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Sorties de la Semaine - Page 16

  • Grand écran: "Wonder Wheel", plongée nostalgique de Woody Allen dans les années 50

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    kate-winslet-in-wonder-wheel-di-woody-allen-prima-foto-news.jpgAlors que Woody Allen est en pleine tourmente avec les accusations réitérées d’abus sexuel de Dylan Farrow, sa fille adoptive (le cinéaste n’a cessé de démentir), sort Wonder Wheel, son 47e long-métrage. Une comédie pimentée de noir qui nous ramène à la célèbre plage new-yorkaise de Coney Island, où se déroulait la scène d’ouverture d’Annie Hall il y a 40 ans.

    Pour cette nouvelle plongée nostalgique dans les années 50 en hommage à Big Apple, l’auteur met en scène quatre personnages fuyant la réalité dans l’agitation et le bruit du parc d’attraction. Ginny, la quarantaine n'a pas renoncé à ses rêves d’actrice. Mais pour l'heure elle est serveuse dans un "diner" et vit avec Humpty, un opérateur de manège peu gâté par la nature qu’elle n’aime pas.

    Elle entame une liaison avec Mickey, un jeune et séduisant maître-nageur, poète et aspirant à devenir dramaturge. Débarque alors Carolina, la charmante fille de Humpty, qui ne voulait plus entendre parler de son père, mais qui se réfugie soudain chez lui pour fuir des gangsters lancés à ses trousses. La fin de l'illusion pour Ginny... 

    "Une métaphore de la vie"

    Avec sa mise en scène théâtrale, même très assumée, Wonder Wheel n’est pas le meilleur film de Woody Allen. Il a tendance à ronronner et, à l’image du titre de son film (en français La grande roue), tourne un peu en rond. Même si pour lui, ce mouvement reflète plutôt l’enfermement de ses personnages dans une sorte de boucle comportementale qui se répète indéfiniment. "C’est une métaphore de la vie. Passion, jalousie, haine, solitude, frustration, trahison, rien n’a changé depuis 5000 ans et ce sera pareil dans 5000 ans…", dit-il en substance au gré de ses interviews. 

    A son habitude donc, il mêle tous ces sentiments dans une relation à trois compliquée, source de tension et de conflits. Pourtant, en dépit de son manque de renouvellement, on suit avec plaisir les péripéties fofolles très alléniennes de ses héros dans une intrigue qui ne l’est pas moins. Et surtout, on est séduit par la reconstitution par infographie du lieu, l’image aux couleurs éclatantes, intenses, changeantes, absolument magnifiques. On les doit au chef opérateur Vittotio Storao, qui collabore pour la deuxième fois avec le maestro après Café Society.

    Bouleversante Kate Winslet

    Autre motif d’aimer le film, son interprétation. A commencer par Kate Winslet pour laquelle Woody Allen a écrit le rôle et qu'il dirige pour la première fois. Elle est parfaite en quadra émouvante, jalouse, complexe, perturbée, vulnérable, angoissée, en pleine confusion. Pathétique et frustrée aussi, à l’image de Jim Belushi, ancré dans son quotidien sordide. De son côté l'inattendu Justin Timberlake, looké star de l’époque, se révèle très crédible en maître-nageur tombeur des filles sur la plage. Tout comme la ravissante et sexy Juno Temple, qui fait merveille en jolie fille du coin issue d’un milieu modeste.

    Un mot encore sur A Rainy Day In New York, le successeur de Wonder Wheel achevé il y a quelques mois. En raison du scandale dans lequel Woody Allen est englué, Amazon, qui le produit, pourrait annuler sa sortie en salles aux Etats-Unis, ou la minimiser en se contentant de le rendre visible uniquement en VOD. Par ailleurs le réalisateur a été lâché par ses acteurs. Rebecca Hall et Timothée Chalamet regrettent même d’avoir travaillé avec lui au point de reverser leur cachet au mouvement Time Up.

    Wonder Wheel à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 31 janvier.

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  • Grand écran: "Sparring" avec Mathieu Kassovitz dans la peau d'un tâcheron du ring

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    maxresdefault.jpgLa boxe n’a cessé d’inspirer les cinéastes et on serait tenté de dire que n’est pas Martin Scorsese (Raging Bull) ou Clint Eastwood (Million Dollar Baby) qui veut. Mais en réalité là n’est pas le sujet. L’intention du comédien français Samuel Jouy n’est à l'évidence  pas de se mesurer aux tout grands pour son premier passage derrière la caméra. Loin de la saga prestigieuse, il joue sa propre partition avec modestie.

    Il ne réinvente donc pas le genre dans Sparring, où il raconte l’histoire de Steve Landry (Mathieu Kassovitz). A 45 ans, il a perdu plus de combats qu’il n’en a gagnés, Avant de raccrocher définitivement les gants, il se voit offrir une dernière occasion de briller auprès de sa femme et de ses enfants, plus particulièrement de sa fille Aurore qui lui voue une admiration sans borne.

    Elle représente également tout pour lui et, comme elle a l’air de se débrouiller au piano, sa passion, il veut lui en acheter un. C’est cher, mais quand on aime on ne compte pas. Pour le payer, il accepte de devenir le sparring partner de la vedette Tarek M’Bareck (interprété par l’ancien champion du monde des super-légers Souleymane M’Baye). Autrement dit, Steve, tâcheron du ring, boxeur de l’ombre comme il y en a tant, est engagé pour se faire copieusement casser la gueule.

    Pourtant s’il déguste, il est dur au mal en dépit des marques laissées par ce sport violent dit noble art, comme en témoignent son visage amoché et son corps fatigué. Sans oublier les humiliations publiques, les souffrances autant psychologiques que physiques inhérentes à sa fonction de sac à frappes humain, souvent plus dangereuse qu’un vrai combat. Mais pour lui, l’essentiel est de tenir pour apporter ce qu’il peut de mieux aux siens.

    Dès lors, plus que le portrait d’un sans-grade martyrisé et condamné à perdre dont il nous montre certes le quotidien, les entraînements, la solitude, les coulisses de son univers particulier, Samuel Jouy dresse celui d’un homme aimant, tendre, blagueur. Parallèlement à la redoutable brutalité des pugilats, il évoque des instants intimistes, la relation privilégiée père-fille, des scènes familiales joyeuses entre repas à la cuisine et courses au supermarché, où Steve triche avec la balance en pesant les fruits et légumes.

    En forme pour ses cinquante ans, Mathieu Kassovitz qui s’est longuement entraîné et a pris de vrais coups, se révèle convaincant dans le costume de ce boxeur humble, tendu, plus ou moins dans les cordes, mais tenace, encore coriace. Un personnage aussi fier que cabossé auquel le comédien au regard triste donne une certaine grandeur. A ses côtés on découvre la touchante Billie Blain dans le rôle de sa fille et la chanteuse Olivia Merilahti du groupe The Do dans celui de sa femme. Toutes deux font leurs premiers pas sur grand écran.

    A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 31 janvier.

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  • Grand écran:"The Post", plaidoyer captivant pour la liberté de la presse. Avec Meryl Streep et Tom Hanks

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    pentagon-papers-photo-steven-spielberg-1005784.jpgLes films sur le combat des journalistes américains pour la liberté de la presse sont passionnants, sinon fascinants. A l’image évidemment de Les hommes du président, référence en la matière, mais également, beaucoup plus récemment de Spotlight, de Tom McCarty qui a révélé un scandale sans précédent au sein de l’Eglise Catholique.

    The Post (en français Pentagon Papers) 31e métrage de Steven Spielberg sur un scénario de Liz Hannah et de Josh Singer, se révèle lui aussi captivant en dénonçant la culture du mensonge à la Maison Blanche. Un plaidoyer politique et féministe sur un idéal de transparence plus que bienvenu à la redoutable ère Trump, à l’heure des médias écrits en crise, de la désinformation et des fake news.

    Ce long métrage historique, qui réunit pour la première fois à l’écran Tom Hanks et Meryl Streep revient sur la publication des Pentagon Papers, rapport de quelque 7000 pages sur l’implication des Etats-Unis au Vietnam de 1945 à 1971, contrastant outrageusement avec la version officielle.

    Daniel Ellsberg (Matthew Rhys), employé par une firme de recherche, la Rand Corporation, a participé à cette vaste étude gouvernementale et ne supporte plus d’entendre Robert McNamara, secrétaire à la Défense de Kennedy et Johnson, mentir aux media en assurant que la guerre peut être gagnée.

    Lanceur d’alerte de l’époque, Ellsberg photocopie l’étude et en donne des extraits au journaliste Neil Sheehan du New York Times, qui publie l’histoire en Une. Le gouvernement Nixon entre en scène et un juge fédéral interdit au Times de poursuivre sur sa lancée. Le Washington Post, quotidien local qui rêve de devenir national, prend alors le relais à ses risques et périls.

    Toute l’histoire est racontée du point de vue de Katharine Graham (Meryl Streep) qui s’est retrouvée à la tête du Post après le suicide de son mari, et de celui de son rédacteur en chef Ben Bradlee (Tom Hanks). Ce dernier ne cesse de pousser Katharine à publier de nouveaux éléments des fameux Papers, au mépris de leur carrière et de leur liberté. Bien qu’amie avec McNamara, elle finira par décider de dévoiler ce monumental scandale d’Etat concernant les manœuvres de quatre présidents pour cacher la vérité au public.

    Meryl Streep e Bruce Greenwood The Post.jpgParallèlement à ce grand film militant pour le journalisme d’investigation et l’importance cruciale de son indépendance qui emprunte les codes du thriller, Spielberg évoque la place des femmes dans la société. En brossant le portrait de l’une d’elles dont il fait l’éloge. Victime du machisme ambiant et surtout pour être devenue la première directrice d’un grand journal, une entreprise familiale, par défaut, Katharine Graham va pourtant affirmer son pouvoir.

    Aux côtés de Tom Hanks un rien excessif dans le rôle du rédacteur en chef passionné, exigeant sinon insupportable avec ses subordonnés, intraitable avec le pouvoir et les financiers, Meryl Streep exagère également un poil dans l’extrême douceur pour arriver à ses fins. Boss atypique, montrant une courtoisie mêlée de fermeté, d’hésitations, de doutes inhérents à sa condition de femme lâchée dans un monde d’hommes, elle fera preuve d’une soudaine intrépidité pour affronter et dénoncer l’establishment dont elle fait partie.

    Impeccables en revanche la facture classique et la reconstitution des années 70, dont notamment des immersions dans la réalité d’une immense salle de rédaction d'alors où on chasse le scoop, on court contre la montre, sans oublier les machines à écrire crépitantes, les téléphones à cadran rotatif, les linotypes crachant du plomb, les typographes assemblant les lettres ou encore les grosses presses à imprimer le journal durant la nuit et sa sortie au petit matin. A ne pas manquer pour les amateurs du genre… et tous les autres.

    A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 24 janvier.

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  • Grand écran: "God's Own Country", passion gay dans une ferme du Yorkshire

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    Gods-Own-Country-1200x600-c-default.jpgPrix de la mise en scène à Sundance, le premier long métrage du Britannique Francis Lee met en scène Johnny, un jeune fermier gay du Yorkshire, mal dans sa peau, aigri, colérique et introverti. Remplaçant son père malade, il n’a pas de vie sociale et doit consacrer tout son temps à l’exploitation de la ferme familiale, perdue sur une terre aride. Il tente d’oublier ses frustrations dans l’alcool et de brefs accouplements occasionnels avec des inconnus, jusqu’au jour où débarque Gheorghe, un migrant roumain engagé pour l’aider.

    Si ce conte romantico-réaliste évoque la difficulté à s’assumer dans ce milieu de petits paysans anglais dont le réalisateur s’emploie par ailleurs à décrire le quotidien, le vrai sujet réside dans l’empêchement, pour Johnny, de s’attacher à ceux qui l’attirent. C’est ce qui change avec Gheorghe, beau comme un dieu, pour qui il éprouvera des émotions jamais ressenties, après avoir affiché un certain mépris à son égard.

    Une relation intense va alors naître entre eux, contrastant avec les baises brutales dans des lieux sordides. Avec la complicité des deux excellents comédiens Josh O’Connor et Alec Secareanu (photo), Francis Lee raconte ainsi l’apprentissage d’une autre virilité, la découverte des sentiments, de l’amour, de la tendresse, de la douceur. Tout en dépeignant des ébats passionnés sans fard, mais sans complaisance.

    "Tomber amoureux a été la chose la plus difficile"

    Garçon doux à la longue barbe, le cinéaste, 47 ans, habitant une maison isolée dans la lande, sans internet, est né comme son héros dans une ferme qu’il a quittée à vingt ans pour étudier l’art dramatique. Devenu acteur, il sent que ce n’est pas sa voie. Il a envie d’écrire ses propres histoires et de passer derrière la caméra. Il tourne deux courts métrages avant de s’attaquer, il y a six ans, à God’s Own Country (Seule la terre).

    "Il s’agit d’un film très personnel, mais pas autobiographique", nous dit-il lors d’une rencontre à Genève, où il précise ses intentions. "Que Johnny soit gay ou non n’est pas important. Mon but n’était pas de faire un film sur un coming out, mais de m’intéresser aux réactions émotionnelles liées au fait d’aimer et d’être aimé. Tomber amoureux a été pour moi la chose la plus difficile, tant je craignais d’avoir le cœur brisé". 

    "Très différent de Brokeback Mountain"

    Beaucoup comparent God’s Own Country au fameux Brokeback Mountain d’Ang Lee. "Je suis flatté, c’est une oeuvre magnifique. Sauf qu’elle est complètement différente. Ce n’est pas le même monde, ni la même époque. Les deux protagonistes sont obligés de se cacher, contrairement à Johnny dont le principal problème est de s’ouvrir aux autres".

    L'opus, traitant également de migration et de racisme, connaît un gros succès des deux côtés de l’Atlantique. Mais Francis Lee, qui adore sa vie, sa famille, ses amis, n’a pas l’intention de succomber aux sirènes de Hollywood. "Je reçois beaucoup de scénarios, mais je sais que je n’aurai pas le final cut. Et je veux rester maître à bord de mon prochain film. Quitte à prendre le risque qu’il ne soit pas aussi bien reçu que le premier".

    A l'affiche sur les écrans de Suisse romande dès mercredi 24 janvier.

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  • Grand écran: dans "Downsizing", l'homme rapetisse pour sauver la planète

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    downsizing.jpgLa surpopulation inspire les cinéastes ces temps. Après Seven Sisters de Tommy Wirkola sorti en août dernier, Alexander Payne a enfin accouché d’un projet vieux de dix ans sur le thème. Pour lutter contre ce fléau menaçant la planète, des scientifiques scandinaves ont trouvé la solution miracle, en mettant au point un processus révolutionnaire, le downsizing, permettant de réduire les humains à une taille d’environ 12 centimètres. 

    Rétrécir n’est pas seulement bénéfique pour notre bonne vieille Terre qui étouffe sous le nombre de ses habitants. Cela leur permet également d’augmenter considérablement leur niveau de vie et leurs revenus, étant donné la petitesse extrême des objets et des choses du quotidien, de la rose à la villa, en passant par le pétard et la bouteille de vodka...  

    L’idée séduit Paul (Matt Damon) et Audrey (Kristen Wiig) Safranek, un couple de quadras du Nebraska connaissant quelques problèmes financiers. Ils décident donc de partir pour Leisureland et de se lancer dans cette expérience irréversible. Sauf qu’au dernier moment, Madame renonce. On suivra donc Monsieur dans sa nouvelle vie, après avoir été ramassé à la pelle à la sortie du four à micro-ondes avec la nouvelle fournée de mini nains.

    Entre science-fiction et satire sociale

    Avec son scénario original, le septième long métrage d’Alexander Payne, oscillant entre science-fiction et satire sociale, s’annonçait des plus prometteurs en proposant une réflexion et un questionnement philosophico-politico-existentiels sur l’environnement, l’écologie, la surconsommation, la préservation et le devenir de l’humanité.

    Contrat rempli dans une première partie très réussie, où on visite un nouveau monde avec des hommes à l’échelle d’un crayon, avant de suivre par le menu les diverses interventions médicales en vue de leur rapetissement volontaire.

    Malheureusement l’auteur dérape, transformant trop rapidement cette fascinante aventure en une banale et bien trop longue comédie romantique. Un sentimentalisme niais qu’il privilégie dès lors à l’ironie et à la causticité de son passoinnant propos initial. Tentant vainement de se racheter à la fin en radotant notamment sur la trace que l’homme laissera dans l’Histoire.

    Dommage quand même de gâcher un aussi bon sujet. D’autant que les comédiens tiennent la route, à l’image de Matt Damon dans le rôle du banlieusard paumé et idéaliste. On adore par ailleurs Christophe Waltz, ici dans la peau de Dusan, un richissime lilliputien débarqué des Balkans, fanfaron, festif, charmeur et consumériste à outrance dans cet univers méga réduit qui lui a permis d’amasser des milliards.

    A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 10 janvier.

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  • Grand écran: "The Death And Live Of Otto Bloom", une étonnante réflexion sur le temps

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    otto-review-shot.jpgSurgi de nulle part, Otto Bloom est un drôle de phénomène, né le jour de sa mort et décédé le jour de sa naissance! Du coup, il ne se souvient que du futur et n’a aucune mémoire du passé. Mais qui est donc cet homme extraordinaire, forcé de vivre à l’envers? Un visionnaire ou un imposteur? Un fou ou un génie  Un charlatan ou un messie?

    Toujours est-il que ce personnage d’exception dont les travaux artistiques révolutionnaires sont exposés au Musée d’art moderne de New York devient une star planétaire, la coqueluche du monde scientifique, une icône de la culture pop.

    A partir de cette trame fantastique, le jeune réalisateur australien Cris Jones propose, dans son premier et malheureusement dernier long-métrage (il est subitement décédé le 12 septembre 2017 alors qu’il travaillait sur le deuxième ), une singulière réflexion sur la relativité du temps qui ne serait qu’une illusion, en confrontant son héros vivant à rebours aux pékins en principe normaux. Ce qui ne simplifie pas les relations…

    Pour cerner Otto Bloom, raconter son histoire, expliquer son parcours, ce jeu compliqué sur le temps prend la forme d’un faux documentaire biographique. Il est structuré autour d’interviews et de témoignages de cinq intervenants qui le connaissaient le mieux et l’ont fréquenté à différentes étapes de son existence. Dont celui, central, de la neurologiste Ada Fitzgerald, qui a examiné en premier Otto Bloom et qui est devenue son grand amour

    Ces différentes séquences sont illustrées par une série d’images d’archives, de gros titres et d’articles tirés de quotidiens du monde entier, se posant tous la question (mais tentant vainement d’y répondre) de la vraie personnalité de ce fascinant individu qui se rappelle demain et attend de découvrir hier.

    Du faux plus vrai que nature

    Témoignages, archives et coupures de presse sont évidemment aussi faux les uns que les autres, mais tout est tellement bien fait qu’ils paraissent plus vrais que nature pour le spectateur, à la fois complètement bluffé et désorienté par l’étonnante maîtrise du réalisateur, la minutie de sa mise en scène et la qualité de sa documentation bidon.

    Les comédiens sont aussi convaincants, à commencer par Xavier Samuel dans la peau d’Otto Bloom. Ada, quinquagénaire, nous émeut avec les souvenirs des moments heureux en compagnie de celui qui les oubliait à peine les avait-il vécus. C'et Rachel Ward qui interprète le personnage, tandis que sa propre fille Mathilda Brown l'incarne dans les images d'archives.

    A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 10 janvier.

     

     

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  • Grand écran: "Molly's Game", thriller psychologique d'après une histoire vraie. Avec Jessica Chastain

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    maxresdefault.jpgC’est une incroyable histoire vraie. Celle de Molly Bloom, entrepreneuse dans l’âme, une surdouée qui aime gagner. Comme au ski où elle intègre l’équipe américaine, avant de faire Sciences politiques à l’Université du Colorado. Puis elle débarque à Los Angeles en 2004, trouve de petits boulots et devient l’assistante d’un organisateur de parties clandestines hebdomadaires de poker.

    Elle se fait remarquer par son intelligence, son atout majeur mis en avant tout au long de l’intrigue. Raison pour laquelle, virée sans ménagement par son patron, elle décide de monter son propre cercle avec une mise d’entrée de 250 000 dollars, très vite fréquenté par des stars, des millionnaires et de grands sportifs. Le succès est immédiat et la jeune femme règne bientôt sur l'empire du jeu clandestin à Hollywood. 

    Elle organise des parties où certains peuvent perdre jusqu'à un million en une seule nuit. Pourtant, assez rapidement brouillée avec ses amis acteurs inquiets qu’elle ne les trahisse, elle recrée à New York ses parties de poker auxquelles se greffent certaines personnes liées au crime organisé. Elle est alors prise dans un engrenage infernal. Le FBI qui la surveille de près procède à une rafle et tout ce monde tombe dans ses filets. 

    Le film, adapté du best seller de Molly Boom  Le grand jeu: Les mémoires d'une reine du poker déchue est signé Aaron Sorkin. Scénariste de Des hommes d’honneur, Steve Jobs ou The Social Network, il réalise ici son premier long-métrage. Il y raconte les choses du point de vue de Molly, battante dominatrice, revancharde et sexy brillamment incarnée par Jessica Chastain, dont il brosse un portrait plutôt flatteur.

    Aaron Sorkin n’a pas dû trop  se forcer pour booster son scénario, l’histoire de sa protagoniste contenant tous les ingrédients qui font mouche, ascension, chute et rédemption sur fond de pouvoir, de sexe, d’argent, de mafia, de services secrets. On reprochera toutefois à ce thriller psychologique qui se déroule sur un rythme effréné, un côté extrêmement bavard qui nuit un peu à la fluidité du récit, tendant du coup à larguer les béotiens du poker.

    A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 3 janvier.

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  • Grand écran: "Menashé", plongée originale dans un quartier juif hassidique de New York

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    0469195.jpgAuteur américain de documentaires, Joshua Z Weinstein (heureusement pour lui sans parenté avec le tristement célèbre Harvey) opère, pour son premier long-métrage de fiction, Menashé" (Brooklyn Yiddish), qu’il a mis sept ans à réaliser, une plongée à Borough Park, quartier juif ultraorthodoxe de Brooklyn. En racontant le combat d’un père contre cette communauté cloîtrée, qui vit au rythme de la Torah.

    Le modeste et brouillon Menashé travaille dans une supérette. Après la mort de sa femme, il veut absolument récupérer la garde de son fils de 10 ans, Ruben, ce que lui interdit la tradition hassidique avant qu’il ne soit remarié. Il rechigne pourtant à s'y soumettre. Le Grand Rabbin lui permet alors de passer une semaine avec son enfant. Menashé va tenter de prouver qu’il est la meilleure personne pour l’élever.

    Le film tourné en yiddish est inspiré de l’histoire vécue du protagoniste principal Menashé Lustig, animateur de fêtes religieuses. Il joue ici impeccablement son propre rôle, à l’image des autres acteurs amateurs, dont le petit garçon. Pour la plupart, ils sont issus de cette branche très fermée du judaïsme.

    Tout en brossant le portrait d’un jeune veuf attachant mais peu gâté par la nature, bedonnant, maladroit, peinant à nouer les deux bouts, désemparé, tiraillé entre sa foi et son amour paternel, l’auteur nous laisse découvrir le quotidien, les mœurs et les rites d’un monde parallèle peu connu, singulièrement fascinant.

    Bienveillant, respectueux de son sujet qu’il traite avec une précision documentaire, observant sans juger, Joshua Z Weinstein livre ainsi une fable juive instructive sur les plans culturel et religieux. Pleine d’humanité, émouvante et originale, elle laisse aussi percer l’ironie sous l’austérité.

     A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 27 décembre.

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  • Grand écran: *Momo", tragi-comédie laborieuse avec Catherine Frot et Christian Clavier

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    momo3.jpgMonsieur et Madame Prioux, un couple de quinquas bourgeois, découvrent avec stupeur un soir en rentrant à la maison qu’un homme s’y est installé. Il s'agit d'un certain Patrick, trentenaire, censé avoir été abandonné à la naissance et déterminé à renouer les liens.

    Mais à leur connaissance, les Prioux n’ont jamais eu d’enfant. Inutile de dire qu’ils tombent des nues, d’autant que tout semble prouver que cet étrange garçon est bien leur fils. Alors Patrick serait-il mytho, où Madame Prioux en mal d’enfants’décide-t-elle de s'en inventer un? Mystère...

    Sebastien Thiéry, connu pour son goût de la provocation qui l’avait poussé à une prestation dénudée à la cérémonie des Molière en 2015, face à Fleur Pellerin alors ministre de la Culture, pour défendre le régime des intermittents, a co-réalisé la chose avec Vincent Lobelle.

    Dans ses interviews, il aime à répéter qu’il débute sur grand écran. Et malheureusement pour lui, ça se voit beaucoup dans ce film adapté de sa pièce à succès, où les comédiens d’origine Muriel Robin et François Berléand ont été remplacés par Catherine Frot et Christian Clavier.

    Lui-même joue le rôle de Patrick, un garçon qu’au départ on croit handicapé mental. En réalité il est sourd, ce qui n’empêche pas l’auteur de le comparer à une sorte de crétin inadapté social total. Dans la foulée, on ajoutera que l’intéressé veut présenter aux Prioux sa fiancée aveugle, tout aussi maltraitée dans le genre cinoque et incarnée par Pascale Arbillot.

    Si Catherine Frot donne ce qu’elle peut, on n’en dira pas autant de Christian Clavier qui, comme depuis trop de  films, fait du Clavier à  outrance. Pour résumer, Momo se voulant une tragi-comédie grinçante, acide et politiquement non correcte en surfant sur la maternité et la filiation, se révèle aussi laborieuse que lourdingue et paresseuse.

    A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 27 décembre.

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  • Grand écran: "Maria by Callas" dévoile la face cachée de l'icône planétaire

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    183565-c1-maria-callas-remastered.jpgLa diva est morte d’une crise cardiaque le 16 septembre 1977. Elle avait 53 ans. Quarante ans après sa disparition, Tom Volf, 31 ans, réalisateur, producteur, photographe de mode, auteur, acteur, lui consacre un film, Maria by Callas. De Manhattan où elle est née de parents grecs, à Paris où elle est décédée, l’homme qui ne connaissait rien de l’art lyrique et de sa prodigieuse interprète il y a quatre ans, montre aujourd’hui la femme derrière la légende

    Durant toute sa vie, celle dont la mère, lui découvrant un don pour le chant en avait fait une enfant prodige en sacrifiant son enfance, cette âme tourmentée à la personnalité double, parfois antagoniste, s’est toujours sentie incomprise et aspirait à être entendue par ses propres mots.

    Comme elle le disait elle-même, il y avait deux personnes en elle: Maria, femme passionnée, amoureuse, drôle, vulnérable, impétueuse, farouchement indépendante et La Callas, la Voix du siècle, artiste en quête d’absolu restée immortelle, icône planétaire squattant les couvertures des magazines. 

    Tom Volf a joué au détective, parcourant le monde à la rencontre des proches, amis, confidents de son héroïne,  qu’il s’agisse de célébrités, de son majordome Feruccio ou de sa femme de chambre Bruna, pour réunir ces deux facettes. Tout en se livrant à un gros travail de restauration, il donne l'occasion à la dernière des divas de se raconter pour la première fois à la première personne à travers des documents inédits.

    La célébrissime tord le cou aux clichés

    Des films Super 8 personnels, des témoignages, interviews (plus particulièrement celle réalisée en 1970 par le journaliste américain David Frost), des enregistrements live, des images d’archives exclusives ou télévisées de vie, de spectacles, composent ce film, ainsi que des lettres intimes lues par Fanny Ardant dans la version frnaçaise et par Isabelle Rossellini dans la version anglaise. La plupart sont celles envoyées à Elvira de Hidalgo, son professeur de chant rencontrée à Athènes dans ses jeunes années, et qui l’a suivie toute sa vie.

    Insistant sur les trois périodes marquantes de son existence correspondant aux décennies 50, 60 et 70, Tom Volf donne ainsi une vision nouvelle et émouvante de la célébrissime cantatrice qui se dévoile incroyablement, tordant le cou au cliché de la diva scandaleuse et capricieuse, rétablissant également la vérité sur sa relation avec Onassis, une grande histoire d’amour qui a tant fait jaser. 

    Mais surtout, entre souvenirs et confessions, le réalisateur laisse l’artiste transcendant les générations, les cultures et les styles, chanter les morceaux mythiques de son répertoire. Et là, il n’y a plus qu’à fermer les yeux et écouter cette voix sublime qui vaut toutes les images du monde.

    A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 27 décembre.

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