une rencontre avec d’autres jeunes Indiens éprouvera la nécessité obsessionnelle de renouer avec ses racines.

Le comédien est l’un des prétendants à la statuette du meilleur second rôle en compagnie de Nicole Kidman. Cette dernière se révèle étonnante dans une composition sensible de mère aimante. Une nouvelle fois bluffante avec sa capacité de s’effacer derrière son personnage, elle apparaît méconnaissable avec son look vestimentaire de mémère, encore accentué par ses cheveux roux, coupés courts et permanentés.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 22 février. 

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16/02/2017

Grand écran: avec "L'Empereur" Luc Jacquet raconte le voyage d'un jeune manchot vers l'océan

aaaaempereur.jpgUn mois de voyage, quarante-cinq jours de tournage, six mois de montage. Résultat, de superbes images d’étendues glacées immaculées, de grands oiseaux attendrissants et une formidable prouesse technique pour une touchante histoire bien racontée par Lambert Wilson. Douze ans après le triomphe de La Marche de l’Empereur couronné d’un Oscar, qui évoquait le rude parcours des manchots empereurs sur la banquise, Luc Jacquet récidive.

Il nous immerge à nouveau dans le quotidien de ces étonnantes créatures en frac, à la fois majestueuses et rigolotes avec leur drôle de démarche à la Chaplin. Mais tout en montrant leur lutte perpétuelle pour tenter de se reproduire dans des conditions extrêmes, comme en témoigne la scène poignante de la résistance collective au blizzard pour protéger les œufs, son nouvel opus est centré sur l’aventure d’un manchot, de sa naissance à son premier grand voyage.

On s’attache à ce poussin qui, répondant au mystérieux appel qui l’incite à rejoindre l’océan, va traverser de dures épreuves pour accomplir son destin, assurer sa survie et celle de son espèce. Luc Jacquet voulait aborder au plus près la vie de l’animal. Un défi de taille mais un objectif atteint grâce à 6000 sosies qui faisaient la même chose en même temps.

Une première mondiale grâce aux frères Gentil

Le commentaire, très explicatif, contribue à lever une partie du voile entourant ses héros qui nous donnent une leçon de vie. On regrettera toutefois d’incessants allers et retours dans ce récit initiatique qui font un peu perdre le fil. En revanche, Luc Jacquet nous bluffe avec de sublimes images sous-marines, grâce à l’extraordinaire travail des frères Gentil, explorateurs modernes chaux-de-fonniers. Une première mondiale.

La frustration de Luc Jacquet de ne pas avoir pu le faire il y a douze ans, était d’ailleurs l’une de ses raisons de remettre le couvert, comme il nous le confiait lors d’un récent passage à Genève. Mais il y a aussi évidemment cette volonté de témoigner ce qu’il doit à ce continent. "Je ne peux le laisser sans empereurs à mes enfants».
Ecologue de formation, ce passionné de la nature natif de Bourg-en-Bresse qui voulait être paysan, a subi pour la première fois la morsure de l’Arctique en 1991. Il avait 23 ans.

"Depuis j’y suis retourné régulièrement. J’aime la confrontation avec les éléments déchaînés, l’esthétique absolue des paysages, le retrait du monde, le retour à un rythme plus authentique et bien sûr la proximité avec les manchots. Ce ne sont pas des animaux domestiqués, mais ils sont curieux, familiers. Ils n’ont pas peur. Ils essayent même de tirer vos vêtements! Il n'y a pas d’espèce qui se prête à ce point à la caméra».

Ce qui continue toutefois à beaucoup troubler l’auteur, c’est le mystère. "Il y a tant de choses qu’on ne comprend pas, leur connaissance innée mais impressionnante de la transmission, la manière qu’ils ont de se repérer. J’ai le sentiment que tout cela est sous-tendu par le rapport au temps.»

A l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 15 février.

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14/02/2017

Grand écran: dans "Rock'n Roll", Guillaume Canet s'amuse à casser son image

aaaarock.jpgValeur sûre du cinéma français, bien dans son existence, son métier, sa famille, Guillaume Canet, 43 ans, a tout pour être heureux. Jusqu’au jour où, sur un tournage, c’est le choc. Evoquant son âge, une jolie comédienne de 20 ans lui apprend non seulement qu’il n’est pas très "rock", ce qu’il n’a d’ailleurs jamais vraiment été, mais qu’il a beaucoup chuté dans la liste des acteurs qu’on aimerait se taper…

Sa vie avec Marion, son fils, sa maison de campagne, ses chevaux, ne livrent donc pas de lui un portrait des plus sexy. Paniqué, Guillaume sent qu’il y a urgence à changer. Et il va aller loin, jusqu’à l’impensable, sous le regard impuissant de son entourage médusé…

C'est après une interview avec une journaliste qui le décrit en termes peu avantageux dans lesquels il ne se reconnait pas, lui assurant qu’il renvoie l’image d’un acteur ringard et rangé, que l'idée de Rock'n Roll a germé dans la tête de Canet. Du coup, tout en mettant en scène son propre couple, il a eu envie de s’amuser à casser son look de gendre idéal. D’où son cinquième long-métrage où il se livre à un exercice désopilant d’autodérision, se moquant à la fois de sa personne et de son parcours. Il pose ainsi un regard satirique sur la sacro-sainte star qui, après avoir arpenté le tapis rouge, se comporte en somme comme tout le monde. Ou presque…

Parallèlement à ce savoureux jeu d’autodestruction, y allant à fond sur le nombrilisme et le narcissisme des acteurs enfermés dans une bulle et ne sachant pas distinguer le vrai du faux, il évoque la crise de la quarantaine qui effraie autant les hommes que les femmes, poursuivant pathétiquement à coup de botox une jeunesse qui les fuit. A cet égard, on regrette un peu que l’auteur ait tendance à se perdre dans une métaphore un rien lourdingue sur le jeunisme, surfant sur l’angoisse de vieillir et l'implacable dictature de l’apparence. Le twist final se révèle en revanche carrément dingue.

Un vrai talent comique

Malgré quelques petites réserves, ce métrage caustique et très divertissant entre réalité, fiction et mise en abyme offre des passages aussi inattendus que jubilatoires. A l’instar de celui où une Marion Cotillard irrésistible, cultivant son potager au milieu du salon, travaille par ailleurs consciencieusement un accent québécois pour son rôle dans le prochain fllm de Xavier Dolan. Le prodige aurait lui-même élaboré les dialogues pour des scènes particulièrement humoristiques. Sans oublier la découverte d'un impayable Johnny Hallyday qui s’autoparodie avec une indéniable délectatio

Mais on soulignera surtout  la performance de Guillaume Canet, dévoilant un talent comique qu’on ne lui connaissait pas vraiment et qu’on lui souhaite d’exploiter. En ce qui concerne les personnages secondaires,le réalisateur a choisi de s’entourer à nouveau de sa famille de cinéma: Alain Attal, Gilles Lellouche, ou encore Philippe Lefèvbre avec qui il a coécrit Mon idole et Ne le dis à personne

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 15 février.

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Grand écran: "Dans la forêt", le thriller fantastico-anxiogène de Gilles Marchand

aaaaforet.jpegNotamment inspiré de l'enfance de l'auteur, ce huis-clos familial en pleine nature met en scène Tom et Benjamin, deux garçons de 8 et 11 ans, qui rejoignent leur père vivant à Stockholm, pour passer les vacances d'été avec lui.

Ils l’ont à peine vu depuis qu’il a divorcé de leur mère, plus particulièrement Tom, qui ne connaît pratiquement pas cet homme à la fois bizarre, mystérieux, solitaire et autoritaire, qui semble ne jamais avoir besoin de dormir. C’est en tout cas ce qu’il lui affirme. Il est en plus convaincu que le gamin voit des choses invisibles pour les autres. A la suite d’incidents étranges, il décide brusquement d’aller dans le nord du pays et de séjourner dans une cabane au milieu d’une immense forêt.

Les deux gamins trouvent l’idée excitante, mais déchantent assez rapidement en découvrant un endroit certes magnifique, mais beaucoup plus isolé qu’ils l’avaient imaginé, privé d’électricité de surcroît, ce qui les empêche de recharger leur portable. Le malaise s’installe au fil des jours et leur inquiétude s’accroît quand ils comprennent que leur père, heureux d’être coupé du monde avec ses fils, envisage de moins en moins un retour à la civilisation. Sans compter qu'il manifeste à leur égard un comportement de plus en plus étrange et menaçant, qui accentue leurs angoisses et leurs peurs.

Un côté maléfique rappelant un peu Shining

Egalement connu pour ses scénarios dont Ressources humaines de Laurent Cantet, Un ami qui vous veut du bien de Dominik Moll, ou encore Main dans la main de Valérie Donzelli, Gilles Marchand est adepte du thriller aux accents fantastiques depuis ses premiers longs-métrages. Dans Qui a tué Bambi (2003), il évoquait les obsessions d’une jeune infirmière se débattant entre rêve et cauchemar. Dans L’Autre monde (2010), il utilisait le phénomène des jeux vidéo en ligne pour développer des relations troubles et malsaines entre des personnages à la dérive.

aaaforet.jpgDans la forêt, le côté diabolique du père se retournant contre sa progéniture, rappelant un peu la folie de Jack Nicholson dans Shining, l’emporte. Cet opus anxiogène le serait d'ailleurs davantage si son réalisateur n’avait pas décidé de distiller l’angoisse dès les premières images.

Du coup, on n’est jamais véritablement surpris par les agissements alarmants du père. Ni saisi par les visions de monstrueuses créatures démoniaques du petit Tom, véritable héros de l'histoire. Doué de télépathie, il révélait en effet d’entrée à une pédopsychiatre qu’il avait un mauvais pressentiment à l’idée d’aller retrouver l’auteur de ses jours en Suède.

Cela n'enlève toutefois rien à la prestation des comédiens. Jérémie Elkaïm dans le rôle sombre et maléfique du père, Timothé Vom Dorp (photo) et Théo Van de Voorde dans celui des enfants à l'imaginaire foisonnant, se montrent tous les trois excellents.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 15 février.

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08/02/2017

Grand écran: Avec "Silence", Martin Scorsese livre sa "Passion" en évoquant ses doutes de croyant

aaasorsese.jpgMartin Scorsese quitte la haute finance du Loup De Wall Street pour aborder le thème de la foi, prépondérante dans sa vie et sa carrière. L'homme qui voulait devenir prêtre a fait de la religion l’un des  moteurs de son cinéma, confrontant ses obsessions (culpabilité, rédemption, expiation) à ses démons dont les addictions et la violence.  
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Avec Silence, qu’il rêvait de tourner depuis plus de vingt-cinq ans, l’auteur de La dernière tentation du Christ ou de Kundun (sur la vie du Dalaï-lama) livre ainsi sa "Passion", évoquant sa propre histoire, ses doutes, ses contradictions au cours d’une réflexion métaphysique complexe qui attire par sa recherche du mystère de la foi et ses interrogations philosophiques.

Adapté du roman éponyme de Shusaku Endo, Silence se déroule dans le Japon du XVIIème siècle, une période sombre, où les chrétiens fraîchement convertis sont massacrés, combattus pour des raisons religieuses et culturelles. Des résonances évidentes avec les atrocités commises aujourd’hui au nom de la foi (djihadisme, guerre aux mécréants, massacre des chrétiens d’Orient).

Un vrai chemin de croix

Scorsese suit les Pères portugais Sebastiao Rodrigues (Andrew Garfield) et Francisco Garupe ( Adam Driver) , missionnaires jésuites lancés à la recherche de leur mentor le Père Ferreira, porté disparu après être parti propager la bonne parole à l'autre bout du monde. Leur périple se muera en vrai chemin de croix, mettant sans cesse leur foi à l’épreuve.

Après une première partie où Scorsese évoque notamment d’une manière assez incongrue le choc des cultures, les deux hommes  partageront l’horrible destin des Japonais catholiques, contraints d’abjurer en piétinant une représentation du Christ, suppliciés puis trucidés par les sbires d’Inoue Masashige. Un redoutable inquisiteur dont Scorsese montre la cruauté et le sadisme en multipliant les scènes de torture et de mise à mort par le feu, la noyade, la décapitation.

Evitant tout prosélytisme, Scorsese propose un film épuré, austère, aride, au rythme lent, privilégiant la contemplation à l'action. Tout en reconnaissant et en admirant la virtuosité du réalisateur, la splendeur visuelle de l’opus (tourné à Taïwan) étiqueté chef d'oeuvre par beaucoup, on n’adhère pas complètement à ce duel spirituel opposant les croyances d’un Japon médiéval à une religion catholique qui se prétend universelle..

Des comédiens peinant à émouvoir

On n’est pas non plus conquis par la distribution. Andrew Garfield, qu’on vient de voir dans Tu ne tueras point de Mel Gibson et Adam Driver, le conducteur de bus poète de Jim Jarmush dans Paterson, n’éblouissent pas par leur charisme.

Bien qu’ils se soient totalement investi dans leur rôle, leur performance peine à émouvoir. Andrew Garfield se révèle peu inspiré dans ses incantations et Adam Driver a tellement maigri, qu’il effraye plus qu’il ne bouleverse. Dommage enfin que Liam Neeson, le mentor finalement retrouvé, soit réduit à de trop brèves apparitions dans cet opus de deux heures quarante.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 8 février.

 

 

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01/02/2017

Grand écran: "Manchester by the Sea", un grand mélodrame avec un formidable Casey Affleck

aaaafleck.jpgHomme à tout faire dans une plomberie de Boston, Lee Chandler (Casey Affleck impressionnant) passe ses journées à régler les problèmes des locataires de l’immeuble dont il s’occupe. Mais les choses ne vont pas sans mal. Lee est un garçon solitaire, irritable, qui n’aime pas les gens et a des difficultés à communiquer.  Toujours à fleur de peau, il noie son mal-être dans la bière et déclenche de stupides bagarres dans les bars pour se défouler.

Et puis un jour il, reçoit un coup de fil, rompant brutalement la routine de son morne quotidien et lui apprenant la mort soudaine de son grand-frère Joe (Kyle Chandler). Désigné tuteur légal de son neveu adolescent, Patrick (Lucas Hedges). Il doit alors retourner dans sa ville natale de Manchester by the Sea et y affronter un passé tragique qui l’avait forcé à fuir, se séparant de sa femme (Michelle Williams).

Ce drame poignant qui séduit par son scénario, sa mise en scène, ses dialogues, sa photographie, est signé Kenneth Lonergan, dramaturge et scénariste de Mafia Blues qui l’a révélé en 2000 et de Gangs Of New York de Scorsese (2011), qu’il a co-écrit. Il s’agit de son troisième film comme réalisateur après Tu peux compter sur moi et Margaret qu’on regrette de ne pas avoir vus.

Avec Manchester by the Sea, Kenneth Lonergan nous entraîne dans une forme de suspense, qui tient à la structure narrative de l’intrigue, moins simple qu’il n’y paraît. Prenant son temps, l’auteur la nourrit habilement de flashbacks permettant de mieux saisir les différentes situations, les motivations et les comportements des protagonistes, A commencer par celui de Lee, en nous laissant découvrir la raison de ses fêlures, de ses blessures, sa réticence à revenir Manchester, pour dévoiler petit à petit à l’origine du mal qui le ronge.

Forte puissance émotionnelle

Tout en évoquant le deuil, l’abandon, la résilience, l’auteur se concentre sur la relation complexe, touchante, entre l’oncle et le neveu qui se cherchent, chacun essayant maladroitement d’atteindre l’autre pour tenter de retisser un lien. Kenneth Lonergan livre ainsi un grand mélodrame intimiste à forte puissance émotionnelle, mais sans pathos et tire-larmes souvent inhérents au genre.

Une magnifique réussite qui tient bien sûr aussi à l’interprétation. Casey Affleck, qui tient un de ses meilleurs rôles avec celui du fascinant Gerry de Gus Van Sant apparaît comme un favori à l’Oscar. Il donne de l’épaisseur à son personnage qui lutte contre le spectre d’un passé impactant le présent. Fragile, renfermé, brisé mais aussi endurci par le chagrin, il donne la réplique à Lucas Hedges, remarquable dans le rôle de cet ado renfrogné, faussement cynique et insensible, occupé à satisfaire ses pulsions sexuelles avec diverses copines qui succombent à son charme. A leurs côtés, Michelle Williams et Kyle Chandler se montrent à la hauteur dans des rôles secondaires.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 1er février .

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31/01/2017

Grand écran: Mel Gibson déroule ses obsessions dans "Tu ne tueras point". Sanglant!

aaahacksaw.jpgToujours aussi obsédé par la violence, la quête divine, le sacrifice et la rédemption, le prosélyte Mel Gibson revient avec Tu ne tueras point, où il raconte l’histoire authentique de Desmond Ross. Ce jeune Américain brutalisé par un père vétéran alcoolique pour exorciser ses traumatismes, hérite de sa colère avant de trouver la paix dans la religion.

Quand la Seconde Guerre mondiale éclate, Desmond Ross, membre de l’Eglise adventiste du septième jour, veut absolument rejoindre l’armée pour servir son pays. Mais, cet objecteur de conscience déchiré entre son patriotisme et sa foi, refuse de porter, voire de toucher un fusil. Ce qui lui vaut les pires sévices de la part de ses camarades et surtout de sa hiérarchie, déterminée à s’en débarrasser

Le plus grand des héros

Inébranlable, supportant les coups, les humiliations, les injures, il finit par être engagé comme infirmier dans l’infanterie et, sans jamais céder sur ses principes, ses croyances, sa morale, deviendra le plus grand des héros en sauvant, armé de sa seule foi, des dizaines de vies dans l’enfer de la bataille d’Okinawa.

En soi l’objection de conscience est un bon sujet. Mais si on admire la résistance tenace aux cruelles pressions militaires, le courage exemplaire de l’homme qui a inspiré le film, c’est tout le contraire en ce qui concerne le portrait qu’en brosse Mel Gibson. Il en fait une sorte de dadais idéalistico-mystique, campé par un Andrew Garfield totalement dénué de charisme.

Une vaste boucherie 

Après une première partie laborieuse pour expliquer la conversion de son protagoniste, le réalisateur de La passion du Christ et de Braveheart se lance dans le filmage réaliste du conflit. Et profite de cette figure héroïque pour se livrer à ses fascinations douteuses, se vautrant dans la barbarie, multipliant avec une rare complaisance des séquences de guerre aussi sanglantes que répétitives.

Corps éventrés, déchiquetés. C'est gore. Une vaste boucherie. Et, plus détestable encore, sur fond de pacifisme, d’humanisme, d’évangélisme, de sentimentalisme bondieusard. A ce égard, on ne résiste pas à citer les Inrocks, évoquant un cinéma qui bascule dans l’ère du catho-porn, destiné à remplir les multiplexes de l’Amérique bigote…

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès le mercredi 1er février. "

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Grand écran: une excellente Natalie Portman fait revivre la fascinante Jackie Kennedy

aaaajack.jpgScruté, analysé, hyper médiatisé, l’assassinat de John F. Kennedy, le 22 novembre 1963 à Dallas, a fait l’objet d’incalculables thèses, ouvrages ou films. Mais aucun ne s’est principalement focalisé sur sa veuve, confrontée à la violence de sa mort.

Avec Jackie, le Chilien Pablo Larrain s’est glissé dans l’esprit de Jacqueline Bouvier Kennedy, pour tenter de faire partager son vécu émotionnel du drame.

Sans doute déroutés, les amateurs de biopics classiques vont regretter que le scénariste Noah Oppenheim n’ait pas privilégié le récit linéaire du destin extraordinaire de la First Lady qui a réinventé la fonction au début des sixties. Ils auront tort, car l’angle choisi pour évoquer l’icône féminine universellement admirée pour sa culture, sa beauté et son élégance est inédit, non conventionnel et passionnant.

Sur une musique de Mica Levi, superbement filmé, l’opus opère un retour en arrière à la faveur d’une interview accordée à un journaliste par Jackie, qui exige le contrôle de ses souvenirs, sinon leur réinterprétation. S’il conserve certes quelques éléments importants de son existence, Pablo Larrain se concentre sur les quatre jours traversés par la femme blessée, de celui de la tragédie du Texas à celui des funérailles à Washington le 25 novembre.

Tout en nous la montrant bouleversée, traumatisée, dévastée de chagrin, vêtue de son tailleur rose taché de sang, le cinéaste dévoile les deux visages de la célébrissime veuve de JFK. Vulnérable, timide, notamment dans la reconstitution en noir et blanc de la fameuse visite de la Maison Blanche où elle parle d’une voix de petite fille désemparée ; digne, forte et déterminée dans sa volonté d’organiser des obsèques destinées à célébrer l’homme et à immortaliser le 35e président des Etats-Unis.

De l’Oscar dans l’air

Un vrai film d’auteur dont Natalie Portman est l’atout majeur aux côtés de Peter Sarsgaard, Greta Gerwig et John Hurt. Il y a de l’Oscar dans l’air pour la comédienne qui porte l’œuvre de bout en bout. Formidable, elle impressionne par sa classe, son jeu intelligent, subtil, sensible . Remarquable, elle devient plus qu’elle n’incarne cette Première Dame exceptionnelle, complexe, fascinante, secrète, mais aussi consciente de l’importance de son image, de son style, et dont la vie a basculé en quelques minutes.

Pour construire son personnage, Natalie Portman a raconté, notamment à Paris Match, qu’elle s’est inspirée des entretiens de Jackie avec l’historien Arthur Schlesinger Jr en 1964, mais a surtout été aidée par le livre One Special Summer qu’elle avait écrit avec sa sœur Lee lors d’un voyage en Europe en 1951.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 1er février.

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25/01/2017

Grand écran: euphorisant, "La La Land" fait chavirer la planète et craquer Hollywood

aland.jpgBouchon géant sur une autoroute de Los Angeles. Conducteurs et passagers léthargiques rongent leur frein, lorsqu’une jeune femme sort de sa voiture en chantant. Effet magique. En un éclair l'asphalte se couvre de danseurs et l’embouteillage se transforme en une chorégraphie grandiose sur les toits des véhicules au son d'un irrésistible air jazzy.

Cette ouverture euphorisante qui donne des fourmis dans les jambes, nous entraîne dans une lumineuse comédie musicale sur fond d’amours contrariées entre Mia, serveuse dans un café entre deux auditions pour devenir actrice et Sebastian, pianiste fou de jazz qui rêve d’ouvrir son club et joue du piano dans des restaurants pour boucler ses fins de mois. La course parallèle à la réussite des deux héros finira par une passion sacrifiée sur l'autel de l'art...

Vers une moisson d'Oscars

Avec La La Land, expression désignant à la fois le quartier de Hollywood à Los Angeles et avoir la tête dans les nuages, le Franco-Américain Damien Chazelle, 32 ans, fait chavirer la planète et enchante Hollywood. Film le plus attendu de ce début d’année, il a raflé sept Golden Globes en janvier dernier et va poursuivre son incroyable moisson aux Oscars le 26 février avec 14 nominations, dont meilleur film et meilleurs comédiens. Il rejoint ainsi Titanic de James Cameron et Eve de Joseph Mankiewicz. 

abland.jpgCette merveilleuse, énergisante et poétique bulle d’oxygène en ces temps anxiogènes est portée par les performances d'Emma Stone (lauréate d’un prix d’interprétation à la Mostra de Venise) et Ryan Gosling qui, comme sa partenaire, a appris les claquettes, mais surtout le piano à raison de cours intensifs.

Tourné dans environ 80 décors extérieurs, La La Land rend hommage à la Cité des Anges, aux fabuleux classiques et leurs formidables acteurs comme Gene Kelly, Ginger Rogers, Fred Astaire ou Cyd Charisse. Avec clins d’œil plus particuliers au chef d’œuvre de Vincente Minnelli The Band Wagon (Tous en scène). Encore que Chazelle voie son film plus proche de Chantons sous la pluie, des Demoiselles de Rochefort, ou des Parapluies de Cherbourg dont il est un fan absolu. Des influences qui le poussent aussi vers la mélancolie, l’allégresse teintée de tristesse, l’amour impossible.

Naviguant entre fantasmes et réalité, passé et présent, La La Land aligne les numéros jubilatoires dans une mise en scène virtuose où le créatif Chazelle, nostalgique de l’âge d’or hollywoodien, multiplie les installations, les situations baroques, les trouvailles visuelles. Une véritable réussite malgré une ou deux longueurs médianes et une petite lourdeur finale. Des réserves mineures. 

Damien Chazelle, qui a mis six ans à monter son projet, a été révélé en 2014 par le remarquable Whiplash, un opus âpre où un jeune batteur apprend durement son métier auprès d’un prof aussi cruel que sadique. Et comme il n’a pas l’intention de s’endormir sur ses lauriers, il planche sur son prochain long-métrage, First Man, d’après la vie de Neil Armstrong. Son premier film à effets spéciaux montrera l’espace sous un autre jour en explorant les dangers d’être astronaute dans les sixties. On se réjouit déjà.

 A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 25 janvier.

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11/01/2017

Grand écran: Bertrand Tavernier passionne avec son "Voyage à travers le cinéma français".

aaatavernier.jpgGrand amoureux du septième art dans lequel il est pratiquement tombé au berceau, Bertrand Tavernier nous invite à partager son Voyage à travers le cinéma français, un documentaire captivant de plus de trois heures fourmillant d’extraits (Casque d’or Falbalas, Rendez-vous de juillet, Antoine et Antoinette, Touchez pas au grisbi) d’analyses, d’archives, de saillies et d’anecdotes.

Certaines sont savoureuses, dont la genèse du fameux "Atmosphère, atmosphère..." d’Arletty dans Hôtel du Nord, ou la surveillance à la cantine par Claude Sautet de Lino Ventura, gros mangeur. Une prise de poids aurait nui à son personnage en cavale dans Classe Tous risques.

Après avoir rendu hommage à ses cinéastes hollywoodiens préférés dans deux livres, 50 ans de cinéma américain co-écrit avec Pierre Coursodon, et Amis américains, il revisite, de 1930 à 1970, les films français, leurs auteurs et leurs acteurs qui ont marqué sa vie Un travail de titan pour ce cinéphile passionné qui nous offre une promenade subjective et personnelle à la manière de Scorsese, à qui l’on doit Un voyage avec Martin Scorsese à travers le cinéma américain et Mon voyage en Italie.

Plein de vie, d’humour de générosité, de malice, la traversée commentée avec une érudition pimentée de modestie, de fierté et de gourmandise, commence avec Jacques Becker, pour qui Tavernie éprouve une admiration sans borne. Ce «cinéaste de la décence ordinaire» lui a procuré, avec Dernier atout, sa première émotion de spectateur dans un sanatorium, alors qu’il était âge de six ans seulement.

La balade se poursuit avec Jean Renoir, un génie dont il égratigne l’image mythique en évoquant un comportement douteux en 1940, le grand Jean-Pierre Melville, qui lui conseilla de devenir attaché de presse suite à une collaboration compliquée. Ce qu’il devint d’ailleurs ensuite pour Claude Chabrol et Jean-Luc Godard. Il a par exemple assuré la promotion de Pierrot le fou.

Intime de Claude Sautet, Bertrand Tavernier réhabilite Marcel Carné, se penche sur des oubliés comme Edmond T. Gréville ou Jean Sacha et ne manque pas de parler des compositeurs, de Joseph Kosma à Maurice Jaubert, auteur de L’Atalante et Du jour se lève.

Subjectivité et coups de cœur personnels signifient évidemment manques. Rohmer, Pialat ou Resnais ne figurent pas au panthéon de Tavernier dans ce documentaire. Peut-être dans la version longue de six heures … Par ailleurs, on ne partage pas tous les enthousiasmes de l’auteur. Notamment pour Jean Gabin. Inconditionnel du comédien, il fustige les esprits chagrins pour qui le héros de La Bête humaine fait du Gabin dans tous ses films.

Mais peu importe, ce Voyage à travers le cinéma français est à consommer sans modération pour les fous de pellicule et ceux qui pourraient le devenir.

 A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 11 janvier.

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10/01/2017

Grand écran: "Hedi-un vent de liberté" mêle romance et drame de société dans la Tunisie d'après printemps arabe

aaahedi.jpgNous sommes à Kairouan, en Tunisie, peu après le printemps arabe. Bien que son pays soit en pleine mutation, Hedi, trentenaire timide, réservé, reste soumis aux conventions sociales. Indolent mouton noir de sa famille, il accepte d’épouser la femme qu’elle a choisie pour lui. Mais il étouffe sous la pression qu’exercent les siens, plus particulièrement sa mère très autoritaire.

Passionné de dessin, il travaille avec résignation comme commercial pour une marque automobile, ce qui le contraint à de nombreux déplacements. Alors que ses parents préparent le mariage, son patron en quête de nouveaux clients, l’envoie prospecter à Mahdia, une station balnéaire désertée par les touristes.

C’est là qu’Hedi rencontre Rym, animatrice dans un hôtel, qui le séduit par son indépendance, son aplomb et son dynamisme. Ils tombent amoureux et Rym l'encourage à réaliser ses rêves de dessinateur. Alors que la date du mariage approche, Hedi joue les frondeurs. Poussé par un vent de liberté, il ose braver les traditions. Et gâche la fête...

Mêlant romance et drame de société sur fond de tension et de suspense, ce premier film intimiste, humaniste, touchant de Mohamed Ben Attia, coproduit par les frères Dardenne, est une jolie réussite. Adoptant le point de vue du héros, le réalisateur propose avec finesse, évitant tout manichéisme, le portrait d’un homme qui s'émancipe face à un choix difficile, et la peinture subtile d’une Tunisie d’après Ben Ali freinée dans va volonté de progrès.

Le cinéaste, qui a reçu le Prix de la meilleure première œuvre à la Berlinale, est bien aidé par ses acteurs. A commencer par Majd Mastoura (photo)dans le rôle de Hedi, qui a lui décroché l’Ours d’or de l’interprétation. Il traduit à merveille les regards, les tourments intérieurs, les émotions, la manière d’être de ce personnage introverti manquant de confiance en lui, Face à lui, Rym Ben Messaoud est à la hauteur.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 11 janvier.

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Grand écran: "Primaire" rend hommage aux enseignants. Avec la vibrante Sara Forestier

aaaforestier.jpgProfesseure des écoles comme on dit en France, la dévouée Florence se consacre entièrement à ses élèves d’une classe de CM2. L’arrivée de Sacha, un gamin en difficulté abandonné par sa mère la bouleverse et elle va se battre pour qu’il ne se retrouve pas en foyer. Quitte à délaisser sa vie de mère et de femme.

Avec Primaire, fiction aux allures de documentaire, Hélène Angel rend hommage aux enseignants. Tout en insistant sur l’importance capitale de leur rôle dans la transmission du savoir aux enfants, elle réussit à restituer l’effervescence d’une classe peuplée d’élèves un rien cabochards et dissipés, mais que dompte sans trop de problème, l’institutrice à la fois vaillante et bienveillante.

Pour porter ce film nous disant qu’apprendre est la plus belle des expériences à n’importe quel âge, la réalisatrice a choisi Sara Forestier. Vibrante, engagée, idéaliste, elle joue l’institutrice avec une telle justesse et une telle conviction que ce pourrait être son vrai métier.

Si on est totalement conquis par la prestation de la jeune femme, parfaite en héroïne du quotidien, on a quelques réserves sur l’ensemble d’un film peu novateur dans le genre et à tendance moralisatrice dans son discours.

Etonnant de la part d’Hélène Angel, surtout quand on pense à son cri de rage dans son premier long-métrage Peau d’homme cœur de bête, qui lui avait valu le Léopard d’or à Locarno en 1999. On regrette par ailleurs un peu le choix des élèves qui privilégie le stéréotype, ainsi que quelques clichés sur leur comportement et les rapports entre eux.

Le moins convaincant reste toutefois la romance à l’eau de rose entre Sara Forestier et Vincent Elbaz, superficielle, sans intérêt et qui, en sortant curieusement du sujet, n’apporte rien au récit sinon une lourdeur particulièrement malvenue.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 11 janvier.

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02/01/2017

Grand écran: "A Monster Calls", conte initiatique poétique et bouleversant

aaaamonster.jpgConor, un garçon de 13 ans, a de plus en plus de mal à affronter le cancer qui ronge sa mère, la méchanceté de ses camarades de classe qui ne cessent de le tourmenter, l’absence de son père et l’autorité d’une grand-mère trop stricte,

Pour fuir son quotidien déprimant, il s'échappe chaque nuit, à 0h07, dans un monde imaginaire peuplé de créatures extraordinaires, Et fait plus spécialement connaissance avec un if gigantesque. Cette créature mythique composée de racines et de vieux morceaux d’arbres que le gamin appelle "le monstre", est rendue très expressive grâce à l’utilisation de la motion capture.

Pour aider Conor à surmonter sa colère, sa tristesse et sa frustration face à l’abandon et à la peur de la perte, l'imposant ’if imagine quatre contes qui lui apprendront le courage et la valeur du chagrin. Il lui en narrera trois, laissant au garçonnet le soin d’inventer le quatrième, ce qui lui permettra surtout de supporter la vérité.

A Monster Calls(Quelques minutes après minuit) est adapté du roman éponyme de Patrick Ness par le réalisateur espagnol Juan Antonio Bayona . Romancier anglo-américain spécialisé dans la littérature pour enfants. Ness a lui-même repris les premiers écrits de l’auteure britannique Siobban Dowd, qui souhaitait en faire son cinquième roman avant que le cancer l’emporte en 2007.

Avec cette relation entre l'enfant et l'arbre géant conteur d’histoires à la sagesse primitive, Juan Antonio Bayona, très inspiré, fait preuve d’une grande finesse psychologique. Il propose un récit simple, subtil, à la fois poétique, puissant et bouleversant. Conte initiatique onirique, teinté de fantastique, il évoque sans sensiblerie, avec une rare justesse, la complexité des sentiments contradictoires qui agitent son jeune héros.

Une belle réussite à laquelle les comédiens ne sont évidemment pas étrangers. A commencer par le personnage principal, joué par Lewis MacDougall, remarquable dans une interprétation d’un naturel confondant.

A ses côtés on trouve Felicity Jones dans le rôle de la mère, Sigourney Weaver dans celui de la grand-mère, tandis que Liam Neeson prête sa voix au monstre. 

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 4 janvier.

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21/12/2016

Grand écran: "Tous en scène", une version animalière jubilatoire de The Voice...

akoala.jpgL'élégant koala Buster Moon, directeur criblé de dettes d’un théâtre autrefois célèbre mais aujourd’hui décrépit ne baisse pas les bras. Au contraire, il est prêt à tout, non seulement pour  sauver le bâtiment de la destruction, mais pour lui redonner son éclat d’antan.

C'est ainsi que cet éternel optimiste bourré d'idées organise une grande compétition de chant, façon The Voice. Tous les animaux mélomanes de la ville veulent en être dans l’espoir de devenir la future star de la chanson. Cette histoire simple prend alors une tournure très particulière qui, dans un autre genre, fait un peu penser à l’excellent Zootopia.

Une queue interminable se forme aux abords du théâtre pour la sélection et nous voici partis dans l’interprétation de quelque 85 chansons connues, datant de 1940 à nos jours. Mais le jury est impitoyable. Finalement, cinq candidats sont retenus pour le défi propre à transformer leur vie en cas de victoire.

On trouve une irrésistible truie mère de famille débordée avec ses 25 mouflets, une jolie souris sans scrupules, un ado éléphant miné par le trac, un jeune gorille délinquant qui veut échapper à sa famille de truands et une porc-épic punk qui a du mal à se débarrasser de son petit ami à l’ego surdimensionné pour entamer une carrière solo.

Parallèlement aux auditions, le réalisateur Garth Jennings nous embarque dans leur vie, leurs soucis, leurs problèmes, ce qui rend le film particulièrement créatif et inventif avec plein de trouvailles bluffantes. Les gadgets qu’invente par exemple maman cochon pour que sa smala et son mari ne s’aperçoivent pas de son absence quand elle se rend aux répétitions sont époustouflants.

Outre le petit côté culturel de Tous en scène (Sing), la qualité de l'animation et le visuel souvent ébouriffant, le travail d’anthropomorphisme se révèle à la fois original et plein d’humour. On tente en effet de ne pas enfermer les différents protagonistes dans leurs caractéristiques.

Alors que le koala est un animal lent qui dort près de 18 heures par jour, dans le film c’est un amoureux de la scène hyperactif, et ambitieux. De même on exalte le côté primesautier de la truie, la gentillesse et la timidité du gorille qui préfère de loin l’ambiance des planches aux braquages de banques, ou la folle appréhension de l’éléphant. Aussi touchants que farfelus et attachants, ils nous arrachent carrément une larmichette.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande, dès mercredi 21 décembre.

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Grand écran: Kore-eda, peintre de la famille japonaise, explore l'image du père dans "Après la tempête"

aaeda.jpgPeintre de la famille japonaise, sujet inépuisable, Hirokazu Kore-eda, réalisateur de Nobody Knows, Still Walking ou Tel père tel fils, propose un nouveau tableau avec Après la tempête. A l’origine, on découvre une histoire personnelle qui couvait en lui depuis le décès de son père il y a 15 ans. Le film explore ainsi l’image paternelle à travers celle d'un joueur invétéré couvert de dettes qui vient de mourir (laissant une veuve peu éplorée et pleine d'énergie), et celle de son fils Ryota, héros déchu, charmeur et complètement immature. Il est formidablement interprété par le très charismatique Hiroshi Abe (photo).

Après un début prometteur d’écrivain, Ryota est rattrapé par la passion du jeu, abandonne ses ambitions littéraires et se retrouve dans la peau d’un détective privé véreux sur les bords. Gaspillant son maigre salaire aux courses, il n'a pas les moyens de s'acquitter de la pension alimentaire de son gosse Shingo, 11 ans, dont il est séparé comme de sa femme Kyoko, qui vit avec un autre homme.

Ryota ne tente pas moins péniblement de regagner leur confiance, plus spécialement celle de Shingo le regardant avec méfiance alors qu’il passe la journée avec lui, lui payant un hamburger ou des chaussures de baseball. Et puis le soir, un typhon les contraint tous les trois à passer la nuit chez la grand-mère qui espère secrètement les voir réunis.

Avec cette chronique intimiste, Kore-eda excellant à son habitude dans l’observation des rapports humains, nous laisse pénétrer au sein d’une famille déchirée mais qui peut se raccommoder. Après la tempête est certes plus amer, moins tendre que ses films précédents, mais l’auteur ne cherche pas pour autant à filmer des gens désabusés. Au contraire il leur insuffle un certain espoir, nous expliquait-il lors d’un passage à Genève.

En fait, vous évoquez le monde à travers la cellule familiale.

Je montre la complexité de chacun de ses membres. Je vais derrière les apparences. Cela me permet de saisir, de développer des traits d’humanité, de psychologie. J’accorde de l’importance aux lieux, à l’utilisation fréquente d’une radio portable exprimant une certaine solitude, à la manière d’être, de vivre, de discuter autour de la nourriture ou autres détails plus anodins.  

Votre vision de la paternité est au cœur du film. A ce propos, vous prétendez que l’amour du père est à retardement. En avez-vous souffert ?

J’ai en effet toujours eu l’impression qu’il venait trop tard. Je l’ai vécu moi-même pour avoir commencé à aimer vraiment mon père après sa mort. Et j'ai aussi ressenti le sien à ce moment-là. L’amour paternel se construit sur une temporalité plus longue que celui de la mère qui est constant, voire envahissant, sinon asphyxiant. Mais dont un enfant ne peut jamais douter.

Ryota voudrait changer, mais tiraillé entre sa mère, son ex-femme et son fils, il n’évolue pas tellement. Cela dit, à défaut de devenir plus mature, il prend davantage conscience de ce qui se passe. 

Les personnages qui gagnent en maturité ne me passionnent pas. Ce que je voulais montrer avant tout, c’est cette prise de conscience dont vous parlez. Je la vois comme une sorte d’éveil. Il n’y a pas de changement magistral chez Ryota, mais des détails positifs. Au cours du typhon, il se redresse un peu. La tempête est un symbole de purification. Elle donne la possibilité de laver les choses.

Comme toujours, les repas revêtent une dimension particulière. Aimez-vous la cuisine?

Oui, beaucoup. Toutes les cuisines. Cela dit, dans les drames familiaux, le plus intéressant se passe dans la préparation, les conversations avant les repas et les rangements qui les suivent. Pendant on mange et on a la bouche pleine…

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 décembre.

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20/12/2016

Grand écran: Jim Jarmush exalte la poésie du quotidien dans "Paterson". Avec grâce et humour

aajarmush.jpgIl en avait envie depuis plus de 20 ans. Jim Jarmush s’est lancé un sacré défi: exalter la beauté du bonheur au quotidien avec  Paterson. Ce titre est aussi le nom de son personnage principal, celui de la ville du New Jersey où se déroule l’intrigue et celui du célèbre recueil du poète américain William Carlos.

Conducteur de bus, Paterson, incarné par Adam Driver, écrit lui aussi des poèmes dans un carnet dont il ne se sépare jamais. Des textes courts naïfs, racontant des choses concrètes, simples, presque façon haïku. Des poèmes en réalité écrits par Ron Padget, un des auteurs préférés de Jarmush,

S’il écoute les conversations de ses passagers qui pourraient nourrir son inspiration, Paterson la puise principalement dans son amour inconditionnel pour Laura, sa compagne, (Golshifteh Farahani) qui le lui rend bien. Tous deux habitent une modeste maisonnette en compagnie de Marvin, leur bouledogue anglais grognon et charismatique. Ils vivent une existence à la fois ordinaire et unique, rassurante et ultra ritualisée. 

Chaque matin Paterson se réveille pile à 6h15, part à son travail, transporte ses concitoyens, retrouve femme et foyer, promène le soir Marvin qu’il attache tel un cow boy son cheval devant un bar où il prend sa bière habituelle, avant de rentrer chez lui et de se coucher auprès de sa dulcinée. Pour tout recommencer pareillement le lendemain. Et ceux d'après.

De son côté la fantasque, farfelue, lunaire et joyeuse Laura, qui n’est pas à une lubie près, multiplie les projets et les expériences loufoques, s’inventant chanteuse country ou pâtissière, redécorant obsessionnellement tout ce qui lui tombe sous la main en noir et blanc des murs à ses robes en passant par d’immangeables cupcakes.

Le grain de sable

Elle admire et motive son homme, aimerait bien qu’il soit publié. Mais il rechigne à laisser lire ses oeuvrettes. Peu importe Ils sont follement heureux au sein de ce cocon domestique où l’addition de petites joies et menus plaisirs remplace les grands événements spectaculaires. Jusqu’au jour où un grain de sable fait figure de cataclysme dans cet océan d'harmonie. Jarmush livre alors une peinture plus profonde, subtile et existentielle de ses deux héros que leur couple de conte de fées le laissait paraître.

On n’en dira pas davantage, sinon que cette comédie singulière flirtant avec l’absurde et portée par deux excellents comédiens (photo) se révèle pleine d’émotion, de poésie et de grâce. La répétition des situations banales ainsi que le traitement magnifié d’un quotidien faussement monotone et d’une existence apparemment vide rendent par ailleurs l’opus irrésistiblement cocasse.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 décembre.

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14/12/2016

Grand écran: "Cigarettes et chocolat chaud" raconte la vie de la famille Patar. Laborieux

acottin.jpgDécidément le papa poule a la cote. Après Omar Sy dans Demain tout commence, c’est Gustave Kervern qui s’y colle dans Cigarettes et chocolat chaud, où il donne la réplique à Camille Cottin déguisée en assistante sociale (photo). C’est le premier long-métrage Sophie Reine, monteuse à la base. Le titre vient d’une chanson de Rufus Wainwright Cigarettes And Chocolate Milk et la réalisatrice s’est inspirée de sa propre expérience de vie pour brosser laborieusement le portrait d’une famille un rien borderline.

Veuf, Denis Patar est le père foutraque, aussi aimant que maladroit et déboussolé de deux filles, Janis, 13 ans, souffrant du Syndrome Gilles de La Tourette et Mercredi, 9 ans. Il se débrouille comme il peut pour les élever, mais obligé de cumuler deux boulots, il n’a ni l’autorité, ni le temps, ni l’argent pour bien gérer le quotidien. C’est ainsi que chez les Patar, on porte des chaussettes dépareillées, on mange des chips au petit déjeuner, on trouve rigolo d’avoir des poux, le tout dans un joyeux bordel à la fois coloré et sale. Inutile de préciser que les gamines adorent.

Et puis Denis rate une fois de trop la sortie de l’école de Mercredi qui se retrouve au commissariat. L’administration le juge défaillant et désigne Séverine, une enquêtrice austère et carrée, qui lui impose un stage de parentalité s’il veut conserver la garde de ses enfants. Denis d’exécute, mais anticonformiste depuis toujours, se soumettre aussi facilement à la loi n’est pas franchement son genre.

D’où, entre ces deux personnages que tout sépare, une série de scènes qui se veulent drôles, touchantes et décalées. L'auteur se pique aussi d’un éloge à la différence, assorti d’une réflexion sur la famille, ses codes, la perte d'une mère, l’obligation sotte de toujours marcher dans les clous pour avoir des gosses épanouis. Des intentions louables. Dommage pourtant que le film ne nous en offre le plus souvent qu’une caricature à l’écran.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 décembre.

 

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13/12/2016

Grand écran: "Rogue One: A Star Wars Story", épuisant film de guerre visuellement bluffant

aaastar.jpgRogue One, réalisé par Gareth Edwards, n’a pas droit au légendaire texte déroulant, signature de Star Wars, en guise de générique d’ouverture. Frustrant, mais c’est pour mieux affirmer son statut de spin-off, puisqu’il s’agit du premier des trois films dérivés de la saga imaginés par Disney, dont le deuxième est prévu pour 2018 et le troisième pour 2020. Ils sont regroupés sous le signe A Star Wars Story.

Nous sommes dans une période de guerre civile, qui se déroule entre le troisième épisode La revanche des Sith et le quatrième, Un Nouvel espoir. L’’Etoile de la mort est en construction. Arme absolue de l'Empire galactique capable d’anéantir des planètes entières et faisant également office de base militaire, elle est destinée à inspirer la peur aux insoumis.

L'Alliance rebelle a appris l'existence de la station. Contre son avis, la jeune Jyn Erso, qui s'est révoltée contre l’Empire, prend la tête d’un commando ayant pour but de voler les plans secrets de la redoutable Etoile noire. Jyn est aidée par son coéquipier, le capitaine Cassian Andor, une équipe de mercenaires dont le pilote Bohdi et Chirrut une sorte de amouraï aveugle, ainsi que par un ancien droïde impérial, grand bipède au regard un rien tristounet, mais loin d’avoir le charme de BB-8, l’adorable robot aspirateur du Réveil de la force.

Leur périple les conduira sur différentes planètes comme l’hivernale Jedha,ou la tropicale Scarif sous domination de l’Empire, En route, ils devront affronter les véhicules terrestres et spatiaux aux ordres du cruel Directeur Orson Krennic qui contrôle la mise en place de l'Étoile noire. Et j’allais oublier le retour fugitif de Dark Vador qui supervise les opérations.

Une histoire tarabiscotée

Dit comme ça, les choses ont l’air relativement simples. Mais en réalité, ce sombre, violent, épuisant
et interminable film de guerre est parfois tellement tarabiscoté qu’une chatte n’y retrouverait pas ses petits. Du coup on se déconcentre, on perd le fil et on finit par s’ennuyer ferme entre l’absence de Jedi en vedette, d’incessantes explosions, de combats au pistolet laser aussi barbants que répétitifs et une musique assourdissante. Par ailleurs on n’en peut plus d’entendre "Je fais corps avec la force, la force est en moi…". Tout ça pour que le malheureux passe de vie à trépas à la fin de la phrase répétée à l’envi!.

aastar.jpgEnfin le charismatique Mads Mikkelson, alias Galen le papa chéri de l’intrépide Jyn Erso, est éliminé bien trop tôt. Alors certes on aime bien, dans le rôle de cette meneuse ntrépide et pleine d’autorité, la jolie Felicity Jones, récemment à l’affiche d’Une merveilleuse histoire du temps.  En outre c’est souvent visuellement bluffant et les effets spéciaux sont décoiffants. La moindre des choses, entre nous,

De toutes façons, à en juger par le nombre de critiques dithyrambiques, les fans devraient être comblés par ce Rogue One. Un titre qui peut surprendre mais qu’explique le réalisateur: "Rogue est parfois employé comme appellation militaire, mais comme il s’agit du premier film à sortir des rails et ne pas vraiment faire partie de la saga- ou plutôt de l’histoire d’Anakin- c’est donc le Rogue One (Le premier en marge) ».

A l’affiche dès mercredi 14 septembre.

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12/12/2016

Grand écran: Kristen Stewart magnétique dans "Personal Shopper" d'Olivier Assayas

ashopperas.jpgAprès leur première collaboration dans Sils Maria en 2014, Olivier Assayas et  Kristen Stewart ont eu envie de renouveler l’expérience avec Personal Shopper, où la nouvelle muse du cinéaste se retrouve à incarner une assistante de star. Jeune Américaine dépressive et solitaire installée à Paris, Maureen s’occupe, bien qu’elle déteste ça, de la garde-robe d’une célébrité de la mode trop débordée pour faire ses courses elle-même chez les grands-couturiers et les bijoutiers.  

L’occasion d’un défilé de marques de Chanel à Cartier en passant par Louboutin, prétexte pour le réalisateur de critiquer un monde obnubilé par le luxe. Car pour lui, Personal Shopper est  l’histoire d’une femme exerçant un travail d’un matérialisme aliénant et cherchant le salut dans le rejet de ce matérialisme.  

Cela dit,elle n’a pas trouvé mieux pour payer son loyer en attendant une manifestation de l’au-delà- Car par ailleurs medium, Maureen cherche à communiquer avec Lewis, son jumeau décédé récemment des suites d’une malformation cardiaque, une maladie dont elle est souffre également. Inconsolable, incapable de faire son deuil, elle affirme sentir la présence du cher disparu, ce qui lui permet de conserver l’espoir d’un dernier signe de lui, pour pouvoir vivre sa vie restée en suspens. Elle se met alors à recevoir sur son portable d’étranges messages anonymes, la poussant à devenir une autre.  

Le réalisateur fasciné par son héroïne

Impressionnante, brillante, magnétique, de chaque plan,  Kristen Stewart,superbement filmée sous toutes les coutures par un Olivier Assayas à l’évidence fasciné par son héroïne, offre une remarquable prestation dans un rôle subtil et complexe, à l’image de l’opus,

Inclassable entre thriller horrifico-psychologico-fantastico-fantomatique et drame intime, Personal Shopper  se révèle envoûtant, déroutant, bizarroïde. Il nourrit une sorte de méditation érudite, cérébrale et irrationnelle, convoquant des spectres sous forme de masses gazeuses, le souvenir d’ Hilma Af Klint, pionnière de l’art abstrait, ou celui d’un Victor Hugo spirite joué par Benjamin Bioley.   

Tout n’est certes pas parfait.L'histoire se perd un peu parfois et on reprochera notamment à Assayas une séquence aussi longue qu’improbable, nous valant d’interminables échanges de textos. Des réserves mineures cependant, non seulement gommées par la présence envoûtante de Kristen Stewart, mais également par une belle image et une mise en scène sophistiquée, élégante. A Cannes en mai, elle a justement valu le prix à son auteur (à égalité avec Baccalauréat du Roumain Cristian Mungiu), en dépit des huées de certains critiques chagrins.   

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 décembre.

 

 

 

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09/12/2016

Grand écran: dans "Premier contact", Denis Villeneuve part à la rencontre des extraterrestres

apremier.jpgAvant Blade Runner 2049, dont la sortie est prévue en octobre prochain, Denis Villeneuve s’est fait la main avec Premier Contact (Arrival en VO), basé sur la nouvelle Story Of your life de Ted Chiang. L’auteur, qui s’est entouré d’Amy Adams, Jeremy Renner et Forest Whitaker, rêvait de faire un film de science-fiction depuis l’âge de 10 ans. Une réussite. Se risquant à une nouvelle approche, il utilise les codes du genre pour mieux les transcender.

Douze énormes et mystérieux vaisseaux ovoïdes venus du fond de l’espace atterrissent aux quatre coins de la planète. Face au problème, sinon à la menace que constitue leur présence, le monde ne tarde pas à se retrouver au bord de la guerre, des réactions extrêmes mettant en péril la solidarité internationale.

Pour répondre aux questions angoissées des populations avides de réponses, une équipe d’experts est alors réunie. Sous la direction de la linguiste Louise Banks (voilà qui nous change du militaire haut-gradé et du super agent de la CIA!), ils vont tenter de comprendre les intentions éventuellement belliqueuses de leurs occupants. De drôles de créatures à sept pieds, autrement dit, des heptapodes...

abanks.jpgDévastée par la perte d’un enfant et en quête de rédemption, Louise Banks (incarnée par l’excellente, fragile et pugnace Amy Adams) réussit l’exploit d’entrer en contact avec deux d’entre eux, Abbott et Costello, un clin d’oeil aux célèbres humoristes des années 40/50. Ils finiront par lui expliquer qu’ils sont venus initier les Terriens à leur langage. Car dans 3000 ans, ce sont les heptapodes qui auront besoin d'eux. 

Spielberg n'est pas loin, Kubrick encore moins

Spielberg n’est pas loin, mais surtout le réalisateur assume une filiation avec Stanley Kubrick, avec l’invention de son immense oeuf extra-terrestre noir flottant au-dessus du sol, qui rappelle évidemment le fameux monolithe d’Odyssée 2001.

Il va plus loin dans la mesure où il pénètre à l’intérieur de l’objet pour tenter de percer les secrets de l’énigme métaphysique laissée par le génial Stanley. Il s’agit en l’occurrence de parcourir un long tunnel au bout duquel se trouve la salle de communication équipée d’un écran derrière lequel évoluent les heptapodes. 

Brassant les genres, science-fiction, thriller, mélodrame fantastique, Denis Villeneuve livre ainsi un récit passionnant, fourmillant de trouvailles visuelles, sur l’importance du dialogue entre tous les êtres, humains et aliens confondus.

Un film intelligent, plein d’émotion, mélancolique, puisant dans l’intime, à la fois contemplatif et sous tension, privilégiant les acteurs aux dépens des effets spéciaux. Jouant du flashback et du flashforward, cette rencontre du "quatrième type" explore avec talent notre rapport, notre désarroi et nos peurs devant l’inconnu. Un bémol toutefois concernant le symbolisme lourd de certaines scènes, notamment le dénouement qui en est surchargé.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 7 décembre.

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06/12/2016

Grand écran: "Seul dans Berlin" montre le courage d'un couple ordinaire face au nazisme

aberlin.jpgComment rater un excellent sujet. C’est la remarque qui ne tarde pas à s’imposer à la vision de Seul dans  Berlin, le troisième long-métrage du Suisse Vincent Perez évoquant un épisode historique peu connu. Nous sommes en 1940. La ferveur nazie est à son comble après la victoire sur la France. Mais la population berlinoise est aussi paralysée par la peur. A l’image d’Otto et Anna Quangel, un couple d’ouvriers habitant un quartier modeste et qui font profil bas, comme leurs voisins, devant la suffisance du Reich.

Apprenant que leur fils unique est mort au front, tout bascule chez eux. Dévastés, ils décident de se révolter, Otto dévoilant à Anna son idée de disséminer dans la cité des cartes où sont écrits de petits messages anonymes, critiquant Hitler et ses sbires. Une démarche insolite, au péril de leur vie. Car s’ils sont découverts, ils savent qu’ils seront impitoyablement exécutés.

La première atterrit rapidement à la Gestapo et le cas est confié à l’inspecteur Escherich. Bientôt un jeu périlleux du chat et de la souris s’instaure. La menace se rapproche chaque jour, Escherich étant brutalement sommé par ses supérieurs, irrités par cet acte de rébellion, de trouver au plus vite les coupables de ce crime anti-nazi. Le danger ne fait toutefois que renforcer la détermination d’Otto et d’Anna, qui multiplient audacieusement la pose des cartes. Entre 1940 et 1942, il  y en aura 267 transmises à la Gestapo. Les Quangel finiront dans ses murs…

Inspiré du roman éponyme d'Hans Fallada    

Vincent Perez, qui avait été sélectionné en compétition officielle à la dernière Berlinale, s’est inspiré du roman éponyme de l’écrivain Hans Fallada, sorti en 1947, l’un des premiers à décrire le quotidien des citoyens allemands sous l‘hitlérisme et la lutte de certains contre lui. Malheureusement, bien qu’on le sente animé de bonnes intentions et qu’il ait mis neuf ans à faire son film, le réalisateur livre une adaptation quelconque de la dramatique histoire vraie d’Otto et Elise Hampel (rebaptisés Otto et Anna Quangel).

Il y avait pourtant matière à un thriller d’envergure, aussi oppressant qu’intense dans le récit d’une prise de conscience allemande, de la résistance silencieuse à la barbarie à l’intérieur même du pays, du combat désespéré, du courage et de la souffrance de gens ordinaires transformés en héros face à l’ignominie d’un régime violemment répressif.

Quant aux comédiens principaux, non des moindres puisqu’il s’agit d’Emma Thompson, de Brendan Gleeson (photo) et de Daniel  Bruhl, ils sont certes dignes mais enfermés dans la banalité de dialogues plus explicatifs que captivants. En anglais de surcroît! Du coup, leur présence ne suffit pas à insuffler une âme à ce film manquant d’émotion, d’audace et de personnalité.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 septembre.

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Grand écran: "Demain tout commence", avec Omar Sy reconverti en papa poule

aomarsy.jpgSea, sex and sun dans le sud de la France pour Samuel (Omar Sy), qui se la coule douce dans son job tout en jouant l’ado attardé, cavaleur, baratineur et irresponsable. Jusqu’au jour où une de ses anciennes conquêtes, Kristin (Clémence Poésy), lui laisse sur les bras un bébé de quelques mois, Gloria: sa fille! Incapable de s’occuper d’un nourrisson et décidé à le rendre à sa mère, Samuel se précipite à Londres pour tenter de la retrouver. Sans succès évidemment.

C’est là qu’il rencontre Bernie, un homosexuel britannique. Particulièrement sensible à la plastique de Samuel, le dandy accepte, en toute amitié s’entend, de l’héberger avec Gloria. Dingue de sa gosse, l’improbable géniteur devenu père idéal lui construit une vie de rêve dans un appartement génial, lui inventant de surcroît une maman formidable.

Inséparables, tous deux nagent dans le bonheur lorsque huit ans plus tard, Kristin réapparaît subitement et enfile le costume de la méchante en voulant récupérer la garde de Gloria. Le drame pour Samuel, d’autant qu’une visite chez le médecin a jeté une ombre inquiétante sur son quotidien enchanté…

Demain tout commence, surfant notamment sur le thème rebattu de qui fait finalement le meilleur parent, tente de relever le niveau des comédies françaises du genre Ma famille t’adore déjà, Le petit locataire, sans oublier Papa ou maman 2 également de sortie ce mercredi. Mais le dit niveau étant tellement bas, inutile de préciser qu’on n'atteint pas des sommets avec ce mélo familial d’Hugo Gélin, remake de Ni repris ni échangé du Mexicain Eugenio Derbez.

Question interprétation, on est aussi assez loin du top. Omar Sy, l’acteur préféré des Français (qui le restera sans nul doute), peine à se départir de son éclatant sourire façon Pleyel de concert et de son lassant côté clown, même s’il met ensuite un bémol dans son rôle de papa poule pudique et super sympa. La jeune Gloria Colston tient mieux la route en incarnant une gamine mature pour son âge, bien qu’immergée dans un redoutable océan d’amour et de tendresse propice à la voir virer tête à claques.

Quant au réalisateur, non content de nous proposer un film bourré de bons sentiments et tire-larmes à souhait, il tombe carrément dans le pathos échevelé, compliquant un scénario déjà confus d’un twist final inutilement tordu.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 septembre.

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05/12/2016

Grand écran: avec "Baccalauréat", Cristian Mungiu se livre à l'examen impitoyable de nos sociétés

abaccalau.jpgRoméo n’a pas vraimentle physique que son prénom suggère... Médecin quinquagénaire massif et enrobé ruminant son échec, il exerce dans une bourgade de Transylvanie. Convaincu qu’il n’y a plus d’avenir en Roumanie après y être revenu plein d’espoir en 1991, il s’est démené pour que sa fille Eliza, la prunelle de ses yeux, soit acceptée à l’Université de Cambridge. Il ne lui reste qu’à passer son bac, une formalité pour cette élève modèle.

Rien ne va pourtant se dérouler comme prévu dans Baccalauréat du Roumain Cristian Mungiu. Eliza est agressée sexuellement à quelques jours des épreuves. Elle est blessée et le drame risque de peser sur ses résultats et remettre en cause sa bourse pour l’Angleterre, ainsi que toute la vie de Roméo. Sa réussite sociale par procuration est une telle obsession qu’il est devenu pratiquement insensible à tout le reste. Et notamment à sa femme qui s’apprête à le quitter, et pour qui les mots devoir et honneur ont encore de l’importance.

Dangereuses magouilles

Intensément frustré, Roméo oublie tous les principes qu’il a inculqués à sa fille et cherche n’importe quel moyen pour qu’elle réussisse. Il finit par se lancer dans de dangereuses magouilles, en acceptant l’aide d’un malade influent en vue de corrompre le correcteur des copies. Le piège se referme, c’est l’engrenage.

Centré sur les rapports sur les rapports père/fille, Baccalauréat, filmé en longs plans-séquences, est une critique sociale virant au film noir, où Cristian Mungiu part du singulier pour viser l’universel. Roméo personnifie la Roumanie d’aujourd’hui, hantée par les fantômes du passé, minée par les compromis "nécessaires", les compromissions et le trafic d’influence auxquels s’initie un honnête homme.

Entre culpabilité et rédemption, ses thèmes de prédilection, le réalisateur se livre à un examen passionnant et impitoyable concernant toutes nos sociétés. On regrettera juste le dénouement de l’opus, porté par d’excellents comédien dont l’interprète principal Adrian Titieni. Dans une scène plate, Cristian Mungiu montre de façon assez mièvre que le salut passera par la jeunesse. Ou peut-être pas...

Rappelons que Cristian Munigiu, habitué du Festival de Cannes, avait obtenu en 2007 la Palme d'or pour 4 mois, 3 semaines, 2 jours. En mai dernier, il remportait avec Baccalauréat le prix de la mise en scène, à égalité avec Personal Shopper du Français Olivier Assayas. 

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 décembre. 

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01/12/2016

Grand écran: " L'idée d'un lac", chronique poétique sur une femme enceinte à la recherche de son passé

alac.jpgEn 2011, la réalisatrice helvético-argentine Milagros Mumenthaler déjouait tous les pronostics en raflant le Léopard d’or au festival de Locarno pour son premier film Abrir puertas y ventanas.

A nouveau sélectionnée en compétition en août dernier, elle ne connaissait pas le même succès avec le second La idea de un lago (L’idée d’un lac), chronique intime et poétique sur une femme enceinte qui part à la recherche de son passé.

Photographe professionnelle, Inès se décide à terminer un livre avant la naissance de son enfant. Son travail la renvoie à la maison des grands-parents située au bord d’un lac dans le sud de l’Argentine, où se réunit la famille pour les vacances d'été. C’est là qu’a été prise la seule photo qu’elle conserve d’elle et de son père avant qu’il disparaisse, victime de la dictature militaire.

Milagros Mumenthaler s'est librement inspirée d’un livre de photos et de poèmes autobiographiques de Guadalupe Gaona Pozo de aire, pour lequel elle eu un coup de cœur. Il a provoqué dans sa tête des images fortes qui lui ont donné envie de réaliser son film, dont on retient avant tout une certaine émotion et de très belles images.

Elles flirtent par ailleurs parfois avec le fantastique lorsqu’elle imagine son père sous l’apparence de la petite Renault verte qu’il conduisait et avec laquelle elle se baigne dans le lac… On reprochera malgré tout au film un côté peu abouti en ce qui concerne la mise en scène et la direction des personnages.

A ‘affiche dans les salles de Suisse romande dès le 30 novembre

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