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12/04/2016

Grand écran: "Les ogres", un film qui s'auto-dévore dans la démesure. Avec Adèle Haenel.

lea.jpgLéa Fehner nous plonge dans l’univers du théâtre itinérant avec Les ogres, comédiens exubérants sillonnant les routes de France avec leur chapiteau sur le dos, s’arrêtant de ville en ville pour faire leur show, qui tient à la fois du cirque et du spectacle forain.

La réalisatrice de 34 ans s’inspire de sa propre vie, ayant elle-même grandi dans ce milieu au cours des années 90. Ce sont ses souvenirs qui nourrissent une histoire évoquant le quotidien d’une troupe façon grande famille recomposée, sorte de microcosme social où on partage tout, où chacun se mêle de tout dans une absence totale d'intimité. Comme de l’arrivée imminente d’un bébé et du retour d’une ancienne amante qui vont raviver des blessures prétendument oubliées, prétextes à la dramatisation exacerbée du récit.

Et Léa Fehner ne fait pas dans la dentelle. Caméra indiscrète fouinant partout en perpétuel mouvement, bouillonnement permanent et à son comble chez ses ogres foutraques. Felliniens sur les bords, ils s’aiment, se déchirent et se dévorent à grand renfort de cris, de hurlements, d’épuisantes démonstrations outrancières de sentiments et d’émotions. Une débauche de vie et d’énergie virant à une démesure et une hystérie qui finissent tout de même par lasser.

En adele.jpghaut de l’affiche de l'opus pour lequel Léa Fehner s'est notamment entourée de son père, sa mère et sa soeur: Adèle Haenel, lâchée dans une arène en effervescence. César de la meilleure actrice l’an dernier pour l’excellent Les Combattants, actuellement également au théâtre à Paris dans Old Tiîmes d'Harold Pinter, elle était récemment de passage à Genève.

Forte personnalité, la jeune  femme, un rien hostile, s’agace qu’on puisse lui demander son sentiment sur ceux que provoquent sa belle ascension dans le métier. «Nouvelle tornade du cinéma français» lui arrache par exemple un «ouais, super» pour le moins dédaigneux… En revanche «féministe» lui va. Rebelle aussi, un peu, enfin elle ne sait pas… Surtout, elle s’en moque. «Ce n'est pas à moi de le dire. Pensez de moi ce que vous voulez».

L'essentiel, c'est la rencontre avec un réalisateur ou une réalisatrice, la promesse contenue dans un scénario, comme celui de Léa Fehner et de ses deux coauteures. La jolie Adèle en serait-elle une, d'ogresse? En tout cas, le film lui a fait du bien. «Il est bruyant, excessif, n’est pas dans la subtilité. Il réveille, remet au centre une vie qui n’a rien de tempéré. Il parle de la confrontation à l’autre, de l’altérité. Il y a une vibration politique hors d’une rationalité dont on nous rebat les oreilles. Et puis ce qui m’a plu, c’est l’improvisation totale qu’il y a dans certaines scènes. C’est génial. On a peur, mais on éprouve du plaisir».

Pour Adèle Haenel, créer un microcosme n’est pas forcément l’ambition de l'auteur.  «Certes cela reste une microsociété. Mais l’important c’est le vivre ensemble. Avec des différences assumées. Chacun est venu avec ce qu’il était. Il ne s’agit pas de mettre les gens dans une case. C’est précisément l’inverse. Trouver sa place au sein d’une telle troupe, c’est assez galvanisant. Il faut viser le moment juste. L’équilibre. Oublier la caméra. Assumer la limite de ce qu’on est».

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 11 avril.

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08/04/2016

Grand écran: "Les Visiteurs-la Révolution", une vraie daube!

clavier.jpgPour nos pieds nickelés bloqués dans les couloirs du temps, les choses commencent sous la Terreur en 1793 et se terminent chez les nazis. De Robespierre à Hitler en somme…

Réussissant à échapper à la guillotine, le triste Godefroy de Montmirail et son repoussant serviteur en guenilles Jacquouille la Fripouille rallient Paris, plus précisément les combles d’un hôtel particulier, avec l’idée de remettre le dauphin sur le trône.

Une équipée en calèche avec d’arrogants descendants de Godefroy qui, bien décidés à garder leur tête sur les épaules, se font passer pour des négociants en vins. Et nous voici parti pour un film à l’histoire d’un inintérêt abyssal, à l’esthétique immonde, totalement dénué d’humour, mais hélas lourdement émaillé de gags fétides entre pets, pus, furoncles, pustules et haleine de poney. 

Côté comédiens, c’est pareillement calamiteux. Plus exaspérant que jamais, l’omniprésent Christian Clavier au crétinisme avancé en l’occurrence en fait des caisses, braillant chaque réplique, tandis que Jean Reno est carrément transparent. Au point qu’il se fait voler la vedette par des personnages secondaires comme Sylvie Testud ou Karin Viard, que l'on imagine en principe juste venues cachetonner sans vergogne.

Pour résumer, ce troisième épisode est moche, dégueu, mal joué, mal fichu, interminable, évidemment pas révolutionnaire et surtout pas drôle pour un sou. Bref une telle daube qu’on comprend aisément pourquoi le réalisateur Jean-Marie Poiré et son coscénariste Christian Clavier ont refusé de le montrer à la presse. A part aux journalistes qui avaient accepté de faire des interviews…

A l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 6 avril.

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06/04/2016

Grand écran: "Truth", nouvelle immersion passionnante dans les coulisses médiatico-politiques

blanchet.jpgAprès Spotlight, nouvelle immersion dans le journalisme d’investigation. Avec son premier long-métrage, James Vanderbilt retrace l’un des épisodes les plus cruciaux de son histoire avec Truth: le prix de la vérité, où le scandale flirte avec la manipulation politique.

Le 8 septembre 2004, 60 Minutes, l’émission phare de la CBS, diffuse un reportage intitulé «Bush Guard», remettant en question l’engagement militaire du président candidat à sa réélection, George W. Bush, durant la guerre du Vietnam.

Dès le lendemain, la blogosphère du parti Républicain s’acharne à accuser une falsification de preuves à des fins politiques, menaçant de descente aux enfers la productrice et le présentateur vedette à l’origine du scoop.

Il s’agit du tandem de choc Mary Mapes et Dan Rather, incarnés à l’écran par Cate Blanchet et Robert Redford, l’un des duos les plus charismatiques du cinéma américain. Ils partagent l’affiche pour la première fois en livrant une formidable prestation. Le choix de Redford est à l’évidence un clin d’œil aux Hommes du Président d’Alan J. Pakula, qui demeure «LA» référence dans le domaine. .

S’appuyant sur le livre Truth And Duty, écrit par Mary Mapes, James Vanderbilt propose une intrigue sous tension passionnante, dans une rédaction en ébullition. Entraînant le sectateur dans les coulisses médiatico-politiques, il déroule son film de manière classique. Il suit d’abord l’enquête de 60 Minutes et la diffusion du reportage pour se pencher ensuite sur la tentative de l’équipe de se disculper face aux accusations. Avant de se concentrer sur leurs conséquences concernant les vies professionnelle et privée de ceux qui auraient donc commis l’erreur de ne pas suffisamment vérifier leurs sources. C'est le côté humain, émouvant de l'histoire. 

bobred.jpgMais l’intelligence de l'opus, d’où son intérêt, n’est pas de dire si les reporters ont tort ou raison, de prendre parti sur l’authenticité ou non des documents, de défendre ou d’accabler George Bush. Mais avant tout de montrer les pressions incessantes subies au plus haut niveau par Mary Mapes et Dan Rather pour lâcher le morceau. Qu’il s’agisse de leur propre hiérarchie, ou des politiques que leurs investigations dérangent.

Rappelant l’importance capitale de la liberté de la presse. James Vanderbilt témoigne ainsi de la complexité de l’investigation journalistique, de la difficulté croissante pour les médias de rester indépendants vis-a-vis du pouvoir, bref de continuer à exercer sereinement leur métier à l’heure des réseaux sociaux, auxquels aujourd’hui le grand public préfère le plus en plus se référer.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 6 avril.

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05/04/2016

Grand écran: "Le miracle de Tekir", une fable aux accents fantastiques

Tekir.jpgAu bord de la mer Noire court la légende d’un vieux Turc aveugle, Tekir, qui recouvra la vue et la santé en tombant dans un lac de boue. Depuis lors, les touristes se rendent chaque année à Tekirghiol, pour profiter des bienfaits de la boue miraculeuse.

C’est dans cette région entre terre et mer que Ruxandra Zenide, née à Bucarest en 1975 et arrivée à Genève à 14 ans, a situé son deuxième long métrage. Dix ans après le premier, Ryna, racontant l’histoire d’une ado de 16 ans, garçon manqué travaillant dans la station-service de son père et rêvant de devenir photographe.

Obligée de retourner en Roumanie faute de financement, elle y réalise donc Le miracle de Tekir, un film sur le mystère de la création a travers la maternité et pour lequel elle a retrouvé Dorothea Petre, l’héroïne de Ryna. Cette fois la comédienne au regard intense et la sensibilité à fleur de peau incarne Mara. La jeune femme aux dons de guérisseuse prétendument vierge mais enceinte, lutte pour protéger son enfant, un miracle selon elle, une conception immaculée.

Accusée de sorcellerie et de faire fuir les poissons, elle réussit à échapper à la violence des habitants du village en colère et se réfugie à l’hôtel Europa avec l’aide d’un prêtre. Cet incroyable établissement de luxe isolé dans des paysages de fin du monde reçoit de riches patientes qui espèrent soigner leur infertilité à l’aide de la fameuse boue.

Mara rencontre l’une d’elles, l’excentrique Madame Lili, qui remet en cause ses croyances mais avec qui elle n’entame pas moins une relation étrange. Ce qui n’est pas étonnant. Entre magie, superstition et religion tout est étrange et assez fascinant dans ce film en forme de fable surréaliste aux accents fantastiques. On retient aussi la belle performance des actrices.  

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 6 avril.

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Grand écran: "Truman", retrouvailles entre rires et larmes de deux amis d'enfance

darin.jpgUn océan, l’Atlantique, sépare aujourd’hui de grands amis d’enfance. Julian fait une carrière d’acteur à Madrid, tandis que Tomas enseigne les mathématiques dans une université canadienne. Et puis, après des années à vivre chacun leur vie sur deux continents, Tomas frappe à la porte de Julian. Drôle de hasard. A première vue seulement, car il a appris que son pote n’était pas au mieux. Et c’est un euphémisme.

Leurs retrouvailles sont donc synonymes d’adieu définitif. Mais cela ne les empêche pas de passer, entre rires et larmes contenues, quatre jours intenses et hors norme. En compagnie de Truman, le chien de Julian, ils se lancent dans une dernière aventure en se rappelant des souvenirs communs, Evitant de sombrer dans un mélo de pacotille en mêlant subtilement humour et légèreté à la tristesse, au chagrin et à l’émotion du moment, le réalisateur catalan Cesc Gay fait de Truman un véritable hymne à l’amitié et à l’amour, émaillé de scènes comiques.

Ce film fort, évoquant la paternité et le travail, mais surtout le courage nécessaire pour accepter la mort comme faisant partie de l’existence, doit évidemment aussi sa réussite à la performance des comédiens. Particulièrement celle des deux principaux. Ricardo Darin et Javier Camara (photo). Sobres et justes, le premier las de lutter contre la maladie et décidé à mettre ses affaires en ordre, le second un peu paumé face à l’inéluctable, ils se montrent très convaincants.

Simple, délicat, pudique, Truman avait cartonné lors de la soirée des Goyas, l’équivalent des Césars dans le cinéma espagnol. Il était reparti avec les cinq statuettes les plus importantes, film, réalisateur, scénario, acteur principal et acteur dans un second rôle.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 6 avril.

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29/03/2016

Grand écran: "Good Luck Algeria", un Algérien à ski de fond aux Jeux Olympiques!

algeria.jpgC’est une de ces histoires vraies, une aventure hors norme comme en génère le sport. On se rappelle Rasta Rocket, comédie culte retraçant en 1994 la folle équipée des bobeurs jamaïcains aux JO de Calgary, en 1988.

Très récemment le documentaire Nice People racontait celle de migrants somaliens en Suède, qu’un idéaliste entraîne pour une participation à la Coupe du monde de hockey sur glace 2014 à Irkutsk.

Là il s’agit de ski de fond. Sam et Stéphane, deux amis d’enfance vivant en Savoie réussissent bien dans la fabrication de spatules haut de gamme, jusqu’au jour où leur entreprise est menacée. Pour la sauver, ils imaginent un défi fou: qualifier Sam aux Jeux d’hiver où il représentera l’Algérie, le pays de son père.

Good Luck Algeria s'inspire du parcours semé d’embûches du frère du réalisateur Farid Bentoumi, Noureddine Maurice Bentoumi, qui a réussi au bout de deux ans à s'aligner à Turin en 2006 sous le drapeau algérien. Au-delà de l’exploit sportif, du vécu folklorique ou non, de ce combat de David contre Goliath à divers niveaux, le pari improbable de ce feel good movie qui amuse et émeut, va pousser ce franco-algérien à renouer avec une partie de ses racines.

bentoumi.jpgNé en France en 1976 d’un père algérien et d’une mère française, Farid Bentoumi qui vit aujourd’hui à Paris, a grandi en Savoie, suivant avec son frère un programme de ski-études. Il devient acteur et a notamment joué du Racine à La Chaux-de-Fonds et du Brecht à Vidy, nous révèle-t-il à l’occasion d’une rencontre à Genève. 

En 2006, il tourne un premier court-métrage, un second deux ans plus tard, ainsi qu'un documentaire sur sa famille qu’il estime raté. «Je n’ai pas fait ce que je voulais. Mais cela m’a permis de m’interroger sur ma binationalité ou plutôt ma biculture et m’a servi pour Good Luck Algeria".

ll a décidé de se lancer dans cette comédie politico-sociale où on retrouve Sami Bouajila, Franck Gastembide, Chiara Mastroianni et Hélène Vincent il y a cinq ans, y consacrant trois ans d’écriture.

«Sur fond de ski et de dépassement de soi, je brasse plusieurs thèmes autour de la famille. A la base, c’est le récit d’une mixité heureuse, une histoire d’amour, d’héritage, de transmission de valeurs, d’amitié, de fidélité et de sincérité. C’est aussi devenu un film qui lutte contre les clichés et tente de donner une autre image de l’immigration dont trop de gens ont une vision négative ». 

Pour le rôle principal de Good Luck Algeria, essentiellement tourné en Italie, en Autriche et en Suisse, Farid a donc choisi Sami Bouajila, qui ressemble beaucoup à son frère Noureddine. «Ils ont la même carrure et de dos, c’est à s’y méprendre. C’était important pour les scènes de doublage. Mais Sami est un gros bosseur, il a appris à skier et la plupart du temps, c’est lui sur les lattes. Selon moi, il campe un vrai héros avec qui on a envie de se battre.»

A l‘affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 30 mars.

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Grand écran: "Quand on a dix-sept ans", chronique émouvante d'une passion adolescente

amourado.jpgLe vingt-deuxième long-métrage d'André Téchiné est sans doute son meilleur depuis Les Témoins en 2007, où il brossait le portrait bouleversant d’une société en crise d'identité face au sida. Dans Quand on a 17 ans, qui fait évidemment écho aux Roseaux sauvages sorti en 1994, le réalisateur explore l’un de ses thèmes favoris, les brûlures de l’adolescence.

Mettant en scène deux garçons qui se déchirent et ont du mal à assumer leur attirance, ce brillant cinéaste des sentiments les observe se découvrir avant de s’aimer, entre rage, rejet et désir.

Damien (Kacey Mottet Klein), fils de pilote militaire qu’il voit entre deux missions dangereuses à l’étranger, vit avec sa mère médecin, Marianne (Sandrine Kiberlain), dans une petite ville pyrénéenne. Au lycée il entre violemment en conflit avec le beau Tom (Corentin Fila), qui descend chaque jour de sa montagne et dont la mère adoptive est enceinte.

Par prudence, Marianne l’envoie à l’hôpital et accueille Tom à la maison. Cela ne plaît à aucun des deux ados qui, à fleur de peau, ne cessent de se chercher pour mieux se repousser avec colère. Des affrontements annonciateurs d’une passion que l’on pressent dès les premiers regards échangés, même si Téchiné prend son temps à la dévoiler au fil de son récit initiatique.

Une réunion de talents

asandrine.jpgComposé de trois parties coïncidant avec les trimestres scolaires menant au baccalauréat, le film n’est toutefois pas uniquement centré sur Tom et Damien. Son auteur s’intéresse aussi à leurs parents, au trio qu’ils forment avec Marianne. Il regarde tous ses personnages avec affection, montrant une communauté solidaire balayant les différences sociales ou les préjugés sexuels. Des comportements symbolisés par une Sandrine Kiberlain solaire, expliquant à son fils qu’il ne faut pas avoir peur et que tout s’efface quand on est amoureux.

Parfaite, la comédienne tient là un de ses plus beaux rôles, incarnant à la fois la tendresse, la sérénité, la compréhension, la sollicitude. Quant aux deux jeunes interprètes, ils sont formidables. A commencer par Kacey Mottet Klein, récemment vu dans Keeper de Guillaume Senez, mais révélé dans Home et l’Enfant d’en-haut d’Ursula Meier qui peut se vanter d’avoir déniché une pépite. Avec le très prometteur Corentin Fila, dont c’est le premier rôle au cinéma, ils proposent un jeu criant de vérité.

A tous ces talents on ajoutera celui de la coscénariste Céline Sciamma, qui excelle dans le traitement de la sexualité trouble à un âge difficile, comme dans Naissance des pieuvres et Tomboy, ou dans le portrait de la jeunesse actuelle, à l’image de Bande de filles.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 30 mars

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23/03/2016

Grand écran: "Soleil de plomb", l'amour au temps de la haine

plomb.jpgLe film de Dalibor Matanic, qui avait reçu le prix du jury de la section Un certain regard lors du dernier Festival de Cannes, s’étend sur une période de vingt ans, de 1991 à 2011. Il est divisé en trois parties, dans le contexte dramatique né du conflit serbo-croate.

Chacun de ces chapitres raconte une histoire d’amour interethnique contrariée, marquée par la haine entre les deux peuples qui se manifeste au sein d’un même village, d’une même famille, voire d’un couple. Entre chaos, peur et violence, Dalibor Matanic met la première en scène en 1991, au début des hostilités. Alors que cette haine avait atteint des sommets, elle finira par séparer dramatiquement deux jeunes amoureux respectivement serbe et croate, habitant deux villages voisins et qui avaient décidé de partir tenter leur chance à Zagreb.

amourmat.jpgDix ans plus tard, en 2001, une mère et sa fille Natacha retournent vivre dans la maison familiale détruite, à l’image d’un pays où il faut tout reconstruire. Elles confient les travaux à Ante, d’une nationalité différente. En colère Natacha cherche d’abord à l’éviter. Ante fait son boulot, apparemment indifférent à la jeune fille. Mais dans ce huis-clos sous tension sexuelle, ils tentent un rapprochement, comme pour oublier les blessures de la guerre.

La troisième histoire se passe en 2011 et évoque le retour de Luka dans son village natal pour une grande fête interethnique sous influence d’alcool et de drogue. Il revoit Marja, une ex à qui il avait fait un enfant avant de la quitter pour gagner la ville. La barrière entre eux semble devenue infranchissable, mais tout comme la jeunesse s'efforce de se libérer du poids du passé, Luka veut se réconcilier avec elle.

Avec ces trois moments interprétés par le même duo d’acteurs, Tihana Lazovic et Goran Markovic, qui font le lien entre les époques, le réalisateur livre une autopsie d’affrontements meurtriers et ses conséquences sur les mentalités. Après un premier récit très fort, les deux suivants perdent un peu en puissance et en enjeux, mais sont porteurs d’espoir.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 23 mars.

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22/03/2016

Grand écran: "Batman v Superman: L'aube de la justice". Les gladiateurs dans l'arène

batman.jpgDe caractères diamétralement opposés depuis leur création, ils incarnent deux différentes conceptions du monde. D’un côté le démon Batman, sinistre héros torturé, simple mortel aidé par une kyrielle de gadgets, de l’autre  l’ange Superman, alien tout puissant, incarnant la noblesse, la bravoure et l’humanité. Pour tout dire, ces deux-là ne s’aiment pas trop. Un euphémisme…

Bref. Redoutant que le kryptonien n’abuse de son omnipotence, la chauve-souris décide de l’affronter. Et pendant ce temps-là, une terrible menace se profile à l’horizon. Avec un peu d’imagination, on peut dès lors plus ou moins deviner l’évolution des relations complexes entre nos deux célèbres antagonistes…   

Mais c’est tout ce qu’on vous confiera de ce Batman v Superman: L’aube de la justice. Signé Zack Snyder, parfois visuellement décoiffant, il met en scène Ben Affleck (choisi après de longues semaines et un wagon de rumeurs pour le glisser dans la peau de Batman), Henry Cavill (Superman), Amy Adams (Lois Lane), Jesse Eisenberg (le méchant Lex Luthor qui fait la pige aux deux protagonistes principaux), l’inévitable Laurence Fishburne, Jeremy Irons (qui se pique de flegme british), Holly Hunter et Gal Gadot (comédienne israélienne jouant Wonder-Woman, qui avait été découverte dans Fast and Furious 6).

Si on reste discret sur le plus grand match de gladiateurs de l’histoire, selon le vilain Lex Luthor, c’est pour une raison simple. Le critique est sommé par Zack Snyder himself, au début de l'opus de ne rien révéler du scénario. Une vraie bénédiction en l’occurrence tant celui-ci, quasiment rythmé d’un bout à l’autre par de lancinantes et assourdissantes explosions, relève du vaste fouillis bien peu inspirant. A la hauteur de l'ennui généré au fil de quelque 150 interminables minutes.

En revanche, on peut vous raconter que pour convaincre dans leur rôle respectif, Ben Affleck et Henry Cavill ont physiquement drôlement payé de leur personne. A en croire les secrets de tournage révélés sur Allociné, le premier a pris trois fois plus de muscles que pour Man Of Steel et le second en a gagné 14 kilos, en perdant 8% de masse graisseuse. Pas en reste, Wonder-Woman s’est adonnée à la pratique très sérieuse du kung-fu, kickboxing, épée, ou jiujitsu.

Question budget le film, estimé à 200 millions de dollars, est le deuxième plus cher consacré au fameux justicier masqué, seulement dépassé par The Dark Knight Rises de Christopher Nolan, qui en avait coûté 50 millions de plus. Aux fans de juger si pour eux le combat de leurs idoles vaut l’argent dépensé! Pour nous c'est clairement non.

A l’affiche dès mercredi 23 mars. 

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Grand écran: "Aux yeux de tous", le remake américain inutile

juliarob.jpgEn 2009, l'Argentin Juan José Campanella proposait Dans ses yeux, un film passionnant mêlant le romanesque et la politique. En 1974, pendant les années de plomb, une institutrice récemment mariée avait été violée et sauvagement assassinée. L’homme chargé de l‘enquête revient sur cette sordide affaire en 1999 par le biais d’un roman. Cet excellent thriller avait valu à son réalisateur l’Oscar du meilleur film étranger en 2010.

Cinq ans après, Billy Ray a eu la mauvaise idée d’en faire un remake. Aux yeux de tous se déroule d’abord après les tragiques attentats du 11 septembre 2001, avec la mise en place, parmi d’autres au FBI, d’une unité antiterroriste. La détective Jess Cobb (Julia Roberts) y fait équipe avec l’agent Ray Kasden (Chiwetel Ejiofor), sous les ordres de la procureure Claire Sloan (Nicole Kidman)

Dans le cadre de leur mission, Jess découvre avec horreur le corps sans vie de Caroline, sa fille unique jeté dans une poubelle. Elle a été violée. Malgré les soupçons portés sur un indic, il est relâché faute de preuves. Treize ans plus tard Ray Kasden, qui n’a cessé de le traquer, demande la réouverture de l’enquête.

Passant d’une dictature rongée par la corruption à un pays combattant le terrorisme, Billy Ray n‘a pas su transposer son sujet de façon crédible et convaincante. Egalement auteur du scénario, il lui a fait par ailleurs subir de nombreuses modifications. Du coup la version américaine n’a plus grand-chose à voir avec l’originale.

D’où l’inutilité de cette resucée, machine sans âme même si Julia Roberts arrive à nous émouvoir en enquêtrice de choc doublée d’une mère anéantie en découvrant le cadavre de sa fille. On n’en dira pas autant de Chiwetel Ejiofor et surtout de Nicole Kidman, même si elle réussit l’exploit de paraître toujours plus jeune…

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 23 mars.

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21/03/2016

Grand écran: François Cluzet joue au "Medecin de campagne"

x870x489_aff_medecin_de_campagne_120_1011-1.png.pagespeed.ic.0QaTMi_Ou3.jpgAncien médecin généraliste passé derrière la caméra, Thomas Litli opérait, avec Hippocrate, une plongée particulièrement réussie dans les coulisses de l’univers hospitalier. Donnant de surcroît à Vincent Lacoste l’un de ses meilleurs rôles.

Dans Médecin de campagne, il poursuit sur sa lancée en suivant le docteur Jean-Pierre Werner qui, ne comptant pas ses heures, sillonne inlassablement sept jours sur sept les petites routes, s’arrêtant dans des fermes perdues pour soigner les gens.

Jean-Pierre est passionné par son métier, servant à la fois de conseiller et de confident à ses patients qui ne jurent que par lui. De là à s’imaginer irremplaçable! Sauf qu’il n’est pas à l’abri. Gravement malade à son tour, il est forcé d’accepter de se laisser seconder par Nathalie, venue de l’hôpital, et qui à terme devrait le remplacer. Ours un rien mal léché, Jean-Pierre commence par lui mener la vie dure…

Le réalisateur, qui a lui-même effectué des remplacements en Normandie et dans les Cévennes alors qu’il était interne, a voulu rendre hommage à ces héros en voie d’extinction jouant un rôle social majeur dans les déserts médicaux que deviennent les campagnes. Se précipitant sans relâche au chevet de leurs habitants dont certains n’ont qu’eux pour lutter contre leur isolement et leur solitude.

Les bons sentiments dominent ainsi dans ce film engagé, honorable et méritant, mais assez banal dans son propos et sa mise en scène, même si à l’évidence l’auteur sait de quoi il parle. Correctement interprété sans plus par François Cluzet et Marianne Denicourt, ce Médecin de campagne se traîne un peu entre les petites misères d’une humanité souffrante. Si quelques scènes sont émaillées d’un certain humour, il manque de l’originalité, de la drôlerie, de la tension et du rythme qui faisaient tout le sel d’Hippocrate.   

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 23 mars.

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08/03/2016

Grand écran: "Room", l'amour salvateur d'une mère captive au centre d'un thriller psychologique

room[1].jpgUn espace confiné, étouffant, sordide. Entre captivité et évasion, Room, signé de Lenny Abrahamson et adapté du best-seller d’Emma Donoghue, par ailleurs auteur du scénario, raconte l'histoire de Joy "Ma" Newsome. La jeune femme de 24 ans est retenue prisonnière depuis sept ans par "Old Nick" dans une petite chambre avec son fils Jack, 5 ans, né de son viol par son ravisseur.

Pour le garçonnet, tout commence et s’arrête aux murs de cette pièce, le seul endroit qu’il ait jamais connu et dont "Old Nick", rythmant le quotidien de ses redoutables visites perverses, détient l’inaccessible code d’accès.  

Joy s’applique à donner à son fils l'illusion d’un monde normal. Elle joue avec lui, rit, plaisante, lui fait faire de l'exercice, de la lecture, prendre des vitamines, invente une réalité. En même temps elle mijote un plan d’évasion pour lui offrir une chance de découvrir l’extérieur. Lorsque tous deux retrouvent la liberté, ils affrontent une nouvelle épreuve avec la (ré)adaptation à la vraie vie.

Thriller psychologique où on se demande avec angoisse comment les otages vont réussir à s'échapper, Room évoque aussi un amour maternel inconditionnel sans céder, c’est un exploit, à la complaisance, au glauque, au sentimentalisme, au pathos. Se concentrant sur l'humain, le réalisateur irlandais livre un film bouleversant, la caméra passant du regard à la fois candide, émerveillé, rageur de l’enfant à celui de la mère, à la limite de la rupture.  

Des acteurs parfaits

La réussite de ce huis-clos tient également à la performance de ses comédiens. Jacob Tremblay se montre particulièrement convaincant dans le rôle de Jack, tout comme Brie Larson, qui a passé six mois à étudier l'impact des agressions sexuelles et à lire des témoignages sur les prisonniers en isolement. Elle est parfaite en jeune femme sous contrôle, à bout, terrorisée mais prête à risquer le pire pour tromper la vigilance de son ravisseur-violeur. Elle a logiquement raflé l’Oscar de la meilleure actrice après avoir décroché un Golden Globe, et un BAFTA décerné par le cinéma britannique

Pour mémoire, Emma Donoghue a écrit son roman après avoir entendu parler de Felix, 5 ans, dans l'affaire Fritzl: Elisabeth Fitzl a été emprisonnée dans un sous-sol en Autriche pendant 24 ans, violée par son père qui lui a fait sept enfants.

Poursuivant ses recherches, l’auteure a découvert l’histoire de Jaycee Lee Dugard, enlevée sous les yeux de son beau-père en 1991. Séquestrée par un couple pendant dix-huit ans dans un cabanon de jardin derrière la maison, elle a été violée par son kidnappeur et donné naissance à deux filles à 14 et à 17 ans. Le film s'inspire enfin de l'affaire Natascha Kampusch, détenue pendant huit ans.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande, dès mercredi 9 mars.

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Grand écran: "The Assassin", un délice esthétique pimenté d'énigmatiques complots...

THE-ASSASSIN-premiere-affiche-pour-le-nouveau-Hou-Hsiao-Hsien-46992[1].jpgAuteur taïwanais majeur, Hou Hsiao-Hsien revient après huit ans d’absence avec The Assassin, qui se déroule dans la Chine du IXe siècle.

Eduquée par une nonne qui l’a initiée dans le plus grand secret aux arts martiaux, Yinniang (la superbe Shu Qi, photo) est devenue une redoutable justicière dont la mission est d’éliminer les tyrans.

Mais, ange de la mort vénéneux, elle est torturée entre le devoir de tuer son cousin, gouverneur dissident de la province militaire de Weibo qui défie ouvertement l’empereur, et les sentiments qu’elle a eus pour celui qui lui fut un temps promis.

HHH nourrit cette trame principale de plusieurs intrigues secondaires, peuplées de personnages fomentant d’énigmatiques complots auxquelles on ne comprend pas tout. Un euphémisme… Mais peu importe. L’essentiel est de se laisser bercer par cet opus contemplatif, hypnotique, entre amour et raison d’Etat, pimenté par de magnifiques et virtuoses scènes de combats au sabre.

Un pur délice esthétique discrètement évocateur des rapports de Taïwan et de la Chine et qui, grâce au soin apporté aux décors, aux costumes, à l’image vous emporte par sa grâce, son élégance et sa splendeur. Plus beau film de la compétition, il avait décroché le prix de la mise en scène au dernier Festival de Cannes.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 9 mars.

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Grand écran: "Much Loved" montre le quotidien de guerrières du sexe tarifé au Maroc

muchloved[1].jpgNoha, Randa, Soukaina et Hlima sont des prostituées opérant à Marrakech. Trois viennent de la ville, une de la campagne. Dynamiques, et complices, dignes et libres, elles cherchent à profiter des retombées touristiques sur lesquelles repose l‘économie marocaine.
 
Surmontant au quotidien la violence morale et physique d’une société hypocrite qui les utilise tout en les condamnant, le mépris sinon le rejet de proches qu’elles font cependant vivre, elles sont en quelque sorte le «pétrole» du Maroc, comme le remarque ironiquement Noha.
 
A travers le portrait de ce quatuor de guerrières subissant les humiliations et la domination des hommes, Nabil Ayouch opère une plongée sans concession ni complaisance, évitant tout moralisme, voyeurisme ou misérabilisme, dans le monde glauque du sexe tarifé de la drogue et de l’alcool.  
 
Sur fond de rapport ambigu entre les prostituées et l’Etat, le réalisateur franco-marocain évoque les relations entre ses protagonistes et leurs clients, principalement de riches Saoudiens et des Européens. Détaillant  leur travail jusque dans des scènes de sexe assez crues, il les montre aussi brièvement dans leur existence privée, familiale, amoureuse.

Le film marie fiction et documentaire 
 
Cette chronique forte, pleine d’empathie, de respect et d’humanité, très engagée dans la défense et l’illustration d’une frange de la population exploitée, marie finement la fiction et le documentaire. Oscillant entre le portrait de groupe, le drame social, l’étude de mœurs et le film politique tout en gardant un côté romanesque, elle est de surcroît portée par quatre excellentes comédiennes.
 
Par leur tempérament volcanique, leur énergie, leur courage et leur justesse, elles rendent hommage à ces femmes violées, violentées, avilies mais loin d’être abattues, puisant notamment leur force dans la solidarité et la tendresse qu’elles se manifestent. Ce qui, au milieu d’une réalité dure et sordide, donne lieu à la douceur bienvenue de séquences émouvantes, mélancoliques et tragi-comiques.   
 
Alors que Much Loved qui n’a pourtant rien de scandaleux ou de graveleux a été interdit au Maroc, son actrice principale Loubna Abidar a été contrainte de quitter son pays quelques jours après une violente agression à Casablanca. "Les femmes libres dérangent" a-t-elle dit dans une interview au quotidien Le Monde. Mais elle ne compte pas se taire et va écrire un livre sur le film.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 9 mars.

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01/03/2016

Grand écran: "Tempête", un drame social émouvant entre documentaire et fiction

tempete[1].jpgA 36 ans, Dom, marin pêcheur, a passé la majeure partie de sa vie en mer, sacrifiant son mariage à sa passion pour son dur métier. Il n’en a pas moins la garde de sa fille adoptive Mailys, jeune rebelle têtue, agressive, mal dans sa peau, avide d’affection, et de son fils Mattéo, un garçon qu’il souhaite voir suivre ses traces et avec lequel il entretient une relation complice.

Quoi qu’il en soit, Dom fait tout ce qu’il peut pour être un bon père, avec toutefois une tendance à se comporter en grand frère. Surtout quand il rentre à la maison, où tous les trois font joyeusement la fête en fumant des pétards. Reste que les adolescents sont livrés à eux-mêmes pendant ses longues absences. Alors quand Mailys tombe enceinte, Dom se rend compte qu’il doit choisir entre sa famille et le grand large.

Pour se rapprocher de ses enfants, ce travailleur qui peine à boucler les fins de mois, veut acheter un bateau pour être son propre patron. Il se retrouve sur les bancs d’école pour apprendre à le devenir et à monter son affaire. Un rêve qui se heurte à la difficile réalité.

Tempête, un titre emblématique de celles que Dom essuie régulièrement en mer mais qu’il maîtrise et celles, plus complexes qu’il doit affronter à terre. Opiniâtre dans sa quête de solution pour s’en sortir, il se révèle maladroit dans sa volonté de trouver ce qu’il y a de mieux pour sa progéniture, particulièrement pour Mailys, qui repousse rageusement ses tentatives.

Rappelant à la fois Ken Loach et les frères Dardenne avec ce film émouvant où il évoque un drame social au sein d’une classe ouvrière en détresse, obligée de se livrer à d’âpres luttes ordinaires pour subsister, le réalisateur Samuel Collardey nous immerge dans le réel. Et ceci d’autant plus qu’il a non seulement fait appel à des non professionnels, mais que le protagoniste principal, Dominique Laborne, joue sa propre vie à peine modifiée, aux côtés de ses deux enfants. 

Son rôle dans cet opus entre documentaire et fiction a valu à cet homme combatif, beau gosse naturellement charismatique, un prix d’interprétation dans la section Orizzonti de la dernière Mostra de Venise .

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 2 mars

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Grand écran: "Saint Amour", un bon cru généreux avec Depardieu, Poelvoorde et Lacoste

saint-amour_1_[1].jpgPour leur septième long-métrage, les détonants Benoît Delépine et Gustave Kervern mettent en scène deux héros cabossés par la vie aux relations conflictuelles. D’un côté Jean (Gérard Depardieu), un doux et sympathique colosse venu présenter son magnifique taureau au Salon de l’agriculture. De l’autre son fils Bruno (Benoît Poelvoorde), personnage malheureux et à fleur de peau, qui fait tous les ans la route des vins en… écumant les stands de la grande manifestation parisienne

Mais cette fois, Jean décide de l’emmener parcourir la vraie pour se rapprocher de lui et le convaincre de reprendre la ferme familiale, pour l'instant source de déboires pour Bruno. Et les voici embarqués, en compagnie du jeune et prétentieux chauffeur de taxi Mike (Vincent Lacoste) dans un road-movie alcoolisé, audacieux, original, loufoque, déjanté, où ils feront des rencontres bizarres et finiront par découvrir l’amour.
 
Même si certaines digressions ont un petit goût de piquette, ce Saint Amour est un très bon cru en forme de peinture sociale entre drôlerie, poésie et désenchantement. Tout en faisant l’éloge d’une paysannerie parfois méprisée mais surtout désespérée et aux abois comme l’a encore démontré le rude accueil réservé au président Hollande au Salon, les deux auteurs, moins féroces que d'habitude, révèlent un Depardieu généreux dans son rôle d’ogre attachant. Ainsi qu'un Poelvoorde tout aussi émouvant en fils fragile, désabusé, crevant de solitude.

Irrésistible séducteur d’opérette, Vincent Lacoste se hisse à la hauteur de ces deux fortes personnalités, à l’image de Céline Sallette qui rejoint le trio dans la dernière partie. Mais le plus hilarant dans l'histoire, c’est Michel Houellebecq en loueur déprimé de chambres d’hôtes. Une apparition carrément surréaliste.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 2 mars.

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27/02/2016

Grand écran: "Free to Run" raconte l'épopée de la course à pied. Un documentaire passionnant

FTR-117_454x189_acf_cropped[1].jpgCourir sur l’asphalte ou dans la nature, une aberration, une pratique excentrique et subversive. Difficile d’imaginer de telles sornettes! Et pourtant il y a 50 ans, cette activité naturelle consistant à mettre plus ou moins rapidement un pied devant l’autre était considérée comme douteuse, sinon déviante,

Réservée aux athlètes masculins, elle restait cantonnée à l‘enceinte des stades, avec des règles strictes, rétrogrades et sexistes. Pour les femmes, le droit de courir fut encore plus long à obtenir que le droit de vote en Suisse. On allait jusqu’à prétendre qu'elles risquaient un décrochement de l’utérus…  Du coup, ce n'est qu’en 1984 aux Jeux de Los Angeles qu'elles purent s'aligner sur un marathon. 
 
Depuis lors, les adeptes n'ont cessé de pulluler. Hommes et femmes, champions ou anonymes de tous âges, ils sont des millions à arpenter le bitume de New York Paris, Pékin, Sydney, ou les sentiers des Alpes suisses. Le cinéaste Pierre Morath, ancien coureur et historien du sport raconte, mêlant magnifiques images d’archives aux témoignages de pionniers et de pionnières, à l’image de l’Américaine Kathrine Swizer, cette extraordinaire épopée sportive et politique des années 60 à nos jours.
 
Il revient ainsi sur un acte marginal et militant, devenu au fil du temps une passion universelle, symbole d’une quête de liberté et d’une émancipation féminine, qui a participé au changement de la société dans un monde en pleine mutation.  
 
Un travail en forme de long combat de sept ans pour un documentaire édifiant, émouvant à la hauteur des recherches et des efforts de l'auteur. On écrase une petite larme en voyant Joan Benoit, la première gagnante du marathon déboucher du tunnel pour pénétrer dans le stade. Sans parler des images bouleversantes de la Suissesse Gabriela Andersen-Schiess épuisée, suivie par des médecins pour franchir en titubant la ligne d’arrivée… 
 
Passionnant, Free to Run va bien au-delà du sport. Tout en glorifiant la course libre, Pierre Morath se livre à une vraie réflexion sur son essor planétaire phénoménal, avec tout ce que cela implique de dérive consumériste.
 
ll montre à la fois la façon dont elle est devenue emblématique de l’anti-establishment, mais aussi celle dont elle a paradoxalement recrée une sorte de barrière sociale. Comme il le relève dans divers interviews: quand on courait dans les rues il y a cinquante ans, on était montré du doigt.Maintenant, c’est quand on ne court pas…
 
A l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 24 février

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23/02/2016

Grand écran: "Spotlight", la révélation d'un vaste scandale de prêtres pédophiles. Captivant

maxresdefault2[1].jpgEn 2002, le Boston Globe révélait un scandale sans précédent au sein de l’Eglise catholique, dénonçant un réseau de prêtres américains couverts par leur hiérarchie, puis par la police, le pouvoir et les associations catholiques, alors qu’ils s’étaient rendus coupables d’abus sexuels sur des mineurs pendant des décennies.

La vaste enquête sur ces pédophiles a été menée par une équipe de la rubrique investigation du Globe baptisée Spotlight. Une tâche particulièrement délicate et difficile pour les journalistes dans une ville à majorité catholique où tout a été entrepris pour leur mettre des bâtons dans les roues, entre le culte du secret, la loi du silence, les procédures tâtillonnes de l’archidiocèse, une justice sur les pattes de derrière. Sans oublier les pressions de la communauté et une auto-censure médiatique.

Mais plus déterminés que jamais, les reporters ne lâchent pas le morceau. Ils sont aiguillonnés dans leur travail acharné par Marty Brown, un transfuge d’un quotidien de Miami, débarqué comme nouveau boss pour relancer les ventes du journal. Le concours de cet homme de confession juive fera découvrir l’ampleur du désastre à une société horrifiée mais qui jusque-là se bouchait les yeux et les oreilles.

Il aura fallu douze mois aux journallises, on est encore à l’époque où ils pouvaient prendre leur temps, privilégiant la patiente recherche de la vérité au buzz sur le net, pour boucler l’affaire. Cela leur vaudra le prix Pulitzer et provoquera une vague de révélations dans le monde entier. 

Ce thriller captivant et efficace façon Les hommes du président, plaidoyer pour le journalisme d’investigation qui nous laisse pénétrer au sein de la rédaction du Boston Globe pour suivre le boulot des protagonistes, se regarde comme un feuilleton. Il est conduit de bout en bout de main de maître par Tom McCarthy et porté par des comédiens formidables, Liev Schreiber Michael Keaton, Rachel McAdams, Mark Ruffalo. On reste scotché à son fauteuil et on ne voit pas le temps passer.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 24 février.

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Grand écran: avec "Les innocentes", Anne Fontaine raconte un bouleversant drame historique. Interview

Les_Innocentes[1].jpgDans son dernier film, la réalisatrice, scénariste et comédienne Anne Fontaine s’est intéressée à une tragédie datant de décembre 1945 en Pologne, le viol et le meurtre de nonnes par des soldats soviétiques.

Jeune interne de la Croix-Rouge française, chargée de soigner ses compatriotes avant leur rapatriement, Mathilde Beaulieu est appelée au secours par une soeur et découvre, parmi trente Bénédictines vivant coupées du monde, que plusieurs d’entre elles, tombées enceintes dans ces circonstances dramatiques, sont sur le point d’accoucher. Avec ce que cela implique d’indicible pour la communauté.  

Les innocentes est une histoire authentique, poignante, au rythme contemplatif, sur des images magnifiques de la cheffe opératrice Caroline Champetier. Anne Fontaine la traite avec sobriété et pudeur. Tout en explorant la maternité et  la foi, elle fait se rencontrer deux univers. D’un côté celui, monacal, de ces religieuses attachées aux règles de leur vocation, de l’autre celui, rationaliste, de Mathilde athée et communiste. Se tissent alors des relations complexes aiguisées par le danger latent.

Après avoir suivi une formation accélérée auprès de sages-femmes, Lou de Laâge incarne avec conviction, évitant la compassion facile, cette femme aussi émouvante que courageuse, tout en mesure, retenue et efficacité, aux côtés d’un Vincent Macaigne oubliant pour une fois son côté avachi et agaçant, et qui apporte une note de légèreté bienvenue dans une atmosphère lourde.

Anne+Fontaine+MSfB-a3vVDKm[1].jpgUne première plongée dans la grande Histoire

De passage à Genève Anne Fontaine, cinéaste éclectique, auteur entre autres de Nettoyage à secComment j’ai tué mon père, Nathalie, La fille de Monaco, Coco avant Chanel, Perfect Mothers, Gemma Bovery, nous parle de ce film qui est sa première véritable plongée dans la grande Histoire.

Elle a découvert ce drame grâce au neveu de cette femme médecin, Madeleine Pauliac. Il a gardé des écrits où elle racontait son activité professionnelle de manière laconique et scientifique, jusqu’au moment où elle rencontre ces sœurs. Une sorte de journal de bord pas du tout romancé, dénué de toute dramaturgie, "Il a été travaillé scénaristiquement par Pascal Bonitzer et moi" . 

Le neveu y avait néanmoins vu la source d’un film qui redonnerait vie à sa tante, une vraie héroïne révolutionnaire, morte à 33 ans. "C’est alors que deux producteurs, Eric et Nicolas Altmayer m’ont approchée en pensant que c’était un sujet pour moi. Sans doute par rapport à certaines de mes thématiques, à la transgression, à la désobéissance, à  des personnages féminins hors norme.  Et il est vrai, après avoir enquêté pour vérifier les faits, que j’ai été tout de suite happée par la situation sidérante de ces sœurs".

Vous dites même que le sujet a résonné en vous de façon personnelle. Pourquoi ?

J’ai deux tantes dans les ordres. J’ai reçu une es. j’ai reçu une éducation catholique, j’ai été élevée dans les chants grégoriens  par mon père qui était organiste, ma mère faisait des vitraux, j’ai adopté un enfant-

Vous vous êtes également retirée à deux occasions dans des couvents, de Bénédictines non loin de Paris, pour vous imprégner de l’ambiance et surtout ajuster de l’intérieur la véracité de la vie monastique.

Effectivement. D’abord au monastère de Vanves, où j’ai rencontré la mère supérieure ainsi que le père abbé qui faisait justement une conférence sur la fragilité de la foi. Puis je me suis rendue à l’abbaye de Jouarre, A chaque fois j’y suis restée trois jours. .

Vous avez découvert le côté très particulier de l’existence dans ces communautés, ce monde autarcique coupé du nôtre 

Le rapport à la vie est très différent. Si on trouve des êtres humains qui s’opposent, des tensions, il y a ces rites qui scandent la journée, la prière, le rapport à la foi, celui des des femmes entre elles, le sacrifice de la maternité pour se donner au Christ à vie. J’ai suivi leur rythme de vie, fait un peu de ménage, pelé des légumes.

Ce film est d’une  grande modernité Vous l’avez présenté au  Vatican. Comment a-t-il été reçu ?

L’assemblée de religieux qui l’ont vu se sont reconnus. Un évèque  proche du pape François a parlé de la force de reconnaitre et de voir une  histoires comme celle-ci de la ressortir de l’oubli, Et il a ajouté qu’elle était thérapeutique pour l’Eglise,

"Les Innocentes" résonne aussi aujourd’hui dans la mesure où le viol est utilisé comme une arme de guerre.

C’est affreux à dire mais c’est quelque chose qui est parfois encouragé, de manière tacite évidemment, quasiment dans tous les pays en conflit. Cela a fait réagir beaucoup de gens constatant que les choses n’ont pas beaucoup changé.

Photo-4-Les-Innocentes-e1453824581782[1].jpgDeux mots sur les comédiens qui sont tous excellents. A commencer par Lou de Laâge.  

J’étais partie sur une autre comédienne, mais cela ne s’est pas réalisé. J’ai alors organisé un casting et en voyant Lou de Laâge, je lui ai trouvé, outre son visage très cynégétique, beaucoup de caractère, de détermination, de grâce et de mystère.

Et Vincent Macaigne ?

C’est un acteur atypique, original, inventif. Il a quelque chose de doux et met de la drôlerie et de l’humour. Mais il devait être tenu. Je l’ai stylisé, nettoyé, lui ai fait couper ses cheveux et l’ai obligé à porter un corset sous son uniforme pour qu’il se tienne droit…

Film à l’affiche dans les salles romandes dès mercredi 24 février.

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17/02/2016

Grand écran: "A peine j'ouvre les yeux", portrait d'une jeunesse tunisienne insoumise

a-peine-ouvre-yeux_0[1].jpgNous sommes en été 2010 en Tunisie, quelques mois avant la révolution du Jasmin. Farah, jolie et brillante étudiante de 18 ans, vient de passer son bac avec mention et sa famille la voit déjà entreprendre une carrière de médecin. Ce n’est pas du tout le rêve de Farah, chanteuse dans un groupe de rock engagé qui ne ménage pas ses critiques envers le gouvernement. Elle est aussi secrètement amoureuse du guitariste, son parolier.

Mais, dans cette société liberticide, une fille qui s’échappe de chez elle en cachette, boit des bières avec des potes dans les cafés, rentre seule la nuit et surtout chante avec rage, devant un public galvanisé, des couplets subversifs sur le désespoir des jeunes avides de liberté, s’attire immanquablement la surveillance de la redoutable police du régime. Multipliant du coup les craintes de sa mère, Hayet, qui l’élève seule.

Très protectrice, elle a terriblement peur des dangers menaçant son enfant qui s’oppose constamment à elle et dont l’inconscience face aux interdits la rend folle. Avant de réaliser qu’elle finit par l’étouffer autant que le système. La réalisatrice Leyla Bouzid, fait ainsi subtilement évoluer cette attachante relation mère-fille au fil d’un récit ambitieux.

C’est ainsi qu’à travers l’histoire de l’insoumise Farah, mêlant musique rock électrisante, ferveur politique, émois amoureux pudiques mais sensuels, autant de formes d’émancipation et de résistance, l’auteur se livre à une critique cinglante de la violence faite aux femmes en Tunisie. Brossant en parallèle le portrait d’une génération qui a renversé la dictature de Ben Ali et dont elle se fait la porte-parole.

Ce premier long métrage très prometteur, délivrant un message fort, est porté sinon habité par la magnifique débutante Baya Medhaffar (photo). Elle s’est tellement battue pour décrocher le rôle qu’elle fait totalement corps avec son personnage rebelle et fougueux..

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 17 février

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16/02/2016

Grand écran: "Hail, Caesar!", plongée jubilatoire dans l'âge d'or hollywoodien

george-clooney-dans-la-bande-annonce-de-hail-caesar-des-freres-cohen_5443071[1].jpgJosh Brolin, George Clooney, Channing Tatum, Ralph Fiennes, Scarlett Johansson, Tilda Swinton, Frances McDormand, un casting cinq étoiles convaincant pour une plongée légère et jubilatoire dans l’âge d’or hollywoodien signée Coen. 

Inspirés par la machine à rêves et son art de l'artifice, les frères nous emmènent dans les coulisses de  la Mecque en compagnie d’Eddie Mannix (Brolin), homme certes providentiel engagé par le grand studio Capitol mais un rien débordé par sa tâche consistant à régler les problèmes des stars, étouffant notamment les scandales dans lesquels elles sont impliquées. 

La journée s’annonce folle pour le boss avec le kidnapping, en plein tournage d’un péplum, de sa vedette principale le candide Baird Whitlock (Clooney) par une bande de scénaristes, sympathisants communistes en colère, qui tentent de le rallier à leur cause. Un épisode parmi d’autres d’une histoire truffée de clins d’œil, de références et d’anecdotes véridiques, les réalisateurs nous baladant  d’un plateau à l’autre pour nous offrir quelques numéros très réussis.

Comme la scène de ballet aquatique, avec Scarlett Johansson sortant de l’onde, celle où Ralph Fiennes, cinéaste britannique, se voit imposer un jeune premier (Alden Ehenreich) étiqueté cow boy, et dont le seul talent est de jouer du lasso. Sans oublier Channing Tatum en excellent danseur de claquettes Tilda Swinton campant d’insupportables jumelles potineuses, ou encore l’apparition (trop brève) de Frances McDormand en monteuse manquant de s’étrangler avec un bout de film…

Bref on s’amuse beaucoup dans Hail, Caesar!, à l’image des comédiens qui, à l’évidence. se font plaisir dans ce fouillis d’intrigues rocambolesques. On reprochera toutefois aux auteurs un scénario plutôt plat, quelques longueurs, un excès de bavardage socio-politique années 50 et une tendance à tourner en rond à la longue. Pas suffisant toutefois pour bouder son plaisir. 

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 17 février.
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09/02/2016

Grand écran: "El ultimo tango" raconte l'histoire des célèbres Maria Nieves et Juan Carlos Copes

el_ultimo_tango1[1].jpgIls étaient les rois et ils ont eu le monde à leurs pieds. Tombés amoureux au rythme du tango, les célébres, mythiques Maria Nieves et Juan Carlos Copes ont dansé ensemble pendant cinquante ans d’Argentine en Europe en passant par le Japon et  Broadway.

Mais, couple hors pair sur scène, les deux amants se sont aussi déchirés et haïs tout au long d’une vie marquée par la séparation et les retrouvailles. Jusqu’à ce que Juan Carlos inflige une terrible souffrance à Maria en la quittant pour une femme de vingt-cinq ans plus jeune  Et qui lui a dit : «Tu ne danseras plus avec Nieves».

Aujourd’hui octogénaires, tous deux racontent leur étonnante passion dans El Ultimo Tango, un documentaire en forme de déclaration d’amour à cette danse, réalisé par German Kral. Juan Carlos se contentant un peu de dire qu’à la ville il ne la supportait pas, c’est surtout Maria, née avec le tango et voulant mourir avec lui, qui se confie

Lors d’entretiens intimes, cette artiste à la fois fragile et pleine d'énergie évoque leur relation périodiquement très agitée, mais que transcendait toujours le tango. Ils se chipotaient en dansant, mais les gens ne le remarquaient pas. Ou alors ils ne se parlaient pas, car entre eux il n’y avait plus rien.

Maria se rappelle aussi ce coup de poignard dans le cœur lorsqu’elle a appris que son partenaire avait fait un enfant à une autre femme. «j’ai toujours été en-dessous de lui. Mais j'étais tellement blessée que la douleur m’a aidée à m’élever, à devenir meilleure. J’ai resurgi tel un phénix… »

Des confessions bouleversantes teintées de nostalgie et d’humour qui auraient pu se suffire à elles-mêmes, mais des souvenirs que le réalisateur a tenu à illustrer et à reconstituer avec des acteurs (Photo).

"Argentina", voyage sensoriel de Carlos Saura 

critique-film-argentina-carlos-saura[1].jpgOn reste dans le même univers avec Argentina de Carlos Saura, qui propose un voyage dans l‘espace et le temps, composé des chants, des danses et des couleurs qui composent l’âme de l’Argentine. Le réalisateur explique couche par couche la naissance de la culture du pays, en parcourant ses origines musicales à la façon de la zonda, ce vent chaud qui souffle des Andes à l’Atlantique,

Pour montrer la beauté née de la diversité, il assimile les vagues successives d’immigration en mélangeant des rythmes espagnols, italiens, est-européens, avec des musiques indiennes précédant l’arrivée des Espagnols. Entre zambas, chacareras ou flamenco, Saura s’est entouré des meilleurs spécialistes pour cet opus parfois lancinant, mettant à l’occasion en scène des artistes un rien folkloriques. Mais il ne pourra que plaire aux fans de Carmen et Tango.

Films à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 10 février. 

 

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Grand écran: "Free Love", un pas décisif vers le marage pour tous aux Etats-Unis

undefined_6bffc73df120bc15e448fe82b5bf3c34[1].jpgC'est une histoire vraie. Tout commence par un coup de foudre entre Laurel Hester, brillante inspecteur de police quadragénaire très respectée des habitants mais cachant son homosexualité et Stacie Andree, une mécanicienne de vingt ans sa cadette qui assume crânement sa différence. L’amour entre ces deux femmes, qu’opposent en outre leur grande différence d’âge et leur condition sociale, choque dans l’Amérique encore frileuse du début des années 2000.

Mais peu importe les préjugés, même s’ils sont durs à vaincre à Ocean County, New Jersey. Elles décident d’habiter ensemble, concluent un contrat de partenariat domestique (un PACS à l’américaine) et vivent intensément la vie ordinaire d’un couple qui s’aime et bâtit des projets d’avenir. Mais leur quotidien bascule le jour où Laurel apprend qu’elle est atteinte d’un cancer des poumons en phase terminale.

Un dernier souhait qui met le feu aux poudres

Alors qu’elle s’est donné corps et âme à son métier pendant 23 ans sans jamais rien réclamer, Laurel a un dernier souhait. Que sa pension revienne à sa compagne pour lui permettre de rembourser la maison. Les élus locaux refusent catégoriquement. Bien qu’ils en aient le pouvoir, ils craignant les réactions négatives de leurs administrés et n’entendent pas traiter les pacsés comme les mariés.

C'est mal connaitre la farouche détermination des intéressées. Soutenues par des activistes, Laurel (qui mourra en 2007) et Stacie se battront envers et contre tout pour faire plier les autorités et finalement obtenir la reconnaissance de leurs droits. Ce premier pas décisif vers l’égalité, conduisit la Cour suprême américaine à décréter l’ouverture du mariage pour tous le 26 juin 2015.

Révélateur d’une société coincée

Free Love, adaptation signée Peter Sollett, raconte la passion, le désespoir et le courage face au cancer, la lutte acharnée de ces deux figures emblématiques, devenues presque malgré elles les porte-paroles d’une communauté discriminée.

Révélateur d’une société coincée dans un passé pourtant si proche, Free Love vaut toutefois davantage par son sujet, la défense du mariage homosexuel, que par son traitement et sa mise en scène. N’est pas Todd Haynes qui veut. Vu l’incroyable impact politico-social de cette simple histoire d’amour, on reprochera à l’auteur un trop plein de romance, un flirt poussé avec les clichés, notamment dans les scènes où Steve Carrell en fait des tonnes en activiste gay, ainsi qu’une insistance maladroite à montrer les ravages de la maladie pour mieux émouvoir les foules.

Belles comédiennes, sobres et justes

En revanche, les comédiennes assurent en se révélant à la fois justes, sobres, touchantes, naturelles. A l’image de la toujours excellente Julianne Moore (en dépit d’un redoutable brushing…) dans le rôle de l’inspecteur et de la benjamine Ellen Page, qui a fait son coming out l’année dernière.

Se sentant proche du combat de ces deux êtres aux rêves et aux ambitions modestes qui ont néanmoins significativement contribué à l’avancée de la cause, elle s’en est expliquée ainsi : *Faire connaître cette histoire, ça signifiait beaucoup pour moi qui suis lesbienne. J’admire ces femmes qui se sont révoltées alors qu’elles vivaient des moments si difficiles. Elles ont osé se battre jusqu’au bout pour défendre la justice et l’égalité pour tous».

A l’affiche dans les salles romandes dès mercredi 10 février

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03/02/2016

Grand écran: "Heidi", une héroïne mythique qui fait recette

heidi_s003_[1].jpgDepuis 1920, ce ne sont pas les adaptations (films, séries, bandes dessinées, voire pornos) du roman de Johanna Spyri, paru en 1880 qui manquent. A rappeler plus spécialement l’américaine d’Alan Dwan en 1937 avec Shirley Temple, ou celle de Luigi Comencini en 1952.

Cette nouvelle resucée, signée du Suisse Alain Gsponer, de l’histoire d’une héroïne mythique de la littérature enfantine était-elle du coup vraiment nécessaire? A priori non, sauf qu’elle fait recette. Sorti à la mi-décembre, le film, vendu dans 50 pays, a déjà attiré plus d’un million et demi de spectateurs en Suisse alémanique, en Allemagne et en Autriche. Un filon à l'exploitation illimitée...

Bref. Nous voici ainsi repartis sur les traces de la petite orpheline confiée à son grand-père, vieil ours solitaire au cœur tendre, vivant dans un chalet rudimentaire sur l’Alpe, dont elle découvre la beauté en compagnie de Peter, le petit berger. Avant de se voir arrachée à leur affection, pour parfaire son éducation chez de riches bourgeois de Francfort. Où elle dépérit loin de ces êtres aimés et de ses chères montagnes…

La plupart des versions de Heidi se sont révélées relativement folkloriques. Il faut reconnaître que celle de Gsponer, honnête et plutôt convaincante, est sans doute la plus proche du livre de Johanna Spyri. Aussi bien en ce qui concerne le scénario de Petra Biondna Volpe, que côté comédiens. Dont Bruno Ganz, qui n’a pas pu faire autrement que d’accepter d’endosser le costume du grand-père faussement bourru et acariâtre.

On découvre par ailleurs la mignonne Anuk Steffen, choisie parmi 500 fillettes, dans le rôle de l’emblématique Heidi. Icône à laquelle elle donne joliment vie avec son caractère joyeux, malicieux, rebelle, sauvage et son style garçon manqué. De superbes paysages complètent l’ensemble qui, à en juger par les succès déjà enregistrés, devrait également plaire au public romand. En touchant plus particulièrement une nouvelle génération d’enfants.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 3 février.     

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Grand écran: Samir retrouve ses racines dans "Iraqi Odyssey"

512_1[1].jpgSon dernier film, ambitieux, le plus difficile, lui a coûté dix ans de sa vie. Avec Iraqi Odyssey, écarté de la course aux Oscars après avoir failli représenter la Suisse, Samir a en effet parcouru le monde pour retrouver ses racines.

Tout en reconstruisant l’histoire de sa famille de classe moyenne, dont les membres forcés à l‘exil sont dispersés entre Auckland, Moscou, Paris, Londres et Buffalo, au Texas, il retrace celle de l’Irak en évoquant ses deux faces.

Le pays d’aujourd’hui, dont les médias nous renvoient des images de guerre, de bombes, de villes détruites, de femmes voilées en larmes et celui des années 50-70, avec des films frivoles à la musique légère, des hommes bien habillés croisant de joyeuses étudiantes nu-tête dans les rues de la capitale, alors une ville moderne. 

Un contraste saisissant et pour Samir, né à Bagdad, la volonté de comprendre la cause d’un changement aussi radical en confrontant les souvenirs d’un pays et de quelques-uns de ses habitants.

Après une présentation assez longuette de ses oncles, tantes, cousins, cousines, ou encore d’une sœur de quelque 30 ans sa cadette, il alterne interviews et images d’archives de l’Irak. S’il lui a fallu convaincre ses proches de témoigner, le plus compliqué fut de dénicher les images d'archives. Tout ayant été détruit, pillé, il a dû recourir à Internet.

Samir se révèle intéressant et émouvant quand il se penche sur les siens, surtout pour ces derniers qui ont tous la larme à l’œil comme on peut le voir à la fin du film, lorsqu'ils sont conviés à la projection des rushes. Mais le réalisateur passionne davantage quand il élargit son propos, passant du portrait familial à celui d’un pays dont il laisse découvrir des aspects ignorés.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 3 février.

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