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14/03/2018

Grand écran: Léa Pool explore l'univers d'une Lolita québécoise dans "Et au pire on se mariera"

une-premiere-bande-annonce-pour-le-tres-attendu-film-et-au-pire-se-mariera-433503.pngAïcha, 14 ans, vit avec sa mère Isabelle à qui elle ne pardonne pas d’avoir viré le beau-père algérien qui abusait d’elle mais qu’elle adorait. Elle espère toujours qu’il reviendra la chercher, Solitaire, vivant dans un autre monde, elle cherche son identité, n’a pas d’amis, sauf deux prostitués travestis de son quartier miteux du Centre-Sud de Montréal.

Un jour, dans un parc, elle rencontre Baz, un musicien nettement plus âgé qu'elle. C'est le coup de foudre. Elle s'y attache jusqu’à l’obsession. Baz tient à aider cette gamine, mais elle veut bien plus de lui et est prête à tout pour l’obtenir. Très vite elle s’empêtre dans ses mensonges, ses fantasmes, ses affabulations qui vont conduire au drame.

Treizième long métrage de Léa Pool, Et au pire, on se mariera est une chronique intimiste qui traite des amours adolescentes, interdites et de leurs conséquences. Après La passion d’Augustine, la cinéaste d’origine vaudoise qui a choisi de vivre et de travailler au Québec il y a 25 ans, retrouve ainsi un thème qui lui est cher. Basé sur le roman monologue de Sophie Bienvenu, coauteure du scénario, le film évoque une première passion violente où le bien et le mal ne se traduisent pas simplement par le noir et le blanc, mais comportent plusieurs nuances de gris…

Une actrice totalement investie

Les comédiens constituent le principal atout. A commencer par l’excellente Sophie Nélisse (photo), qui porte l’opus sur ses épaules. Elle s’investit totalement dans le personnage d’Aïcha, qu'elle est plus qu'elle ne l'incarne.  D’autant qu’elle a vécu la situation de la jeune fille, étant elle-même amoureuse d’un garçon plus âgé.

Avec Isabelle, la mère, Léa Pool retrouve Karine Vanasse qu’elle avait engagée il y a 20 ans pour Emporte-moi, son premier film. A signaler également Jean-Simon Leduc, très convaincant dans le rôle de Baz, qui semble ne pas bien comprendre ce que cherche Aïcha.

Léa Pool, récemment rencontrée à Genève a eu l’idée d’adapter le roman de Sophie Bienvenu grâce à sa fille. « Elle l’a lu et m’a encouragée, Cela tombait bien. J’avais envie d’aller dans une structure éclatée, où je pourrais me laisser aller à une plus grande liberté créatrice. Mais surtout j’ai été bouleversée par le personnage d’Aïcha

Qu’est-ce qui vous a tellement plu chez cette Lolita québécoise?

Sa complexité, sa maturité, sa philosophie de la vie, son expression, sa façon de parler, son vocabulaire particulier. Par ailleurs, on ne sait jamais si elle ment ou dit la vérité. Je voulais aller dans son univers, sa poésie, sa solitude, rentrer dans sa tête, mettre des images sur ce quelle raconte.  

Vous aimez également parler de la cellule familiale. Aïcha a des rapports très tendus avec sa mère.

Elle lui en veut beaucoup pour avoir mis son beau-père chéri à la porte. A ma connaissance, c’est la première fois qu’un enfant montre l’absence de choc dans une relation avec un adulte. C’est toutefois une situation très délicate. Il ne faut pas oublier que c’est une petite fille qui la vit. Le roman décrit des scènes très osées et la fille a 13 ans. Mais je ne me sentais pas à l’aise avec cela et je ne suis pas allée aussi loin.

Vos films donnent en général la parole aux femmes. De tous âges.

Il y a eu une statistique sur les films primés aux Oscars à propos du temps pendant lequel elles parlent: 15%, contre 85% pour les hommes. Edifiant, non? Chez moi, c'est l'inverse. Et parce que je suis une femme, je choisis des sujets qui m’interpellent. J’ai été amoureuse de mes profs, et je suis fascinée par les liaisons interdites, les amours impossibles. Il y a là quelque chose qui exalte le sentiment.

A l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 mars.

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13/03/2018

Grand écran: "The Song Of Scorpions", une laborieuse histoire de vengeance. Avec la belle Golshifteh Faharani

the-song-of-scorpions-1.jpgEn mai 2016, la lumineuse Golshifteh Faharani subjuguait Cannes aux côtés d’Adam Driver dans Paterson de Jim Jarmush. Fantasque, farfelue, lunaire et joyeuse, elle redécorait obsessionnellement en noir et blanc tout ce qui lui tombait sous la main

Changement radical de style dans The Song Of Scorpions. La belle comédienne se glisse dans la peau de Nooran, chanteuse, guérisseuse, sage-femme et médecin dans la communauté Sindhi du Rajasthan. En l’entendant Aadam, marchand de chameaux (interprété par le célèbre Irrfan Khan, découvert dans Slumdog Millionnaire),en tombe fou amoureux. Econduit, il ourdit une terrible vengeance.

Trop long, laborieux, sans rythme, l’opus, présenté à Locarno en août dernier, est signé par le réalisateur indien Anup Singh, installé depuis une quinzaine d’années à Genève. Pour son histoire d’amour tordu sur fond de traîtrise et de rédemption, il a décidé de travailler dans le désert. Un milieu dur, sec et aride à l’image du monde, selon lui, où se cache toutefois toujours une source d’eau. Il s'applique par ailleurs à dénoncer, même maladroitement, l’extrême violence notamment sexuelle, faite aux femmes en Inde.

Nooran en est victime dans The Song Of Scorpions. "En tant que femmes nous sommes violées partout. Notre existence, le fait d'être nées dans certains pays, nous impose de ne pas pouvoir choisir", relève Golshifteh Faharani. "Le viol est une attaque horrible, affreusement humiliante. Cette scène a été pour moi un véritable défi. Mais il ne s’agit pas que de cela dans le film. Il faut continuer à repousser les limites. La vie est remplie de choses non désirées. Allons-nous nous laisser empoisonner par ces malheurs? Dans les ruines, on peut trouver un trésor. Il faut le chercher. Nooran a la rage de vivre. Elle retrouve la lumière, qui l’amène vers le pardon".

L’autre défi pour elle, c’était la langue, l’une des choses les plus difficiles. *J’ai suivi six mois de cours pour parler de manière acceptable Cela ajoute de la pression, surtout quand on veut être authentique. Jusqu’à présent, j’ai joué en sept langues». Et il y en aura une huitième pour Golshifteh Faharani qu’on retrouvera bientôt dans Red Snake de Caroline Fourest et Le dossier Mona Lisa du réalisateur israélien Eran Riklis

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 mars.

 

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Grand écran: Vincent Macaigne à quatre pattes dans "Chien", la fable noire de Samuel Benchetrit

benchetrit.jpgChienne de vie que celle de Jacques Blanchot! Sa femme le flanque à la porte sous prétexte qu’elle est atteinte de blanchoïte aiguë, une maladie qui la pousse à se gratter lorsqu’il s’approche d’elle.

Son fils profite de lui et il est exploité par son patron. Pour retrouver un peu d’amour il décide, en passant devant une animalerie, de s’acheter un chien. Avec niche, croquettes, laisse et dix leçons de dressage, le tout au prix fort exigé par un terrifiant maître-chien

Mais le chiot, qui en plus ressemble à Hitler, en ne va pas tarder à passer sous les roues d’un bus. Bouleversé, Blanchot s’installe à l’hôtel, mange les croquettes, dort dans la niche et va jusqu’à prendre les leçons qu’il a payées, se coulant dans le rôle du chien en acceptant les pires humiliations.

Signé du subversif Samuel Benchetrit, qui l’a adapté de son propre roman, Chien, interprété par Vincent Macaigne parfait face à son maître-chien facho Bouli Lanners, et Vanessa Paradis en épouse odieuse, commence sur un ton burlesque et décalé qui vire rapidement à l’humour noir. Très noir. Pathétique, gênant, limite malsain, cette fable animalière bizarre, absurde, cruelle, glauque, plus pathétique que drôle divise, provoquant la détestation totale ou une adhésion plus ou moins forte.

Rencontré au dernier Festival de Locarno, l’écrivain réalisateur nous expliquait que son livre, un exutoire, est né suite à un état dépressif et de doutes, où il se demandait pourquoi gagner de l’argent, rester dans le mouvement, avoir tant de préoccupations ridicules alors que la vie est si courte.

«C’est une histoire simple qui raconte quelque chose d’universel, être quelque chose ici-bas. Je dresse un état des lieux, je parle de dystopie, de cynisme à propos d’un personnage qui en est totalement dépourvu, qui va sortir de ce monde pour en découvrir un différent. Cela m’intéresse ui beucoupde traiter un personnage sans ambition qui rend fou les autres par sa passivité, Une passivité qui les conduit à une violence extrême. Du coup c’est lui qui gagne».

Et tandis que Jacques Blanchot s’humanise en chien, l'auteur en profite pour dénoncer la déshumanisation de la société. Voir l’interview de Samuel Benchetrit dans notre note du 9 août 2007.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 mars.

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06/03/2018

Grand écran: "Eva" s'égare entre Annecy et Paris. Avec Isabelle Huppert et Gaspard Ulliel

eva-berlin-film-festival.jpgDommage, le début promettait beaucoup. Pourtant, depuis qu’il est allé se promener Au fond des bois, Benoît Jacquot a de plus en plus tendance à s’égarer. Preuve en est son vingt-cinquième long métrage, Eva. Une faible et plate adaptation du roman de James Hadley Chase, classique de la Série noire paru en 1946 et déjà porté très librement à l’écran en 1962 par Joseph Losey. Jeanne Moreau y jouait le rôle principal.

Là, c’est Isabelle Huppert, la muse de Benoît Jacquot qui enfile le costume d’Eva pour une sixième collaboration avec le réalisateur après Les Ailes de la colombe en 1980, L’école de la chair et Pas de scandale en 1998, La fausse suivante l’année d’après et Villa Amalia en 2008. Pour lui donner la réplique Gaspard Ulliel (Bertrand), avec qui elle avait déjà tourné dans Un barrage contre le Pacifique.

L'auteur situe principalement son action à Annecy, mais c’est à Paris que se noue l'intrigue. Bertrand, un jeune gigolo, laisse cyniquement mourir un vieil auteur dramatique dans sa baignoire et en profite pour lui voler sa pièce. Le succès est immédiat, mais c’est une autre affaire, pour l’usurpateur, que de pondre la nouvelle que son éditeur (Richard Berry) lui réclame avec de plus en plus d’insistance.

Pour lui permettre de mieux se concentrer, sa petite amie lui prête le chalet de ses parents au-dessus d’Annecy. Il y rencontre bizarrement Eva. Prostituée vieillissante au visage lisse, elle va mener à sa perte le garçon qu’elle ne tarde pas à hanter, qui cherche à tout savoir sur elle et qui, pour la revoir, ne cesse de faire des allers et retours en train entre la province et la capitale. A cet égard, on espère que la SNCF a casqué un maximum... 

Bref. Fasciné par le roman, marqué dans son adolescence par la version de Losey, Benoît Jacquot livre, entre lac et montagne, une histoire d’imposture sous forme d’un thriller mental tordu manquant de chair, au scénario erratique poussif. Et les comédiens peu convaincants ne contribuent pas franchement à faire décoller le film qui, par ailleurs, ne nous épargne pas des scènes frisant le ridicule.

Benoît Jacquot prétend brosser le portrait d'une héroïne animale, mystérieuse, perverse, dangereuse, sinon fatale. Mais, bottée et perruquée de noir, Isabelle Huppert se révèle, à l’inverse du personnage d’Elle qu’avait sublimé Paul Verhoeven, nettement plus nonchalante et paresseuse qu’érotique et sulfureuse. Objet du désir si peu obscur et tellement désincarné qu’on se demande comment il pu devenir l’obsession d’un Gaspard Ulliel, alias Bertrand, manipulateur manipulé aussi fade qu’antipathique.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 mars.

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05/03/2018

Grand écran: "Thelma", troublante, intrigante et attachante sorcière féministe

critique-thelma-film-joachim-trier.jpgUn homme traverse un lac gelé avec une petite fille et, ayant atteint une forêt, la vise avec un fusil de chasse… Après le remarquable Oslo 31 août, Back Home tourné en anglais aux Etats-Unis et qui avait été sélectionné en compétition à Cannes en 2015, Joachim Trier s’essaye au cinéma fantastique avec l’intrigant et déroutant Thelma. En nous plongeant d’entrée dans un climat glacial, inquiétant et anxiogène.

Sous contrôle permanent de parents luthériens rigoristes qui scrutent son emploi du temps, Thelma quitte sa province pour aller étudier à l‘université d’Oslo. Fragile, timide et pieuse, elle n’est toutefois pas contre la découverte, l’ouverture aux autres. Sinon plus.

Mais, tandis qu’elle est irrésistiblement et secrètement attirée par une camarade de classe, la jolie Anja, elle est soudain prise de violentes convulsions à la bibliothèque. D’abord perplexes face à ce mal étrange s’apparentant à une crise d’épilepsie que le bon état de santé de la patiente n’explique pas, les médecins n’excluent finalement pas une attirance sexuelle.

L’hypothèse affole Thelma. Ses attaques de plus en plus paroxystiques se multiplient, parallèlement à l’intensité croissante de ses sentiments pour Anja, libérant chez elle de dangereux pouvoirs surnaturels. Sa simple volonté déclenche ainsi l’horreur dans la mesure où elle ne parvient pas à maîtriser ses pulsions.

Elle décide alors de rentrer à la maison où elle est confrontée à de monstrueux et traumatiques souvenirs enfantins. Ils pourraient expliquer ces mystérieuses facultés télékinésiques lui permettant de faire disparaître les êtres qui la dérangent.

Influences assumées pour l’auteur

Dans une mise en scène suggestive un peu maniérée au service d’un scénario un rien tortueux où il fait remonter des images mentales à la surface, Joachim Trier explore d’abord une quête d’émancipation. Puis d’identité à travers une histoire d’amour (qu’il se prive toutefois d’exploiter vraiment) peuplée de visions cauchemardesques. Sous influences assumées, notamment de Brian de Palma (Thelma fait penser de loin à Carrie), il brosse le portrait d’une jeune fille qui cherche à réprimer son désir croissant pour une amie.

La séduisante Eli Harboe enfile avec talent le costume de Thelma dans ce thriller en forme d’allégorie, mâtiné de conte initiatique et d’étude de mœurs. Tentant d’échapper aux interdits et au puritanisme pour assumer son homosexualité, cette attachante sorcière féministe, stigmatisée pour ses penchants amoureux, doit livrer un gros combat pour être elle-même, s‘accepter, s’aimer et aimer les autres.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 mars.

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27/02/2018

Grand écran: "La ch'tite famille", comédie indigente, paresseuse et lourdingue

cin-la_chtite_famille-1-1000x600.jpgQuand on nous raconte que Les Tuche sont la famille préférée des Français et qu’on voit celle de Dany Boon provoquer quasiment l’extase sur les plateaux télé, avant sans doute de cartonner au box-office, on ne peut s’empêcher de se poser des questions sur la curieuse structure neuronale de nos voisins...

Dans ce qui donc pas une suite à Bienvenue chez les Ch’tis, mais où Dany Boon ne se creuse pas trop le ciboulot en confrontant sans originalité la province à la capitale au lieu du nord au sud, on découvre le héros de la chose (évidemment interprété par l'auteur), Valentin D., célèbre et snob designer parisien. Honteux de son milieu prolétaire, il a renié ses origines en prétendant être orphelin.

Avec sa femme Constance, il organise le vernissage de leur rétrospective au Palais de Tokyo, quand débarquent son frère, sa belle-sœur et sa mère, croyant être invitée à la réception pour fêter ses 80 ans. Les mensonges de Valentin sont sur le point de le rattraper. D’autant qu’il perd la mémoire suite à un accident de voiture et que son accent ch’ti effacé resurgit, plus fort que jamais. Gênée, Constance va tenter de le lui faire reperdre…

La ch’tite famille est l’œuvre la plus personnelle de Dany Boon, monté à Paris en revendiquant ses racines et son identité, malgré les avis de certains producteurs qui lui conseillaient plutôt de les oublier. Pourquoi dès lors ne pas exploiter la chose? Sauf qu’une bonne idée ne suffit pas, et de très loin, à faire un bon film.

Tirant tant et plus sur ce fameux accent qui a fait son immense succès il y a dix ans, le réalisateur très peu inspiré propose une comédie indigente, paresseuse et des plus lourdingue. Se voulant un choc de deux univers opposés, elle se résume en réalité à du déjà vu, à de l’attendu et à quelques gags pas drôles, laborieux et répétitifs. Telle cette chaise design à trois pieds qui ne cesse de s’effondre avec son occupant...

Bref, le réalisateur donne dans la grosse ficelle pour comédiens qui en font des tonnes. A l’image de Line Renaud fatigante, de Valérie Bonneton ridicule. Sans oublier le pathétique Pierre Richard se livrant à d’insupportables pantomimes, et allant jusqu’à chanter «Que je t’aime» en ch’ti à sa femme. Un hommage involontaire à Johnny (encore vivant lors du tournage), peut-être diversement apprécié. Ou pas.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande  dès mercredi 28 février.

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Grand écran: "Call Me By Your Name", passion gay sous le soleil d'Italie

1_GztZLH6Ygs0CxwMfyC44Ww.jpegAprès A Bigger Splash (remake raté de La Piscine), le réalisateur italien Luca Guadagnino revient avec Call Me By Your Name, l’histoire d’une brève et intense passion gay qui transformera la vie de ses héros. James Ivory, dont on sent la patte, en a écrit le scénario adapté du roman d’André Aciman,

On est en été 1983. Elio (Timothée Chalamet), 17 ans, rejeton de parents intellos et multilingues, passe des vacances dans la grande demeure familiale des Perlman, sous le chaud soleil de Lombardie. Chaque année un universitaire est accueilli pendant six semaines au sein de cette maison vouée à la culture, pour assister le père d’Elio dans son travail d’archéologue. Là, il s’agit d’Oliver (Armie Hammer), un séduisant Américain de 24 ans.

Elio et Oliver s’attirent irrésistiblement. Une attirance toutefois soumise aux codes d’une époque où il était difficile de vivre ouvertement son homosexualité. Le film montre ainsi l’éveil et la montée du désir chez ces deux êtres, évoquant avec finesse l’approche amoureuse avec ses tentations, ses hésitations, ses frustrations, ses troubles, ses maladresses, ses élans où se mêlent excitation, doutes et contradictions.

Thimothée Chamalet, étoile montante et atout maître

Beau gosse, le sexy Armie Hammer au charisme teinté d’arrogance et de fausse nonchalance se révèle convaincant. Mais c’est le talentueux Timothée Chamalet, qui porte l'oeuvre de bout en bout. Etoile montante que les réalisateurs commencent à s'arracher, il représente l’atout majeur de ce drame sentimental en illustrant à merveille cet état particulier qu’est l’adolescence.

Alors qu'il est également à l'affiche de Lady Bird de Greta Gerwig, dans un second rôle, il a tourné dans A Rainy Day In New York, le dernier Woody Allen. On rappellera à cet égard qu’il le regrette au point d’avoir remis, à l’image de deux autres comédiens, son cachet à trois associations, en soutien à la fille adoptive du réalisateur Dylan Farrow. Comme elle le fait depuis plusieurs années, elle a nouveau accusé son père, le 18 janvier dernier, d’avoir abusé d’elle quand elle avait sept ans.

Pour en revenir à Call Me By Your Name, on salue la subtilité dans le traitement de ce premier amour. Cautionné en outre par des parents particulièrement bienveillants et ouverts, ce qui nous vaut à la fin une scène bouleversante entre le père et le fils. On reprochera pourtant au film un manque de vie autour des deux amants, un côté trop chic et superficiel, une prédilection pour le paraître. Ainsi qu’une certaine prétention se manifestant dans des conservations vides entre les personnages, qui font assaut de citations philosophico-littéraires.

Mais voilà qui n’a pas empêché le métrage de faire sensation à Sundance, un carton partout où il est passé ensuite, Berlin Sydney, Toronto, San Sebastian, Londres. Et d’être considéré comme l’un des grands favoris aux Oscars le 4 mars prochain.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 28 février.

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20/02/2018

Grand écran: dans "L'insulte", une querelle de rue à Beyrouth finit en procès national

cinema_-_liban_-_linsulte_-_janvier_2018.jpgUne querelle de rue a priori banale, une remarque blessante qui en provoque une autre plus triviale avant que les choses ne s’arrangent la plupart du temps, voilà qui est monnaie courante. Sauf qu’en l’occurrence nous sommes à Beyrouth et que l’altercation implique Toni (Adel Karam) un garagiste libanais chrétien et Yasser un chef de chantier palestinien (Kamel El Bacha, prix d’interprétation à la Mostra) .

Tout part d’une d’une malencontreuse histoire de gouttière qui fuit sur le balcon de Toni, gênant les travaux de rénovation du quartier entrepris par Yasser. Il veut réparer, Toni refuse, Yasser insiste.

Les deux s’énervent, le ton monte et le chrétien finit par insulter le Palestinien avec un "Sharon aurait dû tous vous exterminer". Une référence intolérable au massacre dans les camps palestiniens de Sabra et Chatila perpétré en 1982 par des milices chrétiennes. Yasser riposte en traitant Toni de "chien sioniste" pour avoir collaboré avec Israël, en lui balançant un coup de poing qui lui fracture deux côtes.

L’affaire dégénère au point que les deux hommes se retrouvent au tribunal, constituant le point de départ d’un procès national, ravivant les séquelles des plaies de la guerre civile qui a déchiré le Liban entre 1875 et 1990 et causé plus de 200 000 victimes

Avec L'insulte, film  de prétoire, genre qui contribue à rendre l'intrigue plus intéressante, le Franco-Libanais Ziad Doueiri veut désinfecter les blessures en ouvrant une voie vers la paix. Et plaide pour le rapprochement entre les deux camps comptables des souffrances endurées et infligées.

La nécessité d’une réconciliation

A travers ses deux protagonistes, il aborde sans manichéisme, sans prendre parti "chacun ayant ses raisons", le thème de la réconciliation dans un pays sans cesse en reconstruction. Selon un critique, il y a avant tout nécessité d’une réconciliation avec soi-même, sans laquelle il n’y en aura pas avec l’autre. « Il faut revenir au passé pour pouvoir en sortir. »

Malgré un traitement conformiste, le réalisateur fait preuve d’originalité en proposant un point de vue féminin et jeune en la personne de l’avocate de Yasser qui se trouve être la fille du conseil de Toni et qui, à l’image de sa génération, milite pour le renoncement à la violence et à la haine. Du coup, Ziad Doueiri, auteur on le rappelle du Baron noir sur Canal + se permet de finir sur une notre optimiste. Son œuvre politique sous tension est nommée à l’Oscar du meilleur film étranger.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 février.

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Grand écran: "Shape Water", variation sexy sur la Belle et la Bête plus prometteuse que convaincante

screen-shot-2017-09-14-at-10-06-09-am.pngFemme de ménage dans un laboratoire gouvernemental américain ultrasecret confiné en sous-sol, Elisa mène une existence solitaire, d’autant plus isolée qu’elle est muette. Son morne quotidien bascule lorsqu’elle et sa collègue Zelda découvrent une expérience encore plus secrète que les autres…

On est en pleine guerre froide. Le colonel Strickland, ambitieux, réactionnaire, sadique, (Michael Shannon), débarque avec son étrange prisonnier. Il s’agit d’une créature humanoïde aquatique capturée dans un fleuve d’Amérique du Sud et enfermée dans un caisson. Dotée de pouvoirs extraordinaires, c’est une arme contre les Soviétiques. Mais la façon cruelle dont est traité l’homme-poisson dans cet univers brutal où le sang coule, désole et révolte la douce Elisa (Sally Hawkins excellente) décidée à lui venir en aide.

Moins craintive qu’on pourrait l’imaginer, elle entre rapidement en contact avec l’amphibien certes visqueux, pourvu de branchies, à l’épiderme phosphorescent, mais bien bâti. Elle l’apprivoise et lui donne des œufs à manger. Séduite autant qu’émue et altruiste, elle se lance alors dans une dangereuse opération de de sauvetage, aidée d’un voisin homosexuel et chômeur, une collègue noire et un espion russe.

L’auteur livre ainsi un drôle d’objet cinématographique en forme de conte d’époque baroque surnaturel, plus prometteur que réellement convaincant. Il s’amuse à y multiplier les emprunts et les clins d’œil (Jean-Pierre Jeunet s’estimant volé de bouts de Delicatessen et d’Amélie Poulain l’a plutôt accusé de plagiat), à pasticher les films sur la guerre froide, à rendre hommage au cinéma fantastique, notamment L’étrange créature du lac noir, de Jack Arnold.

A la frontière des genres

Un film donc à la frontière des genres où Guillermo del Toro surfe sur le sexe, le machisme et le racisme. Mais à force de mélanger les films de monstre, les films noirs, d’espionnage, la comédie musicale, la série B, la romance, il propose un scénario tarabiscoté et perd de vue le vrai sujet dans cette variation un rien sexy de la Belle et la Bête. Une bête qu’humanise Doug Jones. 

Au lieu de développer la relation amoureuse aussi insolite que charnelle entre ces deux êtres si dissemblables, l’auteur la réduit à quelques scènes poétiques et émouvantes, la noyant dans des scènes d’action violentes et le suspense larvé. Comme s’il craignait de choquer par sa folle audace consistant à prôner une passion inavouable.  En ce sens, il édulcore la portée de son ode à la différence dans une Amérique qui n’a pas changé en dépit de ses promesses d’alors, son plaidoyer pour l’acceptation de l’autre quel qu’il soit, laissé pour compte, gay, noir, handicapé, voire monstre, emblème définitif.

Reste que l’oeuvre jouit d’une excellente critique des deux côtés de l’Atlantique. Par ailleurs, lauréat du Lion d'Or au Festival de Venise 2017, Shape Water a récolté 2 Golden Globes (ceux du meilleur réalisateur et de la meilleure bande originale) ainsi que 13 nominations aux Oscars. Ceci explique peut-être cela.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 février.

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Grand écran: dans "Jusqu'à la garde", thriller familial, le divorce bascule dans l'horreur.

garde_a.jpgPremier long métrage du Français Xavier Legrand, Jusqu’à la garde est une perle noire coup de poing qui prend aux tripes. Son auteur s’était fait remarquer par un court, Avant que de tout perdre, qui traitait de la violence conjugale. Ici, c’est plus précisément de divorce qu’il s’agit. Celui du couple Besson, Antoine et Miriam (Denis Ménochet et Léa Drucker déjà présents dans le métrage de trente minutes.

Le divorce, un thème en soi banal. Mais l’important réside dans la manière de le traiter. Evitant l’aspect dossier, l'auteur autopsie la séparation en optant carrément pour le thriller psychologico-familial. L’histoire se met véritablement en place après un premier quart d’heure assez déroutant et inhabituel dans le bureau de la juge. Les avocates de chacun des ex en conflit plaident par le menu, quasiment en temps réel (un pari de cinéma audacieux), l’exactitude de leur version respective, en vue d’obtenir la garde de Julien, 11 ans.

Pour le protéger d’Antoine qu’elle accuse de brutalité, Miriam demande la garde exclusive. Mais la magistrate, estimant le père bafoué, décide l’alternance et, en dépit du refus de l’adolescent qui prend le parti de sa mère, l’oblige à passer un week-end sur deux avec lui. La moindre des choses estime l’intéressé, bien décidé à récupérer le bien qu’on lui a volé et à le manipuler.

Le malaise s’installe

Dès lors le gamin devient un otage, un bouclier. Et il suffit qu’il grimpe pour la première fois dans la voiture paternelle, le malaise s’installe, palpable. Sans le moindre sentimentalisme, oscillant entre folie et violence tout en privilégiant une mise en scène austère, sobre, subtile, où il met tour à tour le spectateur à la place de la juge, de l’enfant et de la mère, le talentueux Xavier Legrand nous plonge dans l’ambiance étouffante, angoissante de cette famille qui se déchire et où le pire peut arriver.

Permanente, la tension ne cesse de monter dangereusement entre les personnages exacerbés, au fil d’une intrigue haletante, singulière, efficace, éprouvante, aussi dramatique qu’explosive, basculant dans une horreur à la Shining. Une influence parfaitement assumée par le réalisateur.

La grande réussite de l’œuvre tient également à ses comédiens, tous excellents. l’imposant Denis Ménochet impressionne dans son rôle de père hargneux, possessif, sous pression. on le sent constamment à deux doigts de craquer. Tout comme la bouleversante Léa Drucker, les nerfs à vif, mais dont la force vient de sa détermination farouche à empêcher Antoine de nuire. Et on n’oubliera évidemment pas Thomas Gioria qui devient plutôt qu’il n’incarne le jeune Julien. Une vraie révélation

legrand.jpgVenu du théâtre, Xavier Legrand, 40 ans, admirateur d’Hitchcock, d’Haneke et de Chabrol, a été deux fois primé à la Mostra (meilleure mise en scène et meilleure première œuvre). Jusqu’à la garde s’inscrit dans la continuité de son court métrage Au risque de tout perdre, comme il nous l’explique lors d’une récente rencontre à Genève. « Au départ je voulais faire une trilogie de courts. Et puis je me suis décidé pour un seul long en reliant les deux thématiques de la violence conjugale et du divorce. 

Comment vous y êtes-vous pris ?

Je me suis livré à de nombreuses recherches pendant trois ans. J’ai rencontré , rencontré des avocats, des policiers, des psychologues, une juge aux affaires conjugales, assisté à des groupes de parole pour hommes violents, rencontré des femmes qui m’ont parlé de ce qu’elles ont subi.

Pourquoi avoir choisi le thriller pour raconter l’histoire de ce divorce qui bascule dans l’horreur?

Le genre est Induit par les témoignages des victimes. Mais il est surtout là pour donner une dimension cinématographique, faire éprouver les choses d’une autre manière, sensibiliser le public, le faire participer en jouant avec son intelligence, avec ses nerfs. J’ai toutefois veillé à ne pas tomber dans le spectaculaire.

Votre film montre le combat d’une femme tentant de protéger son enfant en échappant à un mari violent. Pour vous est-ce un acte politique ?

Je me suis basé sur des chiffres terribles. Une femme meurt tous les deux jours et demi sous les coups de son compagnon. Alors si le film peut nourrir le débat en apportant une conscience supplémentaire pour la parole des, femmes, j’en serais très heureux.

La justice reste sourde aux appels de la mère. Ne fait-elle pas son travail ?

Elle est humaine. Je ne suis pas là pour dénoncer le travail de la juge. C’est très difficile de trancher. En général, la violence est dirigée vers le conjoint. L’enfant n’est pas en danger, dans la mesure où un mauvais mari peut faire un bon père.

Léa Drucker et Denis Ménochet, qui jouaient déjà dans le court métrage sont à nouveau formidables.

En effet. Denis incarne parfaitement pervers narcissique jaloux, dépressif, détruit, manipulateur prêt à tout, menace permanente pour ses proches qu’il met sans cesse sous tension. Quant à Léa, elle devient véritablement cette femme battue, toujours en alerte, à l’affût du drame qui peut se produire à chaque instant.

Il y a aussi le jeune Thomas Gioria. Une révélation. 

C’est difficile de choisir un enfant. Cela commence par le casting des vrais parents qui sont là pendant le tournage. En l’occurrence la maman de Thomas était prodigieuse. Quant à lui à lui, c’est un acteur né. Il a un vrai talent, un vrai désir de cinéma.

Vous avez dit que le sujet des violences conjugales était clos pour vous. Autre chose en préparation ?

Oui mais cela reste un secret. Pour l‘instant, je vais jouer dan un film d’Emmanuel Hamon, Dans la gueule du requin. Le titre peut changer.

A l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 février.

16:09 Publié dans Sorties de la Semaine | Lien permanent | Commentaires (0) | |  Facebook | | | | Pin it! |