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12/10/2016

Grand écran: "L'Odyssée" évoque la légende Cousteau, star narcissique et militant écolo

aodyssee.jpgEn ces temps difficiles, la France a besoin de héros. Le cinéma lui en offre un sur mesure avec le commandant Jacques-Yves Cousteau, iconique aventurier au bonnet rouge, du moins pour les plus de vingt-trente ans, à qui Jerôme Salle rend hommage dans L’Odyssée. Un biopic incarné par Lambert Wilson, Pierre Niney et Audrey Tautou, porté aux nues par la quasi-totalité de la presse hexagonale.

 Vivant au sud de la France dans une maison surplombant la Méditerranée avec sa femme Simone, ses deux fils Jean-Michel et Philippe "JYC" ne rêve que d’aventures. En 1949, il invente un scaphandre autonome et découvre un nouveau monde dont il n’a alors de cesse de sonder les profondeurs à bord de la Calypso, fameux navire et futur symbole de son œuvre.

Grand admirateur du lauréat d'une discutable Palme d’or cannoise en 1954 pour Le monde du silence, Jerôme Salle se penche sur sa personnalité complexe et contradictoire. Un portrait qui se veut sans fard, dévoilant les zones d’ombre d'un homme sec, dur et autoritaire, n'hésitant pas, à ses débuts d'explorateur, à capturer des otaries pour les étudier ou à jeter sans scrupule des tas d’ordures à la mer. Et qui surtout, touchant à la célébrité, se transforme en star narcissique, âpre au gain et impénitent coureur de jupons,

Parallèlement à cette course effrénée à la reconnaissance et aux contrats, le réalisateur construit sa dramaturgie à travers les relations conflictuelles que ce père dominateur entretenait avec son second fils Philippe, casse-cou avide de son amour et de son admiration, mort dans un accident d’hydravion en 1979. C’est d’ailleurs avec cette tragédie que le film commence.

Jerôme Salle évoque également les rapports acrimonieux avec sa femme Simone, épouse trompée et délaissée, rongée par les infidélités de son mari et noyant sa jalousie dans l’alcool à bord de la Calypso, dont elle avait fait sa maison après l’avoir payée en vendant des bijoux hérités de sa mère.

Mais, comme débarrassé de l’hagiographie en stigmatisant l’égoïsme du séducteur dévoré d’ambition dans sa
première partie, le film s’emploie à son rachat tout au long de la seconde. En insistant longuement sur la conversion de l’infidèle paternel écrasant à l’égo surdimensionné en ardent défenseur des océans, grâce à Philippe qui lui avait opportunément ouvert les yeux sur l’importance de la chose.

C’est ainsi qu’en dépit de bons acteurs, à commencer par Lambert Wilson (photo) en Cousteau plutôt bluffant et souvent plus vrai que nature, de superbes images de fonds marins, de spectaculaires ballets de requins et de baleine, ce biopic reste finalement ce qu’il prétend ne pas être: un film essentiellement à la gloire du commandant, précurseur sur le tard pourtant de l’écologie moderne.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 12 octobre.

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11/10/2016

Grand écran: médecin et détective, Adèle Haenel porte "La fille inconnue" des Dardenne

afilleinc.jpgMédecin à Liège.Jenny Davin refuse d’ouvrir la porte de son cabinet à une patiente, l’heure de fermeture étant passée. La retardataire, une jeune fille, est retrouvée morte sur une berge le lendemain matin, à deux pas de là. Rongée par le remord, apprenant de surcroît que la police ignore son identité, Jenny se transforme en détective et va tenter de la sortir de l’anonymat pour lui permettre d’être dignement enterrée.

D’abord centrée sur les gestes et le quotidien d’une généraliste, l’intrigue bifurque ainsi vers une enquête menée avec les moyens de la médecine, au cours de laquelle Jenny découvre à la fois l’identité de la morte et le coupable.

Mais l’essentiel n’est pas vraiment là. Livrant une réflexion sur la culpabilité et la responsabilité, le film évoque, par le biais de la quête expiatoire de Jenny, une rédemption possible. En montrant par ailleurs que chacun, à son échelle, a la possibilité d’améliorer les choses face à la souffrance et à la misère.

Intéressante radiographie de notre société avec un petit côté christique, ce dernier opus des Dardenne laisse toutefois un peu sur sa faim. Eux qui visaient une troisième Palme d’or à Cannes sont repartis bredouilles avec La fille inconnue, bien que porté par une convaincante Adèle Haenel. Sorte de sainte laîque, elle enlève le morceau par sa combativité, son énergie, son obstination, son jeu simple, sobre, naturel et intense.

Les deux frères planchent sur ce film depuis 2008, tout en en réalisant d’autres. De passage à Genève, ils nous racontent qu’au départ ils l’avaient imaginé avec un médecin qui se sent coupable de la mort de quelqu’un. Mais un médecin plus âgé qu’Adèle Haenel. Il y a deux ans, ils voient la jeune femme à une soirée, lui trouvent un côté naïf qui leur plaît et sa présence s’impose. "On a pensé que son inexpérience pourrait pousser les gens à davantage se dévoiler. Sans calcul. On a alors retravaillé tout le scénario".  

Peut-on parler d’une photographie de la société à travers le travail de ce médecin confronté à la souffrance ?

En partie. Par exemple, cette fille découverte au bord de l’eau symbolise les migrants qui meurent et qu’on retrouve sur les plages. Et on s’en fout.

Mais pas Jenny. Elle refuse l’endormissement, de dire qu'on ne peut rien faire, que rien ne changera jamais. Et que donc elle s’en lave les mains.

Bien que rien ne puisse être retenu contre elle, Elle refuse en effet de ne pas se sentir coupable, elle essaye de réparer, elle change de vie. Ce n’est plus la même femme. Ce sont les plus faibles qui vont vers elle., ce qu’elle ne voulait pas au début. Elle avait l’intention de faire carrière, de s’élever vers quelque chose de mieux.

En somme le docteur remet les choses à l’endroit dans un monde qui va à l’envers.

Le film porte une forme d’optimisme. Pas dans le sens d’aimer l’humanité mais un autre individu. En même temps on n’est pas dans les bons sentiments. Jenny ne va pas s’épancher. On ne se sert pas d’elle pour dire que la rédemption est possible. On s’intéresse à un personnage sans qu’il soit un porte-parole.

Comment Adèle Haenel a-t-elle préparé son rôle?

Elle est allée pendant deux semaines chez une femme médecin qu’on connaissait pour voir comment les choses se passaient, apprendre les gestes, les prises de sang, pour que cela devienne automatique. Pour nous c’est important.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 12 octobre. 

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05/10/2016

Grand écran: "Aquarius" dénonce un Brésil gangrené à travers un somptueux portrait de femme

aquarius.jpgSélectionné surprise en compétition au dernier Festival de Cannes, Aquarius, le deuxième long-métrage de Kleber Mendonça Filho avait été plébiscité, à l’image de Maren Ade et son Toni Erdmann. Mais, tout comme l’Allemande, le Brésilien était reparti les mains vides. L’équipe du film n’en n’avait pas moins profité de la fameuse montée des marches et son écho international pour brandir des pancartes, protestant contre la destitution de l’ex-présidente Dilma Roussef et comparant cet acte à un coup d’Etat.

Dans Aquarius, le réalisateur se penche sur le quotidien de Clara, issue de la classe moyenne aisée, et qui fut une critique musicale réputée à Recife, au cours des années 60 et 70. Aujourd’hui cette veuve sexagénaire et mère de trois enfants, possède le dernier appartement d’un immeuble qui n’a pas été racheté par un promoteur voyou. Mais il commence à la harceler pour l’obliger à vendre.

La combative obstinée et orgueilleuse Clara, une vraie résistante qui a notamment survécu à un cancer du sein et qui continue à jouir de l’existence comme bon lui semble, ne se laisse pourtant pas facilement déstabiliser. Elle est bien décidée à rester dans un leu désormais désert, mais qui contient toute sa vie entre ses souvenirs, sa collection de vinyles et ses livres. S’il est subtil et intelligent, le portrait que brosse le cinéaste n’est pas toujours flatteur, dévoilant un personnage impérial et digne, qui peut à l'occasion se révéler égoïste, sinon odieux.

Un pays miné par la crise, la spéculation, la corruption

Plus important, à travers la lutte de cette femme forte incarnée par la grande, magnifique, sensuelle et solaire Sonia Braga, le cinéaste livre une sorte de radiographie du Brésil. Evoquant plus largement un pays gangrené par un libéralisme agressif, il dénonce un capitalisme sauvage se traduisant par la crise, la spéculation, la corruption, les persistantes inégalités sociales.

En raison de son sujet et de la petite manifestation cannoise, Aquarius, fable fleuve en forme de chronique politique, avait été d’abord interdit aux moins de dix-huit ans, un âge qui a finalement été abaissé à 16 ans. Il a par ailleurs fait un véritable carton au Brésil et décroché deux prix au Festival Biarritz Amérique latine. Mais voilà qui ne lui a pas suffi pour représenter son pays dans la course aux Oscars.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 5 octobre.

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Grand écran: "Une vie entre deux océans", trop tire-larmes pour émouvoir vraiment

auneviie.jpgAu lendemain de la première Guerre ondiale. Tom Sherbourne, ancien soldat encore traumatisé par le conflit, aspire à l’isolement pour tenter d'oublier ses horreurs. Il pense le trouver en se proposant comme gardien de phare sur la petite île inhabitée de Janus, en Australie. Il y vit en solitaire, avant de tomber sous le charme d’Isabel, la fille d’un dignitaire du port le plus proche. Elle le supplie de l’épouser et de l’emmener avec lui sur cette terre austère, belle et sauvage. 

Tous deux s’aiment d’un amour fusionnel que vient de surcroît bénir la promesse d’un enfant. Que demander de plus dans l’existence? Hélas Isabel fait deux fausses couches et doit se résoudre à la pensée qu’elle n’aura plus jamais d’enfant. C’est pourtant là que le destin s’en mêle. Une barque s’échoue sur la plage, avec à l’intérieur un homme mort et un nouveau-né miraculeusement indemne. Tom et Isabel commettent alors la folie d’enterrer secrètement le corps et de garder le nourrisson, une petite fille, en laissant croire qu’il s’agit de la leur…

Réalisé par Derek Clanfrance, interprété par Michael Fassbender, Alicia Vikander (photo) et Rachel Weisz,  Une vie entre deux océans est tiré du best-seller éponyme de M.L. Stedman. Surfant entre folle passion, désir obsessionnel de maternité, secret, mensonge, culpabilité et abnégation, l’auteur défie le spectateur de rester indifférent au drame vécu par ses héros.

C’est pourtant le cas face à ce mélo, bien que porté par des acteurs de talent et ne lésinant pas sur la somptuosité des paysages. Mais il est tellement calibré pour faire pleurer dans les chaumières qu’il peine à émouvoir vraiment.

A l‘affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 5 octobre.

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04/10/2016

Grand écran: "Le ciel attendra" montre des jeunes filles piégées par Daech. Bouleversant et indispensable

aciel.jpgComment et pourquoi une jeune fllle, aujourd’hui, peut avoir envie de partir en Syrie? C’est ce qu'explique Le ciel attendra en mettant en scène deux d'entre elles. Mélanie et Sonia. Mélanie a 16 ans. Elle vit avec sa mère Sylvie, aime l’école et ses copines, joue du violoncelle et veut changer le monde. Mais l'irréparable se profile lorsqu’elle rencontre son "prince" sur internet, en tombe amoureuse et se fait petit à petit prendre dans les filets de Daech. Un piège qui a aussi failli se refermer sur Sonia, 17 ans, pour "garantir à sa famille une place au paradis".

Un film intelligent, lucide, indispensable, analysant ce moment où les ados sont contre tout ce qui représente l'autorité, explorant parallèlement l’intimité et la psychologie de deux filles qui ont basculé, ou vont le faire, dans le fanatisme. L’opus montre aussi la façon dont les proies sont repérées grâce aux réseaux sociaux, après avoir posté des messages avec des mots-clés qui permettent d'établir le contact. Il y a enfin la douleur, la colère, le courage de parents qui tentent de comprendre et se sentent coupables de n'avoir rien vu venir.

Le ciel attendra est signé de la réalisatrice scénariste et productrice française Marie-Castille Mention-Schaar. "Partie de questions que je me posais, j’ai commencé à rencontrer des journalistes couvrant le sujet, un frère parti sur les traces de sa sœur. Ensuite j'ai fait beaucoup de recherches, vu des reportages, lu des articles, regardé des heures de vidéo de propagande dont certaines sont juste insoutenables, pour mieux saisir l'emprise des rabatteurs".

Grâce aux contacts de Dounia Bouzar

Toutefois, le plus important pour Marie-Castille Mention Schaar était d’entrer en contact avec des adolescentes qui ont été, sont encore dans la radicalisation. Et cela grâce à Dounia Bouzar, anthropologue française qui a fondé en 2014 le Centre de prévention contre les dérives sectaires liées à l’islam.

"Elle a accepté que je la suive pendant trois mois avec son équipe partout en France. Et j’ai découvert la réalité du processus d’embrigadement en parlant notamment avec une jeune fille passée par là. Avec leur soif d’absolu, de pureté, de romantisme, leur besoin d’être utiles, elles succombent plus facilement. Les prédateurs les ciblent en leur assurant que leur existence va avoir un autre sens que dans cette société pourrie, dépourvue de spiritualité, uniquement attirée par la consommation, le succès. Ce qu’on leur promet, c’est la vie après la vie, un monde où il n’y a pas d’injustice, de pauvreté et où tout est beau".

Clotilde Courau particulièrement impliquée

Ce long-métrage est porté par quatre comédiennes très convaincantes. Outre Noémie Merlant et Naomi Amarger qui incarnent parfaitement les deux filles, la réalisatrice a fait appel à Sandrine Bonnaire et Clotilde Courau. "Sandrine devait mais n’a pas pu jouer dans Les Héritiers, mon précédent film. Suite à ce rendez-vous manqué, j’étais contente de la retrouver car elle me paraissait évidente dans le rôle de l’une des mères. En ce qui concerne Clotilde Courau, l’autre maman, c’est son agent qui m’en a parlé. J’ai regardé L'ombre des femmes de Philippe Garrel et j'ai été séduite par sa volonté d'implication dans l'histoire".

"Quand Marie-Castille m’a proposé de participer à l’aventure, j’ai été frappée par l’intelligence du propos", nous dit Clotlide. "J’avais eu l’occasion d’aller à Tunis lors de l’explosion au Musée national du Bardo et je me sentais concernée. J’ai.écouté des témoignages, lu des ouvrages sur Daech, qui applique le même principe que les sectes. Isoler les gens, les couper de leur famille, de leurs émotions. Et bien sûr, je me suis plongée dans les problématiques de l’adolescence".

Evoquant son rôle, Clotilde Courau relève à quel point elle l’a trouvé bouleversant. "Incarner ce genre de personnage c’est m’interroger sur cette femme qui se retrouve dans une solitude absolue, à laquelle s’ajoute une terrible culpabilité, c’est questionner mon identité de parent qui veut comprendre, mais n’a rien vu venir. Pour le jouer, j’ai surtout pensé à toutes les mères qui ont vécu ce drame. En espérant être à la hauteur»

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 5 octobre.

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28/09/2016

Grand écran: "Fuocoammare", l'autre regard de Gianfranco Rosi sur les migrants à Lampedusa

afuoccoammare.jpgImmergé pendant un an dans l’île aujourd'hui tristement célèbre de Lampedusa, point européen le plus proche de l’Afrique, port d’accueil d’un flux continu de gens débarqués, quand ils ont de la chance, de bateaux de fortune, Gianfranco Rosi a tiré de son séjour Fuocoammare, un documentaire souvent glaçant de deux heures. 

A l’exception d’un assistant, il tourne seul avec sa caméra pour mieux s’approcher des personnages et gagner leur confiance. Sans mise en scène, sans autre voix que celle des différents protagonistes, il confronte au terrible quotidien des migrants, celui des habitants menant une vie en quelque sorte parallèle. S’il suit plus particulièrement Samuel, un fils de pêcheur de 12 ans qui chasse les oiseaux au lance-pierres, il s’invite chez une grand-mère préparant le repas en écoutant la radio, où un animateur compatissant livre le compte quotidien des arrivées et des morts entre un morceau de jazz ou une vieille rengaine italienne.

Rosi rencontre aussi Bartolo, un médecin qui ne parvient pas à s’habituer aux cadavres tout en montrant des hommes en combinaisons blanches pris dans un cycle aussi infernal qu’ininterrompu de recherches en mer, d’abordages, de sauvetages, d’identifications des victimes.

Portant un autre regard sur la crise, confronté à la souffrance, à la survie, à la mort, Rosi, tout en évitant de délivrer un message, crée une prise de conscience par des images fortes, dérangeantes, ne cachant rien, évoquant la gigantesque tombe qu’est devenue la Méditerranée en quinze ans, avec ses 20.000 corps gisant par le fond. Un témoignage indispensable auquel le jury de la Berlinale a été sensible, puisqu’elle a décerné l’Ours d’or au cinéaste italien.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 28 septembre.

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Grand écran: le tourbillon Soko éclipse Lily-Rose Depp dans "La danseuse"

adanseuse.jpgRien ne destine Loïe Fuller, fille de ferme originaire de l’Ouest américain, de devenir l’icône de la belle Epoque admirée par Mallarmé, Rodin ou Lautrec, et de se produire à l'Opéra de Paris. Dans son premier film La danseuse, la réalisatrice française Stéphanie Di Giusto se penche sur le destin de celle qui subjugua le public avec sa "danse serpentine", devint une star avant de tomber dans l’oubli et d’être beaucoup plus tard redécouverte comme l’une des pionnières de la danse contemporaine.

Enveloppée dans des mètres et des mètres de soie blanche, les bras prolongés par de longues et lourdes baguettes de bois, la silhouette sculptée par les faisceaux de dizaines de projecteurs, elle créait de magnifiques et virevoltantes formes lumineuses, en tournoyant sur un carré de verre éclairé par-dessous. Un numéro qui lui brise le dos, lui abîme les yeux, qu’elle perfectionne chaque jour dans la douleur, mais qui tient d’abord de la performance.

C’est là sa faiblesse fatale. Loïe Fuller, esprit libre et conceptrice visionnaire n’est pas une danseuse dans son acception académique. A l’inverse d’Isadora Duncan, mythique prodige américain avide de gloire, qui la fascine et dont elle tombe amoureuse pour son malheur. Alors qu’elle est au sommet de son art, sa rivale précipite sa chute en la détruisant dans sa propre compagnie.

Véritable boule d’énergie, Soko lancée à corps perdu dans un rôle qui lui colle à la peau (photo), se révèle particulièrement convaincante en Loïe Fuller aux côtés de Lily-Rose Depp. En mai dernier à Cannes, l’idée de découvrir la fille de Johnny Depp et de Vanessa Paradis avait suffi à faire le buzz. Mais la jeune actrice ne s’est pas franchement montrée à la hauteur de l’énorme intérêt suscité par sa présence dans La danseuse

Le film au casting cinq étoiles emporte l’adhésion dans la mise en scène inspirée des chorégraphies et la sublimation de leur beauté. En revanche, il déçoit dans l’affrontement quelconque entre les deux femmes et le curieux escamotage, développé par Mediapart, de l’homosexualité de Loïe Fuller. Réduisant sa préférence à un baiser donné à Isadora suivi d’une scène humiliante, ainsi qu’à des regards furtifs et des soupirs de sa compagne Gabrielle Bloch (Mélanie Thierry) avec qui elle vivait ouvertement, mais devenue sa collaboratrice chez Stéphanie Di Giusto. Qui propose en outre une relation hétérosexuelle fantasmée entre Fuller et un personnage inventė, interprété par Gaspard Ulliel.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 28 septembre.

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21/09/2016

Grand écran: des couples racontent leur amour dans "Loves Me, Loves Me Not"

aabramovich.jpgAprès Dieu sait quoi en 2004, où elle interrogeait des retraités sur le sens de la vie dans un grand parc parisien, Liens de sang en 2008 où elle explorait les rapports parents-enfants dans l’immeuble genevois des Stroumpfs, Fabienne Abramovich propose un nouveau documentaire, Loves Me, Loves Me Not.

On est à Paris. La nuit est tombée et des centaines de gens se rassemblent le long du canal de l’Ourcq. Jeunes ou un peu moins, ils viennent s’asseoir au bord de l'eau, se mêlent, se passent le pain, tissent des liens informels, se retrouvent le lendemain. Pour parler quasi exclusivement d’amour.

Fabienne Abramovich livre ainsi un métrage qui se veut un peu rohmérien, teinté de marivaudage, en filmant des couples qui racontent leur façon d'aimer, d'une ou de toutes sortes de manières. Une oeuvre intemporelle, singulière, hors mode black, sexe et banlieue. Un sujet casse-gueule où il fallait éviter les clichés, comme l'auteure le dit elle même, à l’occasion d’une rencontre où elle explique sa démarche.

Elle a débuté  en 2010. L’écriture, essentielle, lui a pris deux ans et le tournage quatre. "Je ne pouvais filmer qu’en été, en majeure partie la nuit entre 21h30 et au mieux deux ou trois heures du matin. En tout quatre fois trois semaines". Elle a commencé des entretiens avec des jeunes gens et, petit à petit, a testé un dispositif extrêmement sommaire et précis. "J’ai travaillé presque seule, en choisissant, c'était primordial un temps et un lieu donné, à Paris. Et il me fallait l'eau pour le travail de l'image. J’ai compris que tous ces individus sur les berges représentaient mon Woodstock à moi".

Comment avez-vous trouvé vos protagonistes ?

Jalovesme.jpge faisais des repérages en me promenant avec une charrette, vêtue d’un habit de pêcheur et coiffée d’une casquette. Je voyais des gens, on buvait un verre, j’expliquais ce que je voulais. L’idée, c’était de les laisser échanger entre eux, en étant eux-mêmes, dans l’instant.

Ils ont une incroyable facilité d’élocution. Quelle est la part de l’improvisation ?

Ce n’est que de l’impro. Evidemment, comme ils se répétaient, j’ai beaucoup coupé. Je n’ai rien changé à leurs mots, à leurs phrases, mais j’ai construit les séquences, restructuré les conversations pour qu’elles soient audibles. J’ai écouté, tamisé, cadré. Un gros travail. C’est la raison pour laquelle je n’ai filmé qu’un couple à la fois, chacun d’eux me prenant environ quatre heures.

Il y a une chose qui surprend, ces couples middle class, jeunes pour la plupart et qui évoquent leur amour,  sont pratiquement tous blancs. Ce qui ne paraît pas représentatif de la société actuelle.

Il ne s’agissait pas de faire du Benetton… En même temps, pour moi, le multiculturalisme est présent à travers notamment quatre jeunes Beurs qui certes sortent un peu du cadre, mais libèrent très vivement et assez crûment la parole, avec des Arabes passant en djellabah, avec la musique syrienne, des Blacks qui chantent. Ces derniers ne vont pas d'ailleurs pas volontiers s’asseoir au bord de l’eau. Ce n’est pas leur culture.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 septembre. 

 

 

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20/09/2016

Grand écran: la guerre des sexes dans "L'économie du couple". Lafossse tape juste!

akahnbejo.jpgIl y a des films qui vous attrapent dès la première image. Comme L’économie du couple, Il suffit de voir Marie rentrer à la maison et y découvrir, très contrariée, Boris qui ne devait pas s’y trouver ce jour-là, pour savoir que le réalisateur belge Joachim Lafosse ne nous lâchera plus. Tant il a tapé juste tout au long de son étude de comportement aussi intelligente que subtile.

Après 15 ans de vie commune, c’est le désamour. Marie et Boris ont décidé de se séparer. Problème, c’est elle qui a payé la maison et lui qui l’a rénovée. Dans l’impossibilité de se loger ailleurs faute de moyens financiers, Boris est obligé de cohabiter avec son ex-compagne et leurs jumelles. Mais Marie ne le supporte plus et veut qu’il parte. Elle déteste tout chez lui et se demande comment elle a pu l’aimer.

Sous les yeux des deux fillettes qui évidemment en souffrent, c’est alors l’heure des reproches acrimonieux, des engueulades monstres et des règlements de compte impitoyables. Tout tourne autour de l’argent, de qui a amené quoi, payé quoi.
Pour Joachim Lafosse, reconnaissant le côté autobiographique de l’œuvre où il parle aussi de sa génération, celle des quadras, l’argent dans un couple c’est souvent plus un symptôme qu’une cause permettant et justifiant la dispute. Un symptôme qui cache aussi des choses émouvantes, tristes, la manière dont on est reconnu ou pas pour ce qu’on a fait ou pas.

L’économie du couple  est une vraie réussite à laquelle les acteurs, étonnants de sobriété et de réalisme contribuent largement. Dans cette guerre des sexes où Lafosse joue à la fois au psy et à l’ethnologue, Cédric Kahn, généralement plus connu comme cinéaste et scénariste, se révèle formidable. A l‘image de la lumineuse Bérénice Bejo (photo).

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 septembre.

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Grand écran: Xavier Dolan bouleverse, fascine et exaspère dans "Juste la fin du monde"

axavierd.jpgPour son septième film, qui a décroché le Grand Prix du jury en mai dernier à Cannes, le réalisateur québecois a choisi d’adapter une pièce de Jean-Luc Lagarce, dont il apprécie la beauté du texte et de la langue. Jeune auteur à succès, homosexuel intello plein de douceur, Louis n’a pas revu sa mère, sa sœur et son frère depuis 12 ans. Gravement malade, il revient chez les siens pour leur annoncer sa mort prochaine. Et ne cessera de chercher le bon moment pour le faire. Mais très sensible à l’extrême tension que sa visite provoque, il recule à chaque fois face à ces gens qui le noient sous les reproches, l’accablent de leur amertume et de leur rancœur. De leur amour aussi.

Juste la fin du monde est un huis-clos théâtral familial asphyxiant, à la fois bouleversant et exaspérant, où tout le monde a envie de déballer ce qu’il a sur le cœur, mais où chacun crie, pleure, s’engueule, balance des vannes, ment, pour éviter, dans une fuite en avant logorrhéique, de parler de l’essentiel. A savoir de la raison du retour de Louis qui les tourmente.

Xavier Dolan propose une mise en scène virtuose privilégiant les gros plans pour se rapprocher des visages de manière à en saisir les expressions les plus révélatrices. L’histoire passe en effet aussi par les silences, les regards, le moindre mouvement d’une bouche exprimant les non-dits. Les comédiens sont ainsi placés sous une sorte de microscope, la caméra jouant avec eux dans une tentative de capter le moindre souffle.

Gaspard Ulliel se révèle excellent dans le rôle de Louis. L’opus est porté par quatre autres stars françaises aux prestations en revanche inégales. Nathalie Baye (la mère Martine), perruque noire et maquillage outrancier et Vincent Cassel (son frère Antoine) en font des tonnes dans une hystérie galopante. Lea Seydoux (sa sœur Suzanne qu’il n’a pas vu grandir) n’est pas moins irritante.

En revanche, à l'image d'Ulliel, Marion Cotillard (sa belle-sœur Catherine que Louis ne connaissait pas) séduit. Dans ses hésitations, son bégaiement, sa gentillesse et sa compassion à l’égard de Louis dont elle a tout de suite compris le secret, on l’a rarement vue aussi bonne et aussi différente.

"C'est mon meilleur film"

A l’issue de la projection cannoise pour les journalistes, Xavier Dolan s’était montré un peu blessé par les critiques négatives, mais disait son bonheur d'être sur la Croisette. "je suis fier de mon film. J’estime que c’est mon meilleur", avouait-t-il à la conférence de presse. De leur côté, ses comédiens ne tarissaient pas d’éloges sur leur réalisateur, s’accordant à évoquer une rencontre passionnante avec un homme hors norme, proche d’eux, les mettant sous un microscope, jouant avec eux, donnant tout, essayant de capter le moindre souffle.

Xavier Dolan aime la prolixité des personnages qui parlent de tout sauf de ce qu’ils savent. "Louis réagit à la nervosité, à l’ambiance. On s’évade à travers lui, grâce aux regards échangés avec Catherine. Il est en escapade perpétuelle dans une maison où sa famille le noie sous les reproches. Le plus attrayant, c’est son côté désagréable. Dans la vie on pleure, on explose, on ment. Je suis content d’avoir pu travailler avec des acteurs que j’admire pour exprimer cette imperfection humaine".

Le réalisateur s’explique aussi sur l’utilisation des gros plan quasi constants. "Pour moi, c’était une nécessité de me rapprocher des visages qui reflètent la tension. L’histoire passe par les silences, les regards, le moindre mouvement d’une bouche exprimant les non-dits".

A 'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 septembre.

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