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25/10/2016

Grand écran: Ken Loach crie sa colère dans "Moi Daniel Blake"

aaablake.jpgEn mai dernier à Cannes, dix ans après Le vent se lève, Ken Loach, 80 ans, décrochait sa deuxième Palme d’or, avec Moi, Daniel Blake, Un choix politique convenu pour ce film militant, émouvant, mais peu novateur et trop manichéen avec tous les bons ouvriers d’un côté et pratiquement tous les vilains fonctionnaires de l’autre.

Même si ce n’est pas le meilleur de l’infatigable Britannique, il n'en demeure pas moins efficace. A son habitude, Ken Loach filme les opprimés, les exclus, les démunis, les laissés-pour-compte. Et, au-delà d’une critique sociale acérée, pousse un véritable cri de rage en suivant en suivant Daniel (Dave Johns), un menuisier veuf de 59 ans.

Mis en arrêt maladie par son médecin après un infarctus, le malheureux est pourtant contraint par l’assurance chômage de chercher un travail sous peine de sanctions. Il entame alors un parcours aussi humiliant que kafkaïen dans les dédales de l’administration anglaise pour obtenir de l’aide.  

Entre les masses de formulaires à remplir constamment incomplets, les interminables appels téléphoniques pour rien, les rendez-vous inutiles à Pôle Emploi, Daniel Blake est pris dans un piège bureaucratique cauchemardesque, où les portes se ferment devant les plus vulnérables, où on vous coupe arbitrairement les subsides.

Il y croise Rachel (Hayley Squires), une jeune femme également au chômage élevant seule ses deux enfants. Ecrasés par un système qui les traite comme des chiens alors qu’il est censé venir à leur secours, ils vont se révolter et s’allier pour mieux se soutenir.

Le réalisateur a sillonné le pays, commençant dans les Midlands et finissant à Newcastle une ville à forte tradition de lutte ouvrière. "Partout, tous les jours, des centaines de milliers de familles ne peuvent manger sans le recours aux banques alimentaires. C’est insupportable, intolérable. Et pourtant, on détourne les yeux" déclarait-il notamment lors d’une conférence de presse à Locarno où le film, ovationné sur la Piazza Grande, avait reçu le Prix du public. (Voir aussi ma note du 12 août dernier),

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 26 octobre

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19/10/2016

Grand écran: Nicole Garcia raconte une quête d'amour fou dans "Mal de pierres". Avec Marion Cotillard

Inspiréacotillard.jpg du roman de l’Italienne Milena Agus, ce mélodrame qui réunit pour la première fois à l’écran Marion Cotillard et Louis Garrel, suit le parcours de Gabrielle. Elle a grandi dans la petite bourgeoisie rurale de la Provence des années 50. où sa passion, sa rage et ses rêves d’absolu la font passer pour folle. 

Menacée de l’asile psychiatrique, elle épouse José, un maçon espagnol taiseux auquel sa mère l’a quasiment vendue. Elle ne l‘aime pas, lui oui. Mais il ne dit rien, accepte tout d’elle, fait tout pour elle. Il l‘envoie dans un sanatorium pour soigner ses calculs rénaux, son «mal de pierres», où elle rencontre un séduisant lieutenant blessé dans la guerre d’Indochine. Sa soif d’amour fou se réveille…

Nicole Garcia propose un bon film élégant à l’ancienne à la mise en scène classique. Trop illustratif et controlé dans le traitement de ce sujet fort, il manque de profondeur et de tripes dans la mesure où son auteur brosse le portrait d’une jeune femme exaltée, excessivement romantique, possédée, fiévreuse, incarnée par Marion Cotillard, qui est de tous les plans.

Un personnage libre intense, émouvant, mystérieux, à la fois sombre et illuminé, qui va bien à la comédienne. Sans aller jusqu’à l’incandescence que certains critiques lui prêtent, elle séduit dans sa quête éperdue d’un amour impossible, fantasmatique, sinon fantomatique… A ses côtés on trouve Louis Garrel, sobre dans le rôle du bel officier militaire à la santé fragile et Alex Brendemühl dans celui, plus ingrat mais tenu, du mari délaissé.

anicole.jpg"Gabrielle m'a beaucoup touchée"

En lisant le livre, Nicole Garcia a eu envie de l’adapter. «Cette femme m’a beaucoup touchée dans sa quête d’absolu. Elle va jusqu’au bout, contournant toutes les soumissions normatives de la société où elle vit", expliquait-elle lors d’une conférence de presse à Cannes où le film avait été sélectionné en compétition. " Il y a chez Gabrielle quelque chose de sauvage et de sexué. Elle n’est pas une pauvre folle s’attachant à quelqu’un qui ne veut pas d’elle. Sa maladie est une sorte de symptôme. Tout son corps participe". 

Les choses ne se sont pourtant pas déroulées sans mal. Non seulement l’adaptation s’est révélée complexe, mais Nicole Garcia a attendu son héroïne, Marion Cotillard, pendant un an. "Je la voulais elle et pas une autre. J’aime sa sensualité. Son corps parle tout le temps.»

"J’espérais que le scénario ne me plairait pas"

Si la comédienne a mis aussi longtemps à se décider, c’est qu’elle avait enchaîné des films intenses et terminait un tournage. "J’avais envie de prendre du temps pour moi. J’ai lu le scénario en espérant qu’il ne me plaise pas. Mais après trois pages, j’ai réalisé que j’allais l’aimer. Ensuite j’ai mis deux mois à dire oui". 

Marion Cotillard est attirée par des personnages qu’elle n’a pas explorés. A l’instar de celui de Gabrielle. "Elle est enfermée dans un milieu où on ne respecte pas son désir, sa fièvre, ce qui risque de mener à une sorte de folie. Priver une personne de sa liberté peut la rendre malade".

Quand elle accepte de collaborer à un film, il y a un processus qui s’enclenche malgré elle. "Comme quand on tombe amoureux. Mais je n’ai pas de méthode particulière pour travailler. Les choses se font de manière différente selon les réalisateurs. Il y a aussi ce qu’on se raconte du caractère pour lui donner une âme, de la chair. Gabrielle devait vivre au-delà des mots. Selon les personnages que j’incarne, je dois connaître leurs goûts musicaux, comment ils se déplacent ce qu’ils ont vécu dans leur enfance. Je me laisse aller à la rencontre des histoires. Je m’ouvre à quelqu’un. Encore une fois, cela ressemble à une histoire d’amour. C’est un peu mystérieux".

A l'affiche dans les salles de Susse romande dès mercredi 19 octobre.

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18/10/2016

Grand écran: "Heimatland" tente laborieusement de clouer la Suisse au pilori

aheimat.jpgll fait froid, c'est l'automne. Un mystérieux et menaçant nuage déroutant tous les experts météo s’entend sur la Suisse centrale et ne cesse de croître pour recouvrir le pays en s’arrêtant aux frontières. Il est annonciateur d’une tempête dévastatrice qui sème la panique parmi les habitants.

Cet effondrement aussi imminent qu'inimaginable suscite chez eux différents comportements. Certains se barricadent dans leur maison, fêtent la fin du monde, tandis que d’autres dévalisent les supermarchés ou cassent des vitrines de petites boutiques.

A cet égard, on apprend qu’il est très moche de vandaliser l’échoppe de l’indien du coin et plutôt recommandé de s’attaquer à Globus et à la Coop… Mais finalement plus d’un million d’Helvètes angoissés quittent les abris, se jetant sur les routes pour fuir "l’amère" patrie et tenter de gagner le pays voisin. En vain. Mais ne craignez rien, on va éviter une comparaison gratuite...

Certains codes du film catastrophe

Poursuivant dans la tradition du film suisse critique envers la société, ne se limitant toutefois pas au blâme et à la condamnation dans la mesure où ils font partie du problème, ils se sont réunis à dix jeunes réalisateurs alémaniques et romands (pas de Tessinois) pour observer de près cette petite nation alpine (verrue, dixit en son temps San Antonio..) qui s’obstine à se replier sur elle-même.

Ils ont commencé par rédiger un script, avec la volonté de créer des personnages d'ici. Chacun a exécuté son morceau et ils ont essayé de les mettre ensemble. Leur opus se veut à la fois choral et politique, tout en empruntant certains codes du film catastrophe, utilisés simplement comme un moyen. Le méchant nuage n’a donc pas la vedette et aucun héros à l’américaine ne volera au secours du peuple plongé dans le chaos.

Un gros défi à relever pour un résultat inégal et simpliste

Collaborer avec autant de monde est logiquement générateur de tensions et de conflits. C’est un gros défi à relever que de concocter une œuvre collective sans compromis. Du coup, Sa construction confuse donne un résultat forcément inégal. Mais surtout, à part quelques rares bons moments, Heimatland se perd dans une approche lourdingue sinon laborieuse, simpliste et premier degré.

A l‘image par exemple de ces scènes où l’Union européenne s’interroge sur la procédure à suivre pour accueillir ces réfugiés inédits qui, parvenus aux frontières, sont refoulés et condamnés à rentrer au bercail. Un juste retour des choses en forme de cliché moralisant, notamment illustré par un caméo de Jean Ziegler à la télévision, pour fustiger ces Suisses parfois ignobles qui méritent d’expier leurs péchés.

Lors de la présentation du film en compétition à Locarno l'an dernier,  les auteurs avaient affirmé assumer pleinement ce premier degré, l'un d'eux reconnaissant même "le côté grotesque de quelques histoires se déroulant dans des situations étonnantes par rapport à ce qui existe".

L’isolement, thème essentiel

Ils ont par ailleurs insisté sur le caractère essentiel du métrage, à savoir l’isolement du pays. Mais pour eux il ne s’agit pas à proprement parler d’une réponse à la politique blochérienne de quotas d’étrangers, qui a provoqué le référendum du 9 février 2014. "Nous avons débuté l'écriture il y a quatre ans et nous ne pouvions pas prévoir ce qui est arrivé. Nous avons été rattrapés par la réalité et nous avons élaboré les thèmes au fur et à mesure ».

Ils espéraient provoquer une réflexion chez le spectateur, l’amener à se poser des questions. "Nous ne parlons pas seulement de l’isolement de la Suisse, mais de l’isolement personnel, cette faculté perdue de nouer des liens avec les autres. A force de s’isoler, on va droit dans le mur. On suffoque et on a peur d’être enterré vivant".

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 19 octobre.

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Grand écran: "Brice 3", l'éloge calamiteux de la vacuité cérébrale

aaabrice.jpgPlus de dix ans après, Brice revient. Le monde a changé, mais pas lui, éternel ado végétant misérablement sur sa plage entre fartage et cassage, servant d’attraction aux touristes asiatiques. Jusqu’au jour où les autorités locales lui démolissent sa baraque.

Aussi n’hésite-il pas à répondre à l’appel au secours de son meilleur ami Marius, et s’embarque pour une grande aventure parsemée de hauts faits. Le tout est raconté par un vieux Brice chenu à des gamins dont il se moque abondamment..

Voici qui n’augurait rien de bon, ni de drôle. La confirmation de la chose ne s’est pas fait attendre. Disons-le tout de suite, la seule idée un peu rigolote de l’histoire, c’est d’avoir cassé Brice 2 pour passer directement à Brice 3 signé James Huth. En ce qui concerne le reste, bonjour les dégâts. Un scénario famélique, une mise en scène pataude, un montage hystérique, des scènes éculées remplaçant l’absurde et l’incongru par le ridicule, des gags aussi bêtes que puérils et répétitifs.

En résumé une comédie calamiteuse, indigeste, indigente, désolante de médiocrité qui veut lutter contre la pensée unique à coups de répliques prétendument cassantes et politiquement incorrectes. Mais le pire, c‘est quand même le pauvre Dujardin. Le comédien, à qui Clovis Cornillac vole en plus la vedette, s’incarne tellement dans ce débile analphabète asexué, qu’il a tendance à devenir à la ville le personnage dont il ne cesse de louer la vacuité cérébrale.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 19 octobre

 

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Grand écran: "Ma vie de courgette" cartonne partout où il passe


acourgette.jpgAprès avoir fait pleurer la Croisette en mai dernier lors de sa présentation à la Quinzaine des réalisateurs, Ma vie de courgette a raflé des prix aux festivals d'Annecy, d’Angoulême, de San Sebastian, de Zurich. Il représente également la Suisse dans la course aux Oscars de la meilleure animation et du meilleur film étranger.

Bref un petit phénomène. Tout le monde craque en découvrant les touchantes aventures de Courgette. Un curieux nom de légume sous lequel se cache Icare, un garçon courageux de 9 ans qui, depuis que son père est parti avec une "poule", vit seul avec sa mère alcoolique. Elle lui flanque régulièrement de sacrées raclées. Un jour il la tue accidentellement pour échapper aux coups. Alors Raymond, le sympathique et compatissant policier qui s’occupe de son cas, l’emmène dans un foyer.

Réalisé par le Valaisan Claude Barras sur un scénario de Céline Sciamma, Ma Vie de courgette est inspiré d’Autobiographie d'une courgette, un roman de Gilles Paris, qui a lui-même connu le sort de son petit héros, Il raconte ainsi la vie d’Icare qu’il faudra désormais appeler Courgette, le sobriquet auquel il s’accroche, sa mère le lui ayant donné. .

A l’orphelinat ressemblant à une colonie de vacances, le gamin qui se croit seul au monde rencontre la petite bande de Simon, Ahmed, Jujube, Alice et Béatrice. Ils ont chacun leur histoire. Toutes sont aussi tristes que celles de Courgette. Et pourraient être réelles.

aacougette.jpgDécouverte de l'amitié et de la solidarité

Au début, ce n’est pas simple de se faire accepter. Mais peu à peu ils vont s’apprivoiser et réussiront ensemble à retrouver une joie de vivre en découvrant l’amitié, la générosité, la solidarité. Surtout avec l’arrivée de l’adorable Camille, dont Courgette tombe amoureux et qu’il sauvera des griffes de sa sorcière de tante.

Claude Barras a déclaré avoir eu un coup de foudre en lisant le livre de Gilles Paris, qui lui a rappelé ses premiers émois de spectateur devant des films comme Rémi sans famille, Belle et Sébastien, Heidi ou Bambi. Ce film est surtout pour lui un hommage à tous les enfants maltraités qui tentent de survivre à leurs blessures.

Si l’émotion domine à l’évocation de sujets douloureux, on rit également dans ce film en stop-motion qui ne tombe jamais dans le pathos, le larmoyant, les bons sentiments à la louche qu’on aurait pu craindre avec un tel sujet. Et on admire les prouesses techniques. Les personnages qui parlent avec de vraies voix d’enfants, sont des figurines aux grands yeux ronds animées image par image. Le film a ainsi nécessité dix-huit mois de tournage, une centaine de techniciens et un budget de six millions d’euros.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 19 octobre.

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12/10/2016

Grand écran: "L'Odyssée" évoque la légende Cousteau, star narcissique et militant écolo

aodyssee.jpgEn ces temps difficiles, la France a besoin de héros. Le cinéma lui en offre un sur mesure avec le commandant Jacques-Yves Cousteau, iconique aventurier au bonnet rouge, du moins pour les plus de vingt-trente ans, à qui Jerôme Salle rend hommage dans L’Odyssée. Un biopic incarné par Lambert Wilson, Pierre Niney et Audrey Tautou, porté aux nues par la quasi-totalité de la presse hexagonale.

 Vivant au sud de la France dans une maison surplombant la Méditerranée avec sa femme Simone, ses deux fils Jean-Michel et Philippe "JYC" ne rêve que d’aventures. En 1949, il invente un scaphandre autonome et découvre un nouveau monde dont il n’a alors de cesse de sonder les profondeurs à bord de la Calypso, fameux navire et futur symbole de son œuvre.

Grand admirateur du lauréat d'une discutable Palme d’or cannoise en 1954 pour Le monde du silence, Jerôme Salle se penche sur sa personnalité complexe et contradictoire. Un portrait qui se veut sans fard, dévoilant les zones d’ombre d'un homme sec, dur et autoritaire, n'hésitant pas, à ses débuts d'explorateur, à capturer des otaries pour les étudier ou à jeter sans scrupule des tas d’ordures à la mer. Et qui surtout, touchant à la célébrité, se transforme en star narcissique, âpre au gain et impénitent coureur de jupons,

Parallèlement à cette course effrénée à la reconnaissance et aux contrats, le réalisateur construit sa dramaturgie à travers les relations conflictuelles que ce père dominateur entretenait avec son second fils Philippe, casse-cou avide de son amour et de son admiration, mort dans un accident d’hydravion en 1979. C’est d’ailleurs avec cette tragédie que le film commence.

Jerôme Salle évoque également les rapports acrimonieux avec sa femme Simone, épouse trompée et délaissée, rongée par les infidélités de son mari et noyant sa jalousie dans l’alcool à bord de la Calypso, dont elle avait fait sa maison après l’avoir payée en vendant des bijoux hérités de sa mère.

Mais, comme débarrassé de l’hagiographie en stigmatisant l’égoïsme du séducteur dévoré d’ambition dans sa
première partie, le film s’emploie à son rachat tout au long de la seconde. En insistant longuement sur la conversion de l’infidèle paternel écrasant à l’égo surdimensionné en ardent défenseur des océans, grâce à Philippe qui lui avait opportunément ouvert les yeux sur l’importance de la chose.

C’est ainsi qu’en dépit de bons acteurs, à commencer par Lambert Wilson (photo) en Cousteau plutôt bluffant et souvent plus vrai que nature, de superbes images de fonds marins, de spectaculaires ballets de requins et de baleine, ce biopic reste finalement ce qu’il prétend ne pas être: un film essentiellement à la gloire du commandant, précurseur sur le tard pourtant de l’écologie moderne.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 12 octobre.

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11/10/2016

Grand écran: médecin et détective, Adèle Haenel porte "La fille inconnue" des Dardenne

afilleinc.jpgMédecin à Liège.Jenny Davin refuse d’ouvrir la porte de son cabinet à une patiente, l’heure de fermeture étant passée. La retardataire, une jeune fille, est retrouvée morte sur une berge le lendemain matin, à deux pas de là. Rongée par le remord, apprenant de surcroît que la police ignore son identité, Jenny se transforme en détective et va tenter de la sortir de l’anonymat pour lui permettre d’être dignement enterrée.

D’abord centrée sur les gestes et le quotidien d’une généraliste, l’intrigue bifurque ainsi vers une enquête menée avec les moyens de la médecine, au cours de laquelle Jenny découvre à la fois l’identité de la morte et le coupable.

Mais l’essentiel n’est pas vraiment là. Livrant une réflexion sur la culpabilité et la responsabilité, le film évoque, par le biais de la quête expiatoire de Jenny, une rédemption possible. En montrant par ailleurs que chacun, à son échelle, a la possibilité d’améliorer les choses face à la souffrance et à la misère.

Intéressante radiographie de notre société avec un petit côté christique, ce dernier opus des Dardenne laisse toutefois un peu sur sa faim. Eux qui visaient une troisième Palme d’or à Cannes sont repartis bredouilles avec La fille inconnue, bien que porté par une convaincante Adèle Haenel. Sorte de sainte laîque, elle enlève le morceau par sa combativité, son énergie, son obstination, son jeu simple, sobre, naturel et intense.

Les deux frères planchent sur ce film depuis 2008, tout en en réalisant d’autres. De passage à Genève, ils nous racontent qu’au départ ils l’avaient imaginé avec un médecin qui se sent coupable de la mort de quelqu’un. Mais un médecin plus âgé qu’Adèle Haenel. Il y a deux ans, ils voient la jeune femme à une soirée, lui trouvent un côté naïf qui leur plaît et sa présence s’impose. "On a pensé que son inexpérience pourrait pousser les gens à davantage se dévoiler. Sans calcul. On a alors retravaillé tout le scénario".  

Peut-on parler d’une photographie de la société à travers le travail de ce médecin confronté à la souffrance ?

En partie. Par exemple, cette fille découverte au bord de l’eau symbolise les migrants qui meurent et qu’on retrouve sur les plages. Et on s’en fout.

Mais pas Jenny. Elle refuse l’endormissement, de dire qu'on ne peut rien faire, que rien ne changera jamais. Et que donc elle s’en lave les mains.

Bien que rien ne puisse être retenu contre elle, Elle refuse en effet de ne pas se sentir coupable, elle essaye de réparer, elle change de vie. Ce n’est plus la même femme. Ce sont les plus faibles qui vont vers elle., ce qu’elle ne voulait pas au début. Elle avait l’intention de faire carrière, de s’élever vers quelque chose de mieux.

En somme le docteur remet les choses à l’endroit dans un monde qui va à l’envers.

Le film porte une forme d’optimisme. Pas dans le sens d’aimer l’humanité mais un autre individu. En même temps on n’est pas dans les bons sentiments. Jenny ne va pas s’épancher. On ne se sert pas d’elle pour dire que la rédemption est possible. On s’intéresse à un personnage sans qu’il soit un porte-parole.

Comment Adèle Haenel a-t-elle préparé son rôle?

Elle est allée pendant deux semaines chez une femme médecin qu’on connaissait pour voir comment les choses se passaient, apprendre les gestes, les prises de sang, pour que cela devienne automatique. Pour nous c’est important.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 12 octobre. 

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05/10/2016

Grand écran: "Aquarius" dénonce un Brésil gangrené à travers un somptueux portrait de femme

aquarius.jpgSélectionné surprise en compétition au dernier Festival de Cannes, Aquarius, le deuxième long-métrage de Kleber Mendonça Filho avait été plébiscité, à l’image de Maren Ade et son Toni Erdmann. Mais, tout comme l’Allemande, le Brésilien était reparti les mains vides. L’équipe du film n’en n’avait pas moins profité de la fameuse montée des marches et son écho international pour brandir des pancartes, protestant contre la destitution de l’ex-présidente Dilma Roussef et comparant cet acte à un coup d’Etat.

Dans Aquarius, le réalisateur se penche sur le quotidien de Clara, issue de la classe moyenne aisée, et qui fut une critique musicale réputée à Recife, au cours des années 60 et 70. Aujourd’hui cette veuve sexagénaire et mère de trois enfants, possède le dernier appartement d’un immeuble qui n’a pas été racheté par un promoteur voyou. Mais il commence à la harceler pour l’obliger à vendre.

La combative obstinée et orgueilleuse Clara, une vraie résistante qui a notamment survécu à un cancer du sein et qui continue à jouir de l’existence comme bon lui semble, ne se laisse pourtant pas facilement déstabiliser. Elle est bien décidée à rester dans un leu désormais désert, mais qui contient toute sa vie entre ses souvenirs, sa collection de vinyles et ses livres. S’il est subtil et intelligent, le portrait que brosse le cinéaste n’est pas toujours flatteur, dévoilant un personnage impérial et digne, qui peut à l'occasion se révéler égoïste, sinon odieux.

Un pays miné par la crise, la spéculation, la corruption

Plus important, à travers la lutte de cette femme forte incarnée par la grande, magnifique, sensuelle et solaire Sonia Braga, le cinéaste livre une sorte de radiographie du Brésil. Evoquant plus largement un pays gangrené par un libéralisme agressif, il dénonce un capitalisme sauvage se traduisant par la crise, la spéculation, la corruption, les persistantes inégalités sociales.

En raison de son sujet et de la petite manifestation cannoise, Aquarius, fable fleuve en forme de chronique politique, avait été d’abord interdit aux moins de dix-huit ans, un âge qui a finalement été abaissé à 16 ans. Il a par ailleurs fait un véritable carton au Brésil et décroché deux prix au Festival Biarritz Amérique latine. Mais voilà qui ne lui a pas suffi pour représenter son pays dans la course aux Oscars.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 5 octobre.

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Grand écran: "Une vie entre deux océans", trop tire-larmes pour émouvoir vraiment

auneviie.jpgAu lendemain de la première Guerre ondiale. Tom Sherbourne, ancien soldat encore traumatisé par le conflit, aspire à l’isolement pour tenter d'oublier ses horreurs. Il pense le trouver en se proposant comme gardien de phare sur la petite île inhabitée de Janus, en Australie. Il y vit en solitaire, avant de tomber sous le charme d’Isabel, la fille d’un dignitaire du port le plus proche. Elle le supplie de l’épouser et de l’emmener avec lui sur cette terre austère, belle et sauvage. 

Tous deux s’aiment d’un amour fusionnel que vient de surcroît bénir la promesse d’un enfant. Que demander de plus dans l’existence? Hélas Isabel fait deux fausses couches et doit se résoudre à la pensée qu’elle n’aura plus jamais d’enfant. C’est pourtant là que le destin s’en mêle. Une barque s’échoue sur la plage, avec à l’intérieur un homme mort et un nouveau-né miraculeusement indemne. Tom et Isabel commettent alors la folie d’enterrer secrètement le corps et de garder le nourrisson, une petite fille, en laissant croire qu’il s’agit de la leur…

Réalisé par Derek Clanfrance, interprété par Michael Fassbender, Alicia Vikander (photo) et Rachel Weisz,  Une vie entre deux océans est tiré du best-seller éponyme de M.L. Stedman. Surfant entre folle passion, désir obsessionnel de maternité, secret, mensonge, culpabilité et abnégation, l’auteur défie le spectateur de rester indifférent au drame vécu par ses héros.

C’est pourtant le cas face à ce mélo, bien que porté par des acteurs de talent et ne lésinant pas sur la somptuosité des paysages. Mais il est tellement calibré pour faire pleurer dans les chaumières qu’il peine à émouvoir vraiment.

A l‘affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 5 octobre.

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04/10/2016

Grand écran: "Le ciel attendra" montre des jeunes filles piégées par Daech. Bouleversant et indispensable

aciel.jpgComment et pourquoi une jeune fllle, aujourd’hui, peut avoir envie de partir en Syrie? C’est ce qu'explique Le ciel attendra en mettant en scène deux d'entre elles. Mélanie et Sonia. Mélanie a 16 ans. Elle vit avec sa mère Sylvie, aime l’école et ses copines, joue du violoncelle et veut changer le monde. Mais l'irréparable se profile lorsqu’elle rencontre son "prince" sur internet, en tombe amoureuse et se fait petit à petit prendre dans les filets de Daech. Un piège qui a aussi failli se refermer sur Sonia, 17 ans, pour "garantir à sa famille une place au paradis".

Un film intelligent, lucide, indispensable, analysant ce moment où les ados sont contre tout ce qui représente l'autorité, explorant parallèlement l’intimité et la psychologie de deux filles qui ont basculé, ou vont le faire, dans le fanatisme. L’opus montre aussi la façon dont les proies sont repérées grâce aux réseaux sociaux, après avoir posté des messages avec des mots-clés qui permettent d'établir le contact. Il y a enfin la douleur, la colère, le courage de parents qui tentent de comprendre et se sentent coupables de n'avoir rien vu venir.

Le ciel attendra est signé de la réalisatrice scénariste et productrice française Marie-Castille Mention-Schaar. "Partie de questions que je me posais, j’ai commencé à rencontrer des journalistes couvrant le sujet, un frère parti sur les traces de sa sœur. Ensuite j'ai fait beaucoup de recherches, vu des reportages, lu des articles, regardé des heures de vidéo de propagande dont certaines sont juste insoutenables, pour mieux saisir l'emprise des rabatteurs".

Grâce aux contacts de Dounia Bouzar

Toutefois, le plus important pour Marie-Castille Mention Schaar était d’entrer en contact avec des adolescentes qui ont été, sont encore dans la radicalisation. Et cela grâce à Dounia Bouzar, anthropologue française qui a fondé en 2014 le Centre de prévention contre les dérives sectaires liées à l’islam.

"Elle a accepté que je la suive pendant trois mois avec son équipe partout en France. Et j’ai découvert la réalité du processus d’embrigadement en parlant notamment avec une jeune fille passée par là. Avec leur soif d’absolu, de pureté, de romantisme, leur besoin d’être utiles, elles succombent plus facilement. Les prédateurs les ciblent en leur assurant que leur existence va avoir un autre sens que dans cette société pourrie, dépourvue de spiritualité, uniquement attirée par la consommation, le succès. Ce qu’on leur promet, c’est la vie après la vie, un monde où il n’y a pas d’injustice, de pauvreté et où tout est beau".

Clotilde Courau particulièrement impliquée

Ce long-métrage est porté par quatre comédiennes très convaincantes. Outre Noémie Merlant et Naomi Amarger qui incarnent parfaitement les deux filles, la réalisatrice a fait appel à Sandrine Bonnaire et Clotilde Courau. "Sandrine devait mais n’a pas pu jouer dans Les Héritiers, mon précédent film. Suite à ce rendez-vous manqué, j’étais contente de la retrouver car elle me paraissait évidente dans le rôle de l’une des mères. En ce qui concerne Clotilde Courau, l’autre maman, c’est son agent qui m’en a parlé. J’ai regardé L'ombre des femmes de Philippe Garrel et j'ai été séduite par sa volonté d'implication dans l'histoire".

"Quand Marie-Castille m’a proposé de participer à l’aventure, j’ai été frappée par l’intelligence du propos", nous dit Clotlide. "J’avais eu l’occasion d’aller à Tunis lors de l’explosion au Musée national du Bardo et je me sentais concernée. J’ai.écouté des témoignages, lu des ouvrages sur Daech, qui applique le même principe que les sectes. Isoler les gens, les couper de leur famille, de leurs émotions. Et bien sûr, je me suis plongée dans les problématiques de l’adolescence".

Evoquant son rôle, Clotilde Courau relève à quel point elle l’a trouvé bouleversant. "Incarner ce genre de personnage c’est m’interroger sur cette femme qui se retrouve dans une solitude absolue, à laquelle s’ajoute une terrible culpabilité, c’est questionner mon identité de parent qui veut comprendre, mais n’a rien vu venir. Pour le jouer, j’ai surtout pensé à toutes les mères qui ont vécu ce drame. En espérant être à la hauteur»

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 5 octobre.

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