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06/10/2015

Grand écran: "Sicario", de la violence et du sang pour un narco-thriller sans surprise

benicio[1].jpgIntrigues, corruption, drogue, criminalité en hausse. Le lot d’une population terrifiée vivant dans la zone frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique, devenue "le territoire des loups", un effrayant lieu de non droit.

C’est là que le Québecois Denis Villeneuve a situé Sicario, l’histoire d’une opération des services secrets américains, qui balaie les lois pour abattre ceux qui ne les respectent pas. Et c'est parti pour des affrontements meurtriers, des tortures et de folles poursuites en voiture.

En s’attaquant au film de genre, il opère une plongée dans l’univers ultra violent des cartels et de leurs immondes méthodes. Un thème souvent traité au cinéma, mais où on retrouve la patte du cinéaste québécois dans une mise en scène brillante.

On n’en dira pas autant du scénario compliqué et tortueux de ce narco-thriller sans grande surprise sur le fond, mais qui se veut sous haute tension permanente en nous abreuvant d’images sanglantes d’une brutalité à la fois éprouvante et complaisante.

Intéressant personnage féminin sous les traits d'Emily Blunt

En revanche bonne direction d’acteurs, avec en haut de l'affiche Josh Brolin. Agent faussement décontracté du gouvernement, il dirige le groupe d’intervention chargé de la lutte contre le trafic de drogue. Un combat mené par Benicio del Toro, consultant doublé d’un tueur à gages avide de vengeance.

Redoutable bourreau, il est pourtant doté d’une once de sensibilité à l’égard de Kate, jeune recrue idéaliste du FBI qui, enrôlée dans cette mission clandestine à haut risque, sera obligée de revoir des convictions mises à rude épreuve. Une question de survie.

Interprété par Emily Blunt, ce fragile personnage est le plus intéressant du film, dans la mesure où cette terrible guerre souterraine dans laquelle le spectateur est immergé est vue à travers ses yeux. 

Pour son auteur qui dénonce la manipulation dans les médias ou les mensonges des politiques, Sicario est une œuvre très moderne sur la société actuelle, la manière qu’a l’Occident, plus précisément l’Amérique en l’occurrence, de gérer ses problèmes.

On lui préfère pourtant d’autres opus comme par exemple l’excellent Prisoners. Faute d’un regard suffisamment original sur son sujet, Denis Villeneuve qui s’alignait en compétition au dernier festival de Cannes, était d’ailleurs logiquement reparti les mains vides.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 octobre.

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30/09/2015

Grand écran: "The Intern" voit De Niro jouer les stagiaires à 70 ans. Laborieux

landscape-1431610532-anne-hathaway-robert-de-niro[1].jpgLe moins qu’on puisse remarquer c’est que Robert De Niro, assurant le strict minimum, n’aligne pas les chefs d’œuvre depuis quelque temps. Comme dans The Intern, où il endosse le costume de Ben Whittaker, un veuf de 70 ans constatant que la retraite ne correspond pas vraiment à ce qu’il souhaitait.

Dès lors cet ancien PDG d’une fabrique d’annuaires s’ennuyant comme un rat mort, se décide à reprendre du service.

Sans trop se fatiguer à chercher, il décroche un improbable job de stagiaire sur un site internet de mode créé et dirigé par la jeune et bien sûr dynamique Jules Ostin (Anne Hathaway par ailleurs dotée d'un mari au foyer. Elle est censée mener la vie dure à Ben, au départ déboussolé, mais se pliant avec dignité et bonne humeur à tout, y compris aux tâches les plus subalternes. Son étonnante flexibilité le pare rapidement de toutes les qualités. Il ne tarde pas à devenir le confident de la patronne et donc le personnage le plus incontournable de la boite,.

Un scénario sans intérêt, cousu de fil blanc, pour pseudo comédie sociale laborieuse et surannée où tout sonne faux. Du coup, on ne croit ni à l’univers prétendument impitoyable imaginé par la réalisatrice Nancy Meyers, qui vire carrément à la bluette, ni aux personnages qui y évoluent. A commencer par l’inconsistant duo De Niro-Hathaway. Autrement dit il n’y a pas franchement grand-chose à sauver dans l'histoire.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 30 septembre.

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Grand écran: "Les mille et une nuits, volume 2" où la désolation a envahi le coeur des hommes

imagesGKLIOHT4.jpgDeuxième volume du film somme Les mille et une nuits du Portugais Miguel Gomes qui poursuit son exploration de la crise économique dans son pays et de ses conséquences dévastatrices.

Mêlant documentaire et fiction, silence et parole, épure et profusion d’images sur fond de réalité et d’imaginaire, ce tryptique dans le tryptique, intitulé Le désolé brosse une foule de portraits. Où Shéhérazade raconte justement comment la désolation a envahi le coeur des hommes.

La première histoire Chronique et fugue de Simao "Sans Tripes" dépeignant la culpabilité humaine prend la forme d’un western. Elle évoquant la traque d’un vieil assassin en fruite dans la steppe portugaise, jouisseur anarchiste rêvant de putes et de perdrix. Le  brigand deviendra un héros pour la population locale après avoir réussi à échapper aux gendarmes pendant quarante jours en se télé-transportant.

Dans le troisième, Les maîtres de Dixie, le cinéaste explore la triste vie des habitants d’une tour dans une cité populaire minée par le chômage, la drogue, le suicide. Les événements sont vus par le truchement du petit chien blanc Dixie qui se déplace d’un appartement à un autre, d’un maître à un autre,  du plus âgé au plus jeune, comme pour assurer une sorte de transmission.

Entre les deux, le conte à notre avis le plus intéressant, le plus émouvant et le plus édifiant, Les larmes de la juge. Il consiste en un procès en plein air dans un théâtre antique, auquel participent les spectateurs dont plusieurs se lèvent tour à tour pour confesser leurs petits ou grands méfaits dans différentes langues, y compris celle des signes Crimes ou délits, ils sont en majorité justifiés par le manque d’argent, la pauvreté crasse, une misère insondable qui fait pleurer la juge (photo), qui écoute et comprend tout, au lieu de prononcer son verdict.  

Un film fourmillant de créativité et d’inventivité, mais sombre, déprimant, accablant, désenchanté, bien que teinté de magie et de fantaisie. Sinon d’humour dont on dit qu’il est la politesse du désespoir. On rit toutefois fort peu.

Film à l'affiche aux Cinémas du Grütli dès mercredi 30 septembre.

 

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Grand écran: dans "Le bouton de nacre", le Chilien Patricio Guzman continue à raconter l'histoire de son pays

le-bouton-de-nacre-nl[1].jpgDeux mystérieux boutons de nacre découverts au fond du Pacifique, au large des côtes chiliennes. C’est le point de départ d’un saisissant documentaire construit comme une fiction qui a valu à son auteur Patricio Guzman l’Ours d’argent du scénario au dernier Festival de Berlin.

Au début, il s'apparente à une leçon de choses sur l’espace, les éléments naturels  les volcans, les rochers, les glaciers, le tout accompagné d’images sublimes.

Mais il sert à nouveau de prétexte au  réalisateur chilien, obsédé comme dans tous ses autres films par le coup d’Etat meurtrier du général Augusto Pinochet en 1973, de continuer à raconter l’histoire de son pays, d’en questionner la mémoire et de déterrer des cadavres.

Avec le magnifique Nostalgie de la lumière, Patricio Guzmán, nous emmenait dans le désert d’Atacama, tout au nord de Chili. Dans Le bouton de nacre il se concentre sur l’extrême sud, la Patagonie, plus vaste archipel du monde.

Evoquant à la fois des souvenirs personnels telle la disparition d’un ami emporté par les vagues et les origines de l’humanité, partant du singulier pour atteindre l’universel, il nous laisse entendre  les témoignages simples et émouvants des quelques rares descendants des tribus indiennes nomades porteuses d’un savoir disparu, mais également la parole des premiers navigateurs anglais et des prisonniers politiques

Là ce n’est plus le désert mais l’eau qui lui sert de fil conducteur. L’eau qui vient du cosmos, symbole de vie, celle qui a façonné les hommes, mais aussi celle de l’océan, recouvrant la réalité macabre des exactions des militaires qui en ont fait un cimetière pour tenter d’effacer leurs crimes. 

C’était sans compter sur ce bouton de nacre révélateur. L’un de ceux appartenant aux victimes du régime Pinochet, larguées dans la mer lestées d’un morceau de rail de chemin de fer de 30 kilos ficelé autour du corps, pour les faire disparaître.

Des années plus tard, une expédition a été lancée et la trace d’un rail ramené à la surface, un bouton de chemise accroché au métal. Minuscule symbole de ce que l’océan compte de cadavres torturés des opposants à la dictature.

Film à l’affiche aux Cinémas du Grütli, dès mercredi 30 septembre.

 

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29/09/2015

Grand écran: Lionel Baier et la mort, le droit d'en sourire dans "La vanité"

la-vanite[1].jpgDavid Miller est un homme froid, hautain. Architecte à la retraite atteint d'un cancer, il a décidé d'en finir et prend une chambre dans un motel aussi isolé que décrépit. Esperanza, exubérante accompagnatrice espagnole d'une association d'aide au suicide le rejoint avec les substances létales.

Son fils ayant déclaré forfait, David convainc Tréplev, prostitué russe de la chambre mitoyenne, d'être le témoin de son dernier souffle. Une nuit mouvementée attend le trio disparate, avec les retournements d'une situation vitrant à l'absurde, rien ne se passant comme prévu.
 
Pour La vanité, comédie noire audacieuse en forme de méditation ironique sur la vie et la mort, Lionel Baier s'inspire d'une histoire vraie et d'un reportage télévisé sur le suicide assisté. "Je suis allé voir des accompagnatrices et des médecins pour connaître les procédures. A cet égard tout est juste, même si ensuite, je me suis autorisé quelques libertés", remarque Lionel Baer.

Mais l'idée était justement de faire un pas de côté, la thématique ayant été bien traitée par Fernand Melgar ou Stéphane Brizé. "Ici, l'euthanasie est prétexte à la recomposition d'un groupe à travers le destin d'un homme qui, croyant ne plus avoir de curiosité, découvre finalement qu'il lui reste de la curiosité du goût pour les autres".
 
"N’est drôle que ce qui est grave"

Au mur de la chambre du motel, reconstitution fidèle d'un bâtiment existant, est accrochée une reproduction des Ambassadeurs d'Holbein le Jeune, symbolique des "Vanités", ces œuvres d'art nous rappelant que nous sommes mortels. Mais le terme, qui donne son titre au film, recouvre aussi la vacuité, la prétention. Pour Lionel Baier, il y a une sorte de vanité à vouloir tout contrôler. "En même temps, je refuse d'être moralisant". 
 
Sans prendre une position claire sur le problème du suicide assisté, mais forçant le spectateur à se poser plein de questions, le réaiisateur joue ainsi sa petite musique, abordant un sujet tragique et complexe d'une façon légère, comique, ironique, un rien cynique. "C'est normal. N'est drôle que ce qui est grave, comme le prouvent les grandes comédies. L'humour est une soupape de sécurité et en l'occurrence me permet cette réflexion décalée sur la mort. Il faut la désirer très fort pour aimer la vie, pour qu’elle ait du relief".
 
Le personnage principal de ce huis-clos à la mise en scène impeccable, tourné en studio principalement par goût de l'artifice, c'est Patrick Lapp. Un comédien plus habitué des scènes et de la radio romandes que du grand écran. Lionel Baier lui a fait du sur mesure en lui laissant enfiler le costume d'un être suffisant, égoïste, désabusé.

«J'ai pris beaucoup de plaisir à tourner Les Grandes Ondes avec lui et j'ai eu envie de le retrouver. Le film a été écrit pour lui». Lapp donne la réplique à la grande Carmen Maura (photo), tout d’abord hésitante à accepter le rôle, mais très vite incapable de résister au charme de Lionel Baier, ainsi qu’à Ivan Georgiev. Excellents, tous les trois se révèlent aussi justes que naturels.

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 30 septembre.

 

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23/09/2015

Grand écran: "Everest", un combat acharné pour la survie provoquant peu d'émotion

 

Everest-Film-450x300[1].jpgInspiré d'une tentative tragique d'ascension en 1996 où huit alpinistes avaient péri, Everest signé de Baltasar Kormakur, suit une expédition aux prises avec de redoutables tempêtes de neige. Des obstacles toujours plus difficiles à surmonter mettent le courage des grimpeurs à rude épreuve.

Comme la patience du spectateur forcé de visiter le camp de base et de faire longuement connaissance avec les participants à l'aventure, du Texan plus ou moins dépressif au facteur timide en passant par la Japonaise qui déjà gravi six 8000 ou plus. Le tout en alternance avec les images des proches rongés par l’inquiétude pour l’aspect mélo de l’affaire.

Au bout d’une heure, on pénètre enfin an le vif du sujet: l’escalade du sommet mythique, le plus haut du monde du monde, rêve d’une existence qui se mue en combat acharné, surhumain pour la survie. Plus particulièrement au retour de l’ascension, avec un groupe éclaté, durement soumis aux éléments déchaînés, au froid paralysant, au manque d’oxygène.

Tout cela est mis en scène de façon assez efficace et spectaculaire. Pourtant, à part des paysages grandiose, c’est la moindre des choses et quelques scènes éprouvantes pour les sujets au vertige, ce film se voulant extrême, mais laissant une impression de déjà vu en dépit des moyens déployés, manque curieusement d'action, de suspense, d'émotion. Jake Gyllenhaal, en guide à la fois zen et téméraire, ne suffit pas à nous en donner.

l-epreuve-tome-1-le-labyrinthe-531331[1].jpgLe labyrinthe 2

Après avoir trouvé la sortie du Labyrinthe, Thomas et les autres survivants découvrent un monde ravagé, plein d'obstacles terrifiants. La terre est dépeuplée et brûlée par un climat infernal, ll n’y a plus d’ordre, plus de gouvernement. Juste des hordes de gens infectés en proie à une folie meurtrière, errant dans les villes en ruines.

Thomas et ses amis doivent affronter la deuxième dangereuse épreuve élaborée par la redoutable organisation WICKED à laquelle, refusant de servir de cobayes, ils ont faussé compagnie.

Ce deuxième volet, réalisé comme le premier par Wes Ball se révèle peu décoiffant. Mais, nonobstant une presse américaine défavorable, il a réussi sans surprise son entrée dans les salles nord-américaines. Cartonnant pour son premier week-end, il se retrouve en tête du box-office.

Films à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 23 septembre.

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Grand écran: "Les deux amis", marivaudage parisien signé Louis Garrel

les-deux-amis-de-louis-garrel,M223393[1].jpgLouis Garrel tente de mettre de l’originalité dans une énième version du triangle amoureux, s’attachant surtout à montrer la rupture nécessaire et quasi conjugale entre Clément, calamiteux figurant de cinéma et Abel, prétentieux écrivain en mal d’inspiration. Potes inséparables jusqu’ici, ils se disputent les faveurs de Mona, modeste et mystérieuse vendeuse de sandwiches à la Gare du Nord.

Pour son premier long-métrage au scénario co-écrit avec Christophe Honoré, Louis Garrel qui s’est approprié le rôle d’Abel, propose une variation sur le thème de son court La règle de trois. Il retrouve par ailleurs les mêmes protagonistes, son grand ami comédien et metteur en scène Vincent Macaigne (Clément) et son ex-compagne la superbe actrice franco-iranienne Golfshifteh Faharani (Mona).

La jeune femme est en liberté surveillée C’est son secret. Il est connu des spectateurs, mais non du maladroit, neurasthénique, peu séduisant, envahissant Clément et du beau ténébreux, égoïste, nonchalant Abel, tombés l’un après l’autre sous le charme de la séduisante créature.

Ils s’efforcent donc de découvrir pourquoi, dès son job terminé, elle doit impérativement prendre le train pour Compiègne. Un soir, les deux trentenaires irresponsables l’en empêchent. Un prétexte pour ces adolescents attardés exaspérants d’immaturité, de déambuler à Paris à la conquête de Mona et de mettre parallèlement fin à leur amitié pour avoir enfin une relation normale avec une femme. 

Clins d’œil à Musset et à la Nouvelle pour ce marivaudage parisien en forme de comédie potache brouillonne, bavarde, superficielle, en laquelle certains veulent voir un nouveau Jules et Jim, C’est vraiment lui faire beaucoup d’honneur.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 23 septembre.

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Grand écran: "Mustang", un film turc plein de fougue et de sensualité

les-actrices-du-film-mustang-posent-au-festival-de-cannes-le-19-mai-2015_5356673[1].jpg

L’année scolaire se termine dans ce village turc reculé. L’occasion de faire les folles pour Lale et ses quatre sœurs. Surexcitées, magnifiques avec leurs longs cheveux brillants, leur corps parfait sous de sages  tenues d'écolières, elles se précipitent à la plage, chahutant et rigolant. Rejointes par quelques garçons, elles grimpent sur leurs épaules et jouent dans la mer à grand renfort de cris et de gloussements, avant de rentrer chez elles.

Mais la rumeur a fait son œuvre et c’est la douche froide pour les cinq orphelines, élevées jusqu’ici par leur grand-mère. Outrée par leur comportement «impudique», elle les accuse d’avoir «frotté leur sexe» contre la nuque des adolescents. Pour elle ce ne sont que des traînées. Leur oncle décide alors de les séquestrer dans la maison familiale transformée en prison et de les remettre au pas à coups de trique. 

Retour brutal à l’obscurantisme. Terminés les cours et les sorties. Les jeans, les jupe courtes, les shorts et les petits hauts sont remplacés par des robes informes «couleur caca», comme dit la benjamine de la bande, petite peste rebelle de 12 ans au tempérament explosif.

Elle organise la résistance contre les traditions et le futur désespérant qu’on leur prépare entre couture, cuisine et apprentissage des bonnes moeurs. De quoi devenir de bonnes femmes d’intérieur au service de maris de bonne famille qu’elles n’ont évidemment pas choisis après contrôle de leur virginité.

Mais enfreindre les règles, fuguer pour assister à un match de foot, faire l’amour avec un inconnu dans un parking ne suffira pas à changer le nouvel ordre décrété par l’oncle et la grand-mère inflexibles. L’une après l‘autre, les filles contraintes quittent la maison, plongeant à  chaque fois celles qui restent dans le désespoir. Avant de reprendre le dessus.

Humour, énergie, sensibilité    

Premier film de la franco-turque Deniz Gamze Ergüven, 37  ans,  Mustang, titre emblématique, a été présenté à la dernière Quinzaine cannoise des réalisateurs. Il aurait aussi bien pu figurer en compétition, où il aurait contribué à relever le niveau. Car la réalisatrice a une façon passionnante, inventive et créative de mettre en scène la condition des jeunes filles et des femmes dans une Turque loin d’Istanbul, à laquelle ses protagonistes veulent échapper. 

Tout en présentant ces filles comme les victimes d’un système archaïque, elle n’en livre pas moins un film plein de sensualité, de sensibilité et d’humour, rendant hommage à leur énergie, leur vitalité, leur fougue et leur immense désir de liberté. On lui fera le petit reproche d’avoir choisi des héroïnes un peu trop belles et peut-être un peu trop délurées pour la région, avant de les voir enfermées derrière des grilles et des murs toujours plus hauts. Mais voilà qui ne l'empêchera pas, décision a priori insolite, de représenter la France aux Oscars 2016.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 23 septembre.   

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22/09/2015

Grand écran: "Marguerite" avec Catherine Frot, pathétique et magnifique

648x415_catherine-frot-role-marguerite-inspiree-cantatrice-florence-foster-jenkins[1].jpgElle assassine Mozart mais ne s’en rend pas compte. Depuis des années Marguerite Dumont, baronne passionnée de musique, casse les oreilles du cercle d’habitués qui squatte son château et devant lequel elle donne régulièrement des récitals.

Mais personne ne lui dit rien. Chacun feint l’éblouissement, tout en retenant à grand-peine rires et railleries face à cette voix horrible, pour entretenir les illusions de la maîtresse de maison. Et pour cause, tous profitent de ses largesses financières, à l’image d’une bande de jeunes journalistes moqueurs.

De son côté son mari torturé, infidèle mais aimant, prétend avoir des accidents de voiture pour éviter de l’entendre, tandis que son majordome plein de compassion lui fait envoyer des brassées de fleurs de la part de prétendus fans. Les choses se compliquent pourtant lorsqu’elle décide de chanter devant un vrai public sur une grande scène. Où vont la pousser ses admirateurs opportunistes.

Le réalisateur français Xavier Giannoli, à qui l‘on doit notamment A l’origine et Quand j’étais chanteur, s’inspire de la vie de la richissime Américaine Florence Foster Jenkins, une soprano culte à la voix fausse qui, grâce à son argent, se produisait et enregistrait des albums au début du XXe siècle.

Dans le Paris des années 20

L’auteur un rien moraliste a transposé, dans le Paris des années 20, sa version ambitieuse où il mêle bons sentiments et cruauté, assortis à une volonté de faire réfléchir sur l’art, l’avant-gardisme, les faux semblants, les mensonges. Posant plus de questions qu’il ne donne de réponses sur la folle obstination de la cantatrice et l’obséquiosité de ses courtisans que cet aveuglement finira cependant par toucher.

Mais au-delà du récit, de la reconstitution d’époque, des costumes et des décors, l’essentiel repose sur Catherine Frot, qui s’est éloignée trois ans du grand écran pour se consacrer à Marguerite, cette châtelaine aspirant pathétiquement à la célébrité.

Tour à tour excessive, excentrique, ridicule, nulle, émouvante, généreuse, drôle malgré elle, la comédienne réussit magnifiquement son retour dans cette comédie tragique, qui est aussi une histoire d’amour. Les mélomanes purs et durs auraient toutefois intérêt à se munir de boules quiès pour ne pas défaillir lors des atroces envolées lyriques de la Castafiore….

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 23 septembre.

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20/09/2015

Grand écran: le réalisateur Yves Angelo traque la vérité dans "Au plus près du soleil". Interview

 

162731-une-angelo-jpg_64027[1].jpgLe réalisateur français Yves Angelo a choisi le milieu judiciaire pour son dernier film Au plus près du soleil. Juge d'instruction mariée à un avocat, Sophie harcèle Juliette, une jeune femme qu'elle vient d'auditionner pour abus de faiblesse sur son vieil amant, en découvrant qu’elle est la mère biologique de l'enfant qu'elle a adopté.

Décidée à l'éloigner des siens, Sophie lui cache la vérité, refusant de suivre les conseils de son mari qui rencontre alors secrètement Juliette. Entre non-dits, mensonges, dissimulation, impossibilité de communiquer, d’affronter la réalité, l'affaire ne peut que mal tourner. Avec Grégory Gadebois, Sylvie Testud et la révélation Mathilde Bisson.

De passage à Genève, Yves Angelo aussi et surtout connu comme directeur de la photographie pour Nocturne indien, Tous les matins du monde et Germnal (trois Cééars) en dit plus sur ce film dont je vous ai déjà parlé dans ma critique du mercredi 16 septembre.

Tout est parti d’une proposition du producteur Gilles Legrand que vous avez refusée. De quoi s’agissait-il?

D’adapter un livre sur un enfant adopté. Un sujet que je ne maîtrisais pas. Mais Legrand a insisté et finalement je me suis lancé dans un scénario qui me plaisait davantage, en compagnie de François Dupeyron.

L’histoire parle pourtant quand même de l’adoption.

Certes, mais à travers cette problématique, celle qui m’intéressait avant tout c’était la vérité. Sur soi-même, sur les autres, sur la connaissance ou l’ignorance d’autrui. Et partant de là, le mensonge, évidemment. La notion de mensonge s’inscrit dans le quotidien. Tout le monde ment tout le temps. En l’occurrence les parents s’octroient le droit de mentir, estimant que c’est pour le bien de cette famille au sein de laquelle j’ai amené le désordre.

Pourquoi placer l’action en milieu judiciaire ?

Parce que c’est là que la vérité doit en principe sortir. En même temps, en faisant se confronter deux personnages au sein d’une thématique enchevêtrée, contradictoire, je crée un suspense, une tension de l’ordre du polar.

François Dupeyron a coécrit le scénario. Comment s’est passé ce quatre mains.

Très bien. Je connais François pour avoir fait six films avec lui comme chef opérateur. Vous savez, au bout d’un certain temps on a tendance à se répéter. Là on s’est demandé comment proposer autre chose. Nous avons partagé beaucoup de réflexions ensemble.

090923.jpg-rx_640_256-b_1_D6D6D6-f_jpg-q_x-xxyxx[1].jpgVous avez une façon de filmer particulière. Au plus près des corps, des viages.

C’est vrai. J’ai voulu instaurer un contrepoint à la thématique. Le cinéma est un mensonge, une manipulation préalablement à la pensée. Aussi me suis-je dit que cette fois je n’allais rien penser, mais filmer en laissant l’intuition me guider. Et c’est plus facile caméra à l’épaule, spécialement pour les gros plans. Les possibilités sont plus grandes quand on est proche, le rapport à l’acteur est différent.

Puisque vous en parlez, deux mots sur le choix des comédiens.

Je connais Grégory Gadebois depuis le Conservatoire. Il avait tourné pour moi un petit rôle dans Les âmes grises, le principal dans Mon âme par toi guérie ainsi que sur Arte Des fleurs pour Algemon, l’adaptation de la pièce qui lui avait valu un Molière. Et je trouvais notamment  intéressant d’opposer sa masse à la minceur de Sylvie Testud. Quant à Mathilde Bisson, elle a passé un casting. J’ai hésité à cause de son physique, mais son talent d’actrice l’a emporté sur d’autres candidates qui me semblaient a priori mieux convenir.

Fiim à l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 16 septembre.

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