05/03/2015

Grand écran: "Red Army", l'extraordinaire aventure de "l'invincible armada" du patin soviétique

images[4].jpgCCCP, le sigle gagnant sur des maillots rouges. Avec ses huit médailles d’or olympiques et ses dix-neuf couronnes mondiales, la Red Army qui a transformé le hockey en redoutable arme de propagande, était le symbole du socialisme triomphant, la preuve vivante que le système fonctionnait…

Dans un documentaire passionnant, l’Américain Gabe Polsky, lui-même fervent adepte du palet, nous replonge au temps de la Guerre froide, sur glace et en-dehors, en racontant l’extraordinaire aventure de la célèbre dominatrice des compétitions internationales entre 1976 et 1991.

Le destin de cette dynastie unique dans l’histoire du sport est intimement lié à celui de l’URSS d’alors, mue par une volonté obsessionnelle de puissance et dont l’auteur brosse un portrait très critique, sinon accablant. Comme son pays, la Red Army connaît la grandeur et la décadence, avant d’être secouée par l’éclatement du bloc soviétique.

Dépendante de l’armée, cette véritable machine à gagner sélectionnait les meilleurs au berceau ou presque. Formés à l’esprit d’équipe, ils étaient aussi biberonnés au sacrifice patriotique face au capitalisme. 

RedArmy[1].jpgParlant non sans arrogance face caméra, l’atout maître de Red Army, mettant constamment en parallèle la crosse et le pays, tout en insistant sur les antagonismes Est-Ouest, c’est  l’ancien capitaine légendaire Slava Fetisov (photo). 

Avec ses quatre coéquipiers Alexei Kasatonov, Vladimir Krutov, Sergei Makarov et Igor Larionov, il formait le quintet mythique d’un team adulé à domicile, craint, admiré et respecté par les grands clubs étrangers, à commencer par les Etats-Unis et dont le parcours hors du commun lui a valu sa quasi invincibilité pendant des années. 

A la base du succès, une cohésion sans faille, la primauté de l’intérêt commun sur les exploits individuels, et un jeu particulièrement créatif, tout en vitesse, finesse, légèreté et contrôle, prôné par un entraîneur s'inspirant du Bolchoï et les échecs. Résultat, une suprématie tactique et sportive totale, peaufinée dès 1977 à coups de serrages drastiques de boulons par l’homme du KGB, le terrible coach Viktor Tikhonov.

Ces forçats du patin broyés par l’autorité politique étaient entraînés à la dure dans un camp spécial dédié à une épuisante préparation physique. Ils vivaient en autarcie loin de leurs proches onze mois sur douze, constamment sous surveillance et sous pression psychologique. Un régime draconien qui ne les a pourtant pas empêchés d’aligner les victoires jusqu’à l’effondrement de l’URSS.

RedArmy1[1].jpgVers la fin des années 80, perestroïka oblige, Fetisov manifeste, à l’instar de ses camarades, l’envie d’aller jouer dans les grands clubs américains. Auréolé du statut de héros national il est bientôt condamné comme ennemi politique.

Moscou lui met des bâtons dans les roues mais il tient tête au Kremlin et, malgré les intimidations, les menaces et les violences, finira par jouer aux Etats-Unis. Un exil allant d’abord de pair avec des performances moyennes pour lui et lees autres  génies russes, avant la formation d'un fameux  "Russian Five" au sein du club de Detroit. 

Rentré au pays, Fetisov a pris sa revanche. Ministre des Sports de Poutine entre 2002 et 2008, il est aujourd’hui sénateur et continue à évoluer dans les cercles du pouvoir. Il fut aussi l’un des principaux  artisans des jeux de Sotchi en 2014. 

Allant au-delà du sport, la force du film de Gabe Polsky réside dans des images d’archives saisissantes, des entretiens parfois sidérants de joueurs et autres protagonistes de l’époque, des témoignages émouvants et de brillantes séquences de jeu .Du coup il parle à tout le monde.

Si les mordus de la rondelle prendront leur pied en retrouvant leurs idoles, nul besoin pourtant de connaître le hockey, ses règles et son histoire pour s’intéresser à ce documentaire aussi fascinant qu’instructif. Divertisant de surcroît, il ne manque pas d’ironie.  

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 4 mars.  

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03/03/2015

Grand écran: "Buoni a nulla"veut nous montrer qu'on a tous un peu de Gianni en nous...

Buoni-a-Nulla-Gianni-Di-Gregorio-foto-film-Bim-664[1].jpgComédie italienne dans l'air du temps portant un regard particulièrement sensible sur le monde, Buoni a nulla (Bons à rien) raconte l'histoire de gens modestes et timorés qui se font sans cesse marcher sur les pieds. A l'instar de Gianni, obligé de rempiler pour trois ans alors qu'il est à deux doigts de la retraite.

Muté de surcroît en banlieue, il se laisse brimer sans réagir par sa directrice et, à l’exception du gentil Marco encore plus vulnérable et pusillanime que lui, par ses collègues. Sans oublier une voisine exécrable ou encore son ex-femme constamment sur son dos et qui transforment son quotidien en petit enfer.

Seule solution, même si ce n'est pas simple, apprendre à se faire respecter. Et le réalisateur Gianni Di Gregorio de pousser son antihéros à la révolte, notamment à travers de voluptueuses gamineries thérapeutiques. Coller du chewing-gum sur une sonnette, traîner sur un passage piétons à rendre fous les automobilistes, taper sur la voiture qui l'empêche chaque jour de rentrer chez lui.

Avec cette satire à la fois absurde, émouvante, drôle, subtilement transgressive de notre société, où il dénonce le chacun pour soi pour exalter l’amitié et la tolérance, l’auteur, qui tient le premier rôle, nous tend une sorte de miroir. Histoire de nous montrer qu’on a tous un peu de Gianni en nous.

220887-thumb-social-play-interv_buoni_a_nulla_2_1[1].jpgOpus en grande partie autobiographique

Récemment de passage à Genève, l'exubérant et  sympathique intéressé acquiesce en riant. Né en 1949, acteur et scénariste passé derrière la caméra sur le tard en 2008 avec Le déjeuner du 15 août, puis en 2011 avec Gianni et les femmes, il nous confie en outre que son troisième film est en grande partie autobiographique.

"Le caractère du personnage et la manière dont il se comporte me ressemblent énormément. Je suis très timide, ce qui explique que j’ai eu de la peine à devenir réalisateur. On doit décider, avoir de l’autorité. Du moment que je n'y arrive pas, j’ai trouvé un système sans autorité".

-Votre personnage est incapable de dire non. Est-ce aussi votre cas ?

-En effet. Mais puis-je changer? J’ai essayé ici d’analyser la chose, de comprendre le problème et de tenter de répondre à la question. Je verrai si le traitement se révèle efficace… En réalité, je pense qu’il n’est pas possible de changer sa personnalité. En revanche, améliorer sa situation en faisant des efforts, oui.

-A l’image de Gianni, les personnes sans défense sont nombreuses.

-C’est vrai. Plus qu’on ne l’imagine. Même si on ne le voit pas toujours parce que beaucoup, ayant honte de leur faiblesse,  font tout pour ne pas le montrer.

-Comme dans vos deux premiers longs-métrages, vous tenez le premier rôle. N’en avez-vous pas assez ?

-Plutôt. Je joue si cela sert le film, mais c’est très fatigant de faire l’acteur, très exigeant. Je ne dois pas boire, pas fumer, éviter les cernes, tenir la forme, rester droit alors que j’ai des douleurs au dos...

-Mais pourquoi persistez-vous? Ne trouvez-vous personne d’autre?

Bien sûr. Je pourrais dénicher beaucoup d'alter ego, mais les producteurs me veulent et n’ont pas le courage de changer. Là pourtant j’ai un peu épuisé le personnage et pour mon prochain film, pas encore clair dans ma tête, je rêve de n’être que réalisateur.

-Une dernière question à propos de l’ignoble voisine de Gianni. J’ai entendu dire que c’était la plus grande avocate du cinéma italien et surtout celle de Marcello Mastroianni.

-Exact. Elle était aussi très amoureuse de Marcello. Selon moi, il y a eu plus, tellement elle en parlait. Mais je n’ai pas de preuve de la chose…

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 4 mars.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 25 février.

 

  

 

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Grand écran: "Inherent Vice" avec Joaquin Phoenix en privé bien défoncé

inherent-vice[1].jpgInvétéré fumeur de joints, le privé Doc Sportello voit débouler entre deux volutes son ex-petite amie Shasta dans son bungalow de la plage. Elle lui raconte qu’elle est tombée amoureuse d’un richissime promoteur immobilier.

Mais l'homme a disparu et elle redoute que sa femme et son amant du moment ne conspirent pour le faire interner. Pas rancunier, Doc accepte de partir à la recherche du milliardaire. 

Jusque là tout est simple. Mais les choses ne tardent pas à s’enchevêtrer inextricablement dans cette enquête psychédélique sous marijuana menée à Los Angeles en 1969, dans une Amérique tout juste sortie de Woodstock et s’enlisant dans le conflit vietnamien.

Dire que Paul Thomas Anderson se complaît dans la complexité est un doux euphémisme, tant il s’ingénie à nous embrouiller et à nous perdre dans Inherent Vice, une invraisemblable histoire à tiroirs inspirée d’un roman éponyme de Thomas Pynchon, où les digressions déroutantes foisonnent et les personnages erratiques s’empilent. 

inherent-vice-altyazili-izle-646[1].jpgC’est ainsi que Doc Sportello, parano et complètement largué entre les embrouilles, les méandres et l’abus d’herbe, se trouve confronté à un policier hyper violent, un musicien loufoque, une ado fugueuse, des blanchisseurs d’argent chinois, un dentiste improbable ou encore une tenancière de bordel qui ne peut s’empêcher de brouter goulument son fond de commerce…

Ce trip hallucinogène de deux heures trente, au récit des plus confus noyé sous une avalanche de paroles et entrecoupé de scènes farfelues, laisse évidemment le spectateur sur le sable. Peu importe, il lui suffit de s’imprégner de cette atmosphère soporifique et hypnotique pour partir lui aussi dans sa petite dérive existentielle. Il doit surtout éviter le mal de crâne en cherchant inutilement à comprendre ce qui se passe dans l’esprit tortueux du réalisateur.

En tête d’affiche de ce film à la fois noir et comique à prétention kafkaïenne, Joaquin Phoenix (qui d’autre pour incarner ce détective complètement défoncé?), omniprésent et donnant la réplique à Josh Brolin, Owen Wilson, Benicio Del Toro et Reese Whitherspoon. Un casting plus cohérent que l’intrigue.

Après Magnolia, There Will Be Blood, The Master, Paul Thomas Anderson déçoit en effet un peu, même si on a tendance à adhérer à son septième long-métrage foutraque. Son côté impénétrable n’est pas sans faire un peu (vraiment rien qu'un peu) penser au mythique Le Grand Sommeil. Inherent Vice n’est toutefois hélas pas à la hauteur de l’insolite, troublant et déconcertant chef d’œuvre d’Howard Hawks.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 4 mars.

 

 

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25/02/2015

Grand écran: "Schweizer Helden" fait revivre Guillaume Tell via des sans papiers

6062685[1].jpgSéparée de son mari depuis peu, Sabine, mère au foyer uranaise, se retrouve pour la première fois seule à Noël. Suite à un incident fortuit, elle pousse la porte d’un centre de requérants d’asile et, de fil en aiguille, en vient à monter avec eux une adaptation du Guillaume Tell de Schiller. Histoire de monter à sa famille et à ses amies de quoi elle est capable.

Elle n’a aucune expérience d’un tel exercice mais, tenace, ira jusqu’au bout de l’expérience, qui lui enapprendra davantage que ce qu’elle aurait pu imaginer sur le quotidien des réfugiés, leurs soucis et leurs problèmes. Et sur elle-même.

Peter Luisi s’est inspiré d’une histoire vraie pour sa fiction oscillant entre tristesse et drôlerie. Alors qu’il se défend d‘avoir réalisé un film politique c’est le contraire, Schweizer Helden faisant évidemment écho à un thème aujourd’hui crucial dans nos sociétés. Son auteur s’est d’ailleurs dument documenté sur la question, ayant même vécu dans des centres de transit pour être le plus crédible et réaliste possible.

Ses intentions sont louables. Mais voilà qui ne suffit pas à emporter l’adhésion. La mayonnaise a tout de même du mal à prendre en dépit de l'effort manifeste du cinéaste de bien faire et d'actualiser, via ces héros sans papiers, l’un des plus vieux mythes helvétiques, symbole de rébellion, de courage et d’aspiration à la liberté. Un personnage qui, pour un Luisi volontariste, ne peut dans le fond que résonner chez ces gens soumis à leurs dirigeants ou victimes de violence dans leurs pays respectifs.

Mais l’ensemble, au-delà de clichés ou de stéréotypes appuyés, ne fonctionne pas vraiment. Cela n’a rien à voir avec la représentation insolite de l’histoire ou des personnages par ce groupe hétéroclite. Alors que les protagonistes et leur metteuse en scène se donnent de la peine pour se couler dans ce moule très suisse,  conseillés de surcroît par un acteur professionnel, le résultat final en forme de soirée de patronage s’avère simplement trop bancal et laborieux pour convaincre.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 25 février.

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24/02/2015

Grand écran: avec son "Birdman" aux quatre Oscars, Inarritu met Hollywod sur le divan

birdman_man[1].jpgBirdman a fait le plein lors de la 87e cérémonie des Oscars. Quatre statuettes (film, réalisateur, scénario, photographie). Bien qu’il ne mérite pas une telle reconnaissance, ce n’est pas franchement une surprise.

Et pas seulement parce que l'opus partait grand favori avec ses neuf nominations, ou qu’en-dehors de Boyhood, il n’avait pas de concurrents notables. Mais surtout parce qu’avec cette comédie noire, Alejandro Gonzalez Inarritu s’est aventuré dans les coulisses du show biz et que ses pairs subjugués se sont reconnus dans cette sorte de psychanalyse d’un Hollywood notamment accro aux super-héros doté de super-pouvoirs.  

Suite à quelques chefs d’œuvre dont All About Eve en 1951 et trois ans après le triomphe de The Artist, l’Académie continue donc à prouver qu’elle aime les films sur le cinéma. Réalisateur mexicain, Inarritu évoque en effet l’acteur, ses rapports conflictuels avec la réalité, la célébrité, les frustrations et les déceptions qu’elle peut engendrer quand elle le fuit. Il suit ainsi Riggan Thomson, à l’époque mondialement connu dans son rôle de super héros aux plumes de corbeau surnommé Birdman.

Mais c’était il y a une vingtaine d’années et aujourd’hui, la star déchue tente de renouer avec la gloire en montant une pièce complexe de Raymond Carver à Broadway. L’auteur se concentre sur les jours qui précèdent la première où Thomson va devoir affronter, dans le décor reconstitué de l’intérieur du St James Theater de New York, son ego démesuré, son passé prestigieux, ses hallucinations et ses rêves envolés.

Sans oublier son rival sur les planches, ses proches dont une maîtresse actrice délaissée sur le point de craquer et une fille assistante tout juste sortie d’une cure de désintoxication. Pas simple pour ce père, mari, amant et ami, profondément egocentrique et avide d’amour.

images[9].jpgC’est Michael Keaton qui enfile le costume de ce has been en proie à ses douloureux démons. Un choix particulièrement judicieux dans cette histoire de come-back, vu que le comédien, lui-même plus ou moins disparu des écrans après le Batman de Tim Burton en 1989, effectue lui aussi un retour qu’il espère gagnant.

Il est excellent, à l'image d'Edward Norton (photo), son partenaire aussi doué qu’arrogant. Ou encore Emma Stone, qui permet à Inarritu de faire remarquer la puissance des réseaux sociaux pour mesurer désormais la notoriété des artistes. 

"Un tour de force éblouissant"

Au-delà du sujet, de son traitement et de l’interprétation, nombre de critiques se déclarent éblouis par un tour de force technique et artistique, insistant sur l’extraordinaire virtuosité d’une réalisation donnant l’illusion d’un long plan-séquence, grâce à une succession de scènes sans coupure apparente.

Certes, c’est brillant. Certes, Inarritu se pique d'explorer l'art, fustige les super-ego, règle quelques comptes, notamment avec les médias. Reste que la critique est moins incisive qu’il n’y paraît pour cause de scalpel émoussé et que l’ensemble souffre d’un côté ampoulé, emphatique, cultureux et prétentieux.

Trop c'est trop. Sans évidemment aller jusqu’à "une lamentable merde déséquilibrée et trompeuse" que dénonce sévèrement le New York Observer, l’un des rares à ne pas crier au génie, force est de constater qu'on s’ennuie parfois copieusement au fil d’un long-métrage tellement survolté qu’il en devient étouffant. Le cinéaste suggérait lui-même que son ambition a pu boursoufler ses œuvres précédentes. Analyse lucide, mais apparemment il a oublié d’en pendre de la graine…

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 25 février.

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18/02/2015

Grand écran: "Le Meraviglie", un surprenant coup de coeur du jury cannois

MERVEILLES[1].jpgsurtout Une ferme décrépite dans petit village entre l’Ombre et la Toscane. C’est là que vit Gelsomina avec ses parents, sa tante Coco et ses trois jeunes sœurs. Produisant du miel, cette singulière famille d’apiculteurs multilingue vit en autarcie, loin du monde moderne, selon la volonté du père qui en prédit la fin proche.

Cette vie en marge va pourtant être troublée par l’arrivée de Martin, un jeune délinquant accueilli dans le cadre d’un programme de réinsertion et le tournage d’un jeu télévisé dans la région, animé par une sulfureuse et fellinienne Monica Bellucci. En dépit des règles strictes qui régissent son quotidien, Gelsomina se met à rêver d’une autre vie, symbolisée par cette vedette du petit écran.  

Signé de l’Italienne Alice Rochwacher, le film intitulé Le Meraviglie (Les Merveilles), en compétition dans le dernier Festival de Cannes, avait séduit au point de rafler le Grand prix du jury présidé par Jane Campion. Un vrai coup de cœur partagé par nombre de critiques, mais qui en avait quand même beaucoup surpris certains.

Dont nous sommes. Certes avec cette opposition entre deux univers, cette plongée poétique et un peu surnaturelle dans un univers rural peuplé de personnages atypiques et attachants, la fine critique de nos sociétés consuméristes, la croyance dans un avenir meilleur, sinon merveilleux, la réalisatrice livre une chronique sensible et intelligente, plus profonde qu'il n'y paraît au premier abord, et qui est aussi celle du sur le passage à l'âge adulte. Par ailleurs la photo est magnifique.

On lui reprochera pourtant un récit linéaire, quelques longueurs et langueurs distillant un vague ennui qui l’empêchent d’être vraiment à la hauteur de son titre.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 18 février.

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Grand écran: "Kingsman:services secrets", parodie trash de James Bond. Avec Colin Firth en 007...

Critique-Kingsman-Services-secrets[1].jpgLe réalisateur Matthew Vaughn, auteur de Kick-Ass et X-Men, fait à nouveau équipe avec le scénariste de comics Mark Millar pour nous offrir Kingsman: services secrets. Un film aux airs de vieux James Bond trash, pimenté d‘un zeste de Chapeau melon et bottes de cuir.

En quête de sang neuf, l’as du renseignement britannique Harry Hart est chargé de former à la dure un groupe d’aspirants tous avides de décrocher le  job de rêve.... Parmi eux Eggsy, un brin rebelle et «idéalement imparfait», recruté dans la banlieue londonienne.

La mission de ce commando de choc: contrer les visées criminelles d’un certain Richmond Valentine. Reprenant le roman graphique de Millar paru en 2012, cette parodie loufoque de films d’espionnage à l’ancienne, mêlant scènes d’action parfois bluffantes, violence et humour, est bourrée de références au genre des années 60/70 dont elle détourne ou emprunte les codes.

Sans ambiguïté, l'opus oppose les bons et les méchants. Du côté des bons, Colin Firth (Harry Hart), gentleman charismatique au costume trois pièces griffé Savile Row. Plus 007 que nature, ce mentor au flegme britishissime a une méthode aussi personnelle qu’efficace d’apprendre les bonnes manières aux voyous. A noter également la prestation du jeune Taron Egerton, un poil écrasé par son aîné, ainsi que celle de Mark Strong et du quasi mythique Michael Caine.

Du côté des méchants un hilarant Samuel L. Jackson au zozotement ridicule dans le rôle de Richmond Valentine. Ce génie de la technologie, doublé d’un farouche défenseur de l’environnement, veut faire payer aux pollueurs les dommages causés à la planète. C’est dire la terrible menace qu’il laisse peser sur l’humanité….

Et nous voici partis pour un divertissement décalé, pop, barge, déjanté, politiquement incorrect et dans l’ensemble assez jouissif. Mais voilà qui n’empêche pas Vaughn de se complaire dans le mauvais goût, les massacres gratuits, ainsi que dans des gags et quelques effets nazes. Evidemment pas de quoi décourager les fans.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 18 février.

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17/02/2015

Grand écran: Clint Eastwood déclenche la polémique aux Etats-Unis avec "American Sniper"

american-sniper_612x380_1[1].jpgChef d’œuvre pour les conservateurs américains de tout poil et Michelle Obama qui a clamé son admiration, dangereux pamphlet guerrier ultra-nationaliste de propagande pour d’autres.

Aux Etats-Unis, Clint Eastwood de retour à 84 ans sur les écrans, provoque une polémique comme il n’en avait plus connu depuis la saga des Dirty Harry, qui lui avait valu au mieux une réputation de réac belliqueux.

Certains critiques n’avaient en effet pas hésité à qualifier de fasciste celui qui avait endossé le costume de l’inspecteur le plus populaire de l’époque.

Le film par lequel par lequel la véhémente controverse est arrivée, c’est American Sniper, film de guerre aux airs de western, où le réalisateur raconte l’histoire vraie de Chris Kyle, militaire texan ayant servi  pendant six ans dans l’armée et envoyé en Irak pour protéger et sauver ses camarades. Avec une réussite si spectaculaire qu’il a été surnommé «La Légende».

Durant ses quatre missions entre 2003 et 2009, ce redoutable tireur d’élite des Navy Seal dont il a appliqué sans faiblir la devise «pas de quartier !» a descendu quelque 160  ennemis de l’Amérique. Avant de tomber lui-même, en 2013,  sous les coups d’un compagnon qu’il avait aidé.

Nominé pour six Oscars

Si American Sniper qui exalte le patriotisme et le mythe du héros divise en déclenchant une vague de critiques, il affole en tout cas le box-office avec des centaines de millions de dollars de recettes depuis sa sortie. Tandis que l’opus est nominé six fois aux Oscars, dont meilleur film et meilleur acteur pour son principal protagoniste Bradley Cooper. Très crédible par ailleurs avec sa masse musculaire et son accent traînant.

Au début du film, parallèlement à une scène de guerre édifiante,  flash back sur l’enfance de Chris Kyle,  élevé dans la défense du faible et le culte des armes à feu. Sa première proie est un cerf qu’il tue d’un tir magistral en chassant avec son père, pour qui l’humanité se répartit en trois groupes: les loups, les moutons et les chiens de berger. Chris opte pour cette dernière solution.

Les années passent et le viril  trentenaire, ne sachant trop que faire de sa vie, décide d’aller jouer les chiens de berger en Irak, où protéger ses potes devient une véritable obsession. Alors il presse la gâchette. Encore et encore. La répétition du geste, d’une précision chirurgicale, agit comme une drogue. Au point qu’il du mal à retrouver ses esprits et reprendre pied dans la réalité au cours de ses brèves permissions. Faisant le malheur de sa femme (Sienna Miller) rencontrée et épousée juste avant son départ.

american-sniper-bradley-cooper-sienna-miller1[1].jpgComme d’habitude, rien à dire sur la forme, à l’exception peut-être de ces allers et retours symboliques entre le mariage, la famille et le front. C’est plutôt sur le fond, ambigu, qu’on s’interroge. A son corps défendant, tant on aime le «dernier des géants»  hollywoodiens.

Clint Eastwood nous montre le courageux Chris Kyle l’œil vissé à sa lunette de son fusil, sans état d’âme, dans son bon droit, ne se posant aucune question, ne se trompant jamais, atteignant toujours l’objectif, avec chaque fois une bonne raison d’abattre l’ennemi. Même s’il s’agit de femmes ou d’enfants. Logique puisqu’ils nous sont montrés prêts à balancer le feu sur ses frères d’armes. Son seul regret, ne pas avoir bousillé davantage d’ennemis, ce qui lui aurait permis de sauver plus de compatriotes.  

Alors certes, le film évoque l’aveuglement d’une machine à tuer, les affres psychologiques d’un homme accro à la guerre, à l’évidence victime de stress post-traumatique. Mais Clint Eastwood ne cherche pas moins, au final,  à prouver que le sniper d’exception, cow-boy solitaire moderne, mérite amplement son statut de héros légendaire. Assumant sa glorification et espérant de surcroît que les gens reconnaissants se souviendront de ses sacrifices et de ceux d’autres combattants qui ont tant donné pour leur patrie. Vous avez dit propagande? 

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 18 février. 

 

 

 

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11/02/2015

Grand écran: "Dancing Arabs", une fable dérangeante, drôle et cruelle

DancingArabs3[1].jpgAprès Les Citronniers, où une veuve palestinienne s’opposait au ministre israélien de la Défense, déterminé à faire raser ses arbres centenaires sous prétexte que des terroristes pourraient s’y cacher, Eran Riklis, l’auteur également de La fiancée syrienne, s’est attaqué à un autre sujet dérangeant, sinon provocant dans Dancing Arabs: l'ostracisme quotidien dont sont victimes les Arabes d’Israël, bien qu’intégrés à la population juive.

Eyad (Tawfeek Barthom, photo), élevé dans une petite ville, en est un représentant. Très intelligent, réalisant le vœu de son père qui rêve pour lui d’une vie meilleure, il est le premier et seul Arabe à être admis, à 16 ans, dans l’un des meilleurs internats juifs de Jérusalem. Moqué par ses camarades, tombé amoureux de la belle Naomi qu’il voit en secret à cause de ses parents, il n’a qu’un véritable ami, Yonatan, un jeune handicapé. 

Marginalisé lui aussi car atteint d’une maladie héréditaire dégénérative mortelle, Yonatan vit seul avec Edna, sa mère célibataire (Yaël Abecassis). Les deux laissés pour compte se rapprochent et Eyad, donnant du courage et de la force à Edna pour surmonter la terrible épreuve de la future perte de son enfant, ne tarde pas à devenir le deuxième fils de la famille.

Le réalisateur de 60 ans a adapté Les Arabes dansent aussi et La Deuxième Personne, deux romans de Sayed Kashua, un Arabe qui  s'est fait un nom en écrivant en hébreu des textes satiriques dans les journaux israéliens. Poursuivant dans son exploration des rapports complexes de cette partie du monde à travers l’amitié qui unit ces deux adolescents, Il livre une histoire symbolique, dramatique et singulière. Elle tient de la fable à la fois joyeuse, drôle et cruelle.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 11 février.

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Grand écran: "Fifty Shades Of Grey", beaucoup de bruit pour rien...

imagesR6PKXU7T.jpgLe livre a été vendu à des millions d’exemplaires, son auteur E.L. James laissant croire à la planète entière qu’elle allait la plonger dans un trouble extatique avec des pages d’un érotisme torride, en révolutionnant carrément la littérature du genre.

Sade et Pauline Réage l’ont mauvaise. Et pour cause. Les scènes de sexe, bien que très explicites, n’empêchent pas un côté romantique échevelé cucul la praline. C’est ce qui ressort principalement de la version cinématographique de Sam Taylor- Johnson. Avec Dakota Johnson et Jamie Dornan (photo).

Etudiante en lettres,  Anastasia Steele est chargée par sa colocataire grippée d’interviewer Christian Grey, le célibataire le plus couru, charismatique, riche et envié de la côte Ouest pour le journal de la fac. Ce faisant, l’oie blanche vierge de 22 ans tombe sous le charme du milliardaire pervers. Un dominant tentant d’en faire sa soumise sur la base d’un contrat devant réglementer leur liaison. 

Autant le révéler tout de suite, qu’il s’agisse de la situation ou du couple, on n’y croit pas une seconde. Si Dakota Johnson fait une cruche acceptable, Jamie Dornan, aussi "hot" et sexy qu'une huître, se révèle particulièrement peu convaincant en déviant obsédé par le contrôle. Il n’empêche qu’on fait des gorges chaudes depuis des jours, des semaines, des mois de la chose qui bénéficie d’une sortie mondiale. Avec interdiction formelle aux critiques d’en parler jusqu’à mercredi matin 11 février. Signature à l'appui exigée à l'entrée.

imagesZHR39R0O.jpgDe son côté, le Parents Television Council mort d’inquiétude pour la santé des ados en péril est monté au créneau aux Etats-Unis accusant le film de valoriser la violence faite aux femmes. Très franchement tout le monde peut dormir tranquille. Dans le genre fais-moi mal, c’est raté.

En d’autres termes, beaucoup de bruit pour rien. Mais alors rien du tout. Non seulement toutes les scènes de sexe jugées trop crues ont été supprimées, mais celles qui restent n’occupent que 20 minutes sur les deux heures et des poussières de l’opus. On parle de porno pour maman. Ce sont plutôt des chatouilles pour grand-maman…

La preuve. Au bout de 45 minutes de niaiseries sentimentales et de minauderies à l’eau de rose qui doivent faire se retourner Barbara Cartland dans sa tombe de jalousie, le redoutable prédateur sexuel pose audacieusement un glaçon sur le  nombril d’Anastasia... Trois quarts d’heure plus tard, elle se fait délicatement fouetter (photo) dans la salle de jeu, alias la glamour chambre rouge de la douleur. Avec menottes et autres objets diaboliques pour pratiques sado-masos. D’opérette en l’occurrence. 

imagesTXN3D0I2.jpgA dix minutes de la fin, Anastasia demande à Christian de lui montrer le pire. Et le méchant garçon de lui filer six coups de ceinture… Entre deux les amoureux font de l’hélico, du planeur, rendent visite à la famille et Anastasia  bassine Christian pour aller au restaurant, au cinéma et faire l’amour comme tout le monde. A quoi l’intraitable bad boy, qui nous apprend avoir eu une enfance malheureuse répond :  «Je ne fais pas l’amour. Je baise... Brutalement». Non mais, en voilà de vilaines manières! 

Bref, si le sujet du sexe devrait être interdit aux mauvais écrivains comme on l’a justement lu, ce devrait être pareil pour les cinéastes. Mais voilà qui n’empêchera pas la trilogie sur grand écran, avec l’adaptation des deux autres bouquins 50 nuances plus sombres et 50 nuances plus claires, qui constituent la suite du premier tome et cartonnent en librairie. Il paraît toutefois que Dakota Johnson, voire Jamie Dornan se tâtent pour en être. Enfin si l’on peut se permettre un terme aussi osé.

Film à l’affiche partout ou presque dans le monde dès mercredi 11 février. 

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10/02/2015

Grand écran: "L'enquête", avec Gilles Lellouche sur la piste de Clearstream

54578bb6bdb63[1].jpgEn 2001, Denis Robert flanquait la pagaille dans le monde de la finance en dénonçant le financement opaque de la société bancaire luxembourgeoise Clearstream. Dans L’enquête, Vincent Garenq retrace le parcours du journaliste opiniâtre en quête de vérité pour tenter de révéler l’affaire au grand jour.

Sa route croise celle du juge Renaud Van Ruymbecke, très engagé contre la corruption internationale qui mine de grandes institutions financières. Tout cela les mène vers un sulfureux scandale qui va secouer la Ve République.

Avec à  la clé l’affrontement politico-judiciaire mettant aux prises, en 2004, le premier ministre Dominique de Villepin et le futur président Sarkozy,  qui avait alors promis, tout le monde s’en souvient, de pendre son rival à un croc de boucher.

Vincent Garenq se concentre cependant sur son héros, présenté comme un être honnête, quittant Libération pour un édito censuré, sinon refusé. Mais également comme un personnage émotif, apparaissant en pleine sidération face aux policiers et aux flashes de ses confrères lors d’une perquisition musclée menée à son domicile.

Suite à cette scène d’ouverture, l’auteur revient sur les investigations de Robert, le suivant dans ses rencontres secrètes ou le montrant filé par de dangereux hommes de main. On se retrouve alors dans une histoire à ramifications tentaculaires où se croisent des militaires taïwanais, un général des services secrets français, des industriels, des banquiers, un escroc. Sans oublier donc un premier ministre et un futur président.

Bref un thriller politico-journalistique assez haletant mais d’une rare complexité où le béotien a tendance à se perdre en chemin. Ou du moins ne ressort pas franchement plus éclairé qu’il ne l’était en débarquant dans la salle obscure, en dépit de louables efforts pour tout comprendre...

Reste à s’accrocher aux comédiens, qui font plutôt bien le job. Pugnaces et intègres, Gilles Lellouche et Charles Berling sont aussi convaincants l’un que l’autre dans leur rôle respectif du journaliste Denis Robert, et du juge Renaud Van Ruymbecke. Deux justes n’arrivant pas à leurs fins, ce qui les rend d’autant plus attachants, comme dit le réalisateur. 

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 11 février.

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04/02/2015

Grand écran: "Difret" plaide la cause féminine bafouée en Ethiopie

Difret_Feature_Photo[1].jpgLe «telefa», mariage contraint par l'enlèvement et le viol, est une tradition locale en Ethiopie. Alors qu'elle se rend à l'école de son village, Hirut (Tizita Hagare) une lycéenne de 14 ans, est kidnappée par des hommes armés à cheval.

Elle réussit à s'échapper et, s'emparant du fusil de l'un des ravisseurs, abat celui qui veut l'épouser de force. Des juges exclusivement masculins réunis sous l'arbre à palabres, l'accusent de meurtre. Elle risque la mort.
 
Une brillante avocate venue d'Addis Abeba (Meron Getnet), spécialiste du droit des femmes, s'acharne à sauver Hirut de la  peine capitale en plaidant la légitime défense.

Modernité ,tradition et justice vont ainsi s'affronter au tribunal. Ce premier film produit par Angelina Jolie, qui a adopté une petite Ethiopienne, ne révolutionne certes pas l'art cinématographique, mais a le mérite d'éviter le piège de la caricature en envoyant un message fort. Tout en brossant le portrait d'une société en mutation, il pousse à la réflexion sur la condition humaine. 

Son réalisateur Zeresenay Berthane Mehari, rencontré en août dernier à  Locarno, espère que Difret contribuera à faire avancer la cause féministe bafouée dans son pays.-

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande depuis mercredi 4 février.

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30/01/2015

Open d'Australie: Wawrinka en mode tueur... mais loin du tireur d'élite!

Stanislas-Wawrinka-930x620[1].jpgEntouré de son clan mué en galaxie, Wawrinka se prenait carrément pour une étoile. Je suis plus fort que l’an dernier, mieux dans ma tête et sur le terrain, et il suffit je frappe des balles lourdes et puissantes pour être meilleur que quiconque. Et donc que Djokovic.

Même son de cloche côté experts de la petite balle jaune qui ne tarissaient pas d’éloges depuis le début du tournoi sur la taille patron du Vaudois, sa confiance au sommet, la sûreté de ses choix, sa monstrueuse capacité à se transcender devant l’enjeu et j'en oublie. Pour résumer, on avait un homme habité de la certitude que rien ne pouvait lui arriver. Si son jeu ne faiblit pas, avait-on quand même la sagesse de remarquer ici ou là, mais sans vraiment imaginer que ce serait le cas.

Bref on a tellement glosé sur cette demi-finale de rêve et les possibilités de Stan The Man à se retrouver en finale, sinon de gagner à Melbourne pour la deuxième fois consécutive, qu’il y avait tout pour m’inspirer les pires craintes en le voyant débarquer sur le court. D’autant que Pascal Droz, entre les déclics et les ouvertures de Stan, ne cessait de nous bassiner en nous assurant qu'il avait le match à sa portée et qu’il jouait mieux que Dracula.

J’avais d’ailleurs déjà évoqué mes inquiétudes à ce sujet dans un papier précédent, en écoutant le Suisse se vanter de sa forme physique au top et de la qualité exceptionnelle de son jeu après n’avoir en fait terrassé que des seconds couteaux à part le Japonais Kei Nishikori.

Hélas, de pouvoir à exécuter, il y a une grosse marge. Du coup, plus dure fut la chute à force de prendre ses désirs fous pour des réalités. Après quatre sets d’une qualité relative, une roue de vélo au cinquième set pour le malheureux Stanimal complètement cuit. Avouez que ça la fiche mal pour celui qui avait toutes les armes pour battre le saigneur des courts à plate couture ou presque. Un journaliste n’avait d’ailleurs pas hésité à relever un peu sottement: Wawrinka est en mode tueur depuis sa victoire en Coupe Davis. Le moins qu’on puisse dire, c’est qu’en l’occurrence, il était loin du tireur d’élite… 

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27/01/2015

Grand écran: "Turist", une thérapie familiale à la suédoise dans les Alpes. Drôle et grinçant

Snow-Therapy-de-Ruben-Ostlund[1].jpgComment l’être humain se comporte-t-il dans une situation de détresse? Par exemple une soudaine catastrophe ? Pour illustrer les conséquences psychologiques de la chose, question qui le fascine depuis une aventure de la sorte vécue par des amis, le réalisateur Ruben Ostlund a envoyé un couple suédois et ses deux enfants passer quelques jours à la montagne, dans l’hôtel de luxe d’une station de ski française.

En ouverture, une jolie photo sur les pistes où pose le quatuor souriant, comme pour montrer l’unité et l'harmonie qui règnent au sein de la petite famille. Plus tard  on la retrouve  déjeunant tranquillement en compagne d’autres touristes sur la terrasse d’un restaurant d’altitude, lorsqu’une avalanche se déclenche brutalement, dévalant dangereusement la montagne à toute vitesse, menaçant de s’abattre sur les clients.

C’est la panique, la mère, Ebba appelle son mari Tomas au secours tout en essayant de protéger ses enfants. Mais Tomas ne pensant qu’à sauver sa propre vie, s’est lâchement  enfui pour se mettre à couvert, laissant celle de sa progéniture et de sa femme  en danger. Miraculeusement toutefois, l’avalanche s’arrête au pied du restaurant, ne provoquant qu’un gros nuage de neige inoffensif qui balaie l’endroit.  

45782-8d3ef20c5863558f3644e5931d7d3d191063978c[1].jpgLe drame a été évité. Pas de victimes, pas de blessés. Plus de peur que de mal donc. Mais en apparence seulement. Si on ne constate pas de dégâts physiques, les  liens familiaux se dégradent et le couple se déconstruit suite à l’attitude inattendue du père soudainement mû par l’instinct de survie.

Du coup, il doit affronter une nouvelle et dure réalité. Alors qu’il est censé en prendre soin, le patriarche prétendument fort et protecteur a abandonné les siens au moment où ils avaient le plus besoin de lui.

Se sentant honteux, faible et coupable d’avoir succombé à la peur, Tomas se demande que faire pour redorer son image et retrouver sa place d’homme au sein de sa famille. Tandis qu’Ebba se pose de plus en plus de questions, révélant par là que son mariage dysfonctionnait déjà avant les vacances. Et les choses finissent par déraper carrément.

En utilisant la métaphore de l’avalanche pour expliquer l’inéluctable décomposition du couple, Ostlund se mue ainsi en psy, sinon en entomologiste, pour fouiller l’inconscient des différents protagonistes. Tout en livrant, sur un ton glacial, une comédie bien scandinave, à la fois drôle cynique et grinçante, un peu dans la lignée de Festen. On en salue aussi les deux principaux interprètes Jonnes Bah Kuhnke et Lisa Loven Kongsli.

Un bémol cependant. Dans cette thérapie des neiges, comme l’indique son titre anglais Snow Therapy,  on regrettera quelques longueurs et un dénouement emphatique qui rappelle inutilement ce qui a été découvert et montré au fil de l’histoire.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 28 janvier. 

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Grand écran: "Into The Woods" revisite des contes de fés célèbres

into-the-woods[1].jpgLe musical de Rob Marshall est tiré de la comédie déjantée du genre, créée en 1986. Elle a fait un tabac à Broadway en revisitant des contes de fées célèbres, détournant quelques mythes pour les réinventer.

Cendrillon, Le Petit Chaperon rouge, Raiponce, Jack et le haricot magique sont ainsi réunis dans Into The Woods (Promenons-nous dans les bois) en compagnie d'un boulanger et de sa femme.
 
Chacun d'eux a un rêve. Cendrillon souhaite ardemment aller au bal, Raiponce quitter sa tour, Le petit Chaperon Rouge voir sa grand-mère, Jack garder sa vache. Le boulanger et sa femme eux, veulent désespérément en enfant. Mais ils ont été maudis par une vilaine sorcière (Meryl Streep, photo), avide de concocter une potion magique censée lui rendre sa beauté.

Elle propose de lever son sort s'ils lui trouvent quatre ingrédients pour sa mixture: la cape du Petit Chaperon rouge, une pantoufle de Cendrillon, un cheveu doré de Raiponce et la vache blanche de Jack. Leur quête les emmène dans les bois, où ils sont soumis à de nombreuses tentations.  
  
Tout n'est pas réussi dans cette relecture horripilante pour certains, nominée aux Oscars, qui se veut décalée et mordante mais qui reste en deça de ses ambitions amorales. On retiendra pourtant la musique, les décors gothiques et quelques prestations amusantes comme celle d’Emily Blunt en Cendrillon mutine et astucieuse, Johnny Depp en loup lascif et dandy à la Tex Avery. Ou encore la performance de Meryl Streep, créature sauvage à la chevelure hirsute et aux dents pourries, qui pousse drôlement bien la chansonnette.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 28 janvier.

17:00 Publié dans Sorties de la Semaine | Lien permanent | Commentaires (0) | |  Facebook

Grand écran: "The Imitation Game" évoque Alan Turing, héros de guerre et génie gay persécuté

The-Imitation-Game[1].jpgA la tête d'un groupe de champions d'échecs, de linguistes distingués et d'agents secrets au top, le célèbre mathématicien britannique Alan Turing va aider les Alliés à remporter la Seconde Guerre mondiale en décryptant les codes d'Enigma.

La fameuse machine életromécanique d'origine allemande utilisée alors par les nazis, était jusque-là réputée inviolable. La petite bande bénéficie de l'appui du premier ministre Winston Churchill qui accorde à ses membres tout ce dont ils ont besoin.

Pour son premier long-métrage américain inspiré du livre biographique d'Andrew Hodges, le Norvégien Morten Tydlum s'empare ainsi de cette histoire connue tout en se penchant sur la vie du pionnier de l'ordinateur. 

Evoquant l'importance de la cryptographie pendant le conflit, le réalisateur en profite pour parler de la persécution subie par la communauté homosexuelle dont Turing, héros de guerre discret, faisait partie. Rappelons que l'Angleterre a en effet longtemps criminalisé les gays. Discutée à la Chambre des Lords, la dépénalisation fut demandée en 1957 mais ne fut effective que dix ans plus tard.

Pour en revenir à The Imitation Game, un fait divers lié à l'homosexualité de Turing lui vaut des poursuites judiciaires en 1952. Condamné, il choisit la castration chimique en prenant des oestrogènes pour éviter la prison. Mais il n'y résiste pas. Le 7 juin 1954, suicide ou accident, Il est retrouvé mort  dans sa maison de Manchester par empoisonnement au cyanure. Il avait 42 ans. La reine Elisabeth l'a gracié à titre posthume il y a deux ans. 

tig_025_ig_03405r_lg.0[1].jpgMortem Tydlum livre un thriller intelligent, dont on peut regretter une mise en scène conventionnelle, un scénario touffu et des personnages secondaires qui font pièces rapportées. Comme celui de Keira Knightley incarnant Joan Clarke, elle aussi chargée de décrypter Enigma et que Turing épousa certes par affection, mais surtout par convention sociale.

Des défauts qu'on a pourtant tendance à oublier en regard de la prestation de Benedict Cumberbatch, l'atout maître de l’opus. Après s'être glissé dans la peau de Julian Assange, autre cerveau brillant, l'élégant et aristocratique comédien britannique à l'allure un rien famélique, enfile le costume taillé pour lui du génial ancêtre de l'intelligence artificielle.

Sa remarquable interprétation d'un personnage hors norme, à la fois complexe, arrogant et pas facile à vivre  ouvre assurément la route de l'Oscar à l’une des coqueluches de Hollywood. Outre dans la catégorie acteurs, le film est nominé dans sept autres dont meilleur film et meilleur réalisateur. 

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 28 janvier.

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26/01/2015

Open d'Australie: la cruelle inhumanité du tennis pour les seconds couteaux

355445[1].jpgDepuis le début du tournoi, Djokovic n’a pas eu à trop se sortir les pouces, étant donné l’opposition gentillette proposée par des seconds couteaux.

Hyper light même le menu pour le saigneur des courts avec le Slovaque Bedene (116), en guise de mise en bouche, le Russe Kuznetsov (88) pour l’entrée, l’Espagnoll Verdasco (31) en plat principal et le Luxembourgeois Gilles Muller (42) pour le dessert. Presque un gag et et surtout de quoi se permettre d'arriver dans un fauteuil en quarts.

Mais voilà qui n’empêche pas les fans ébaubis à deux doigts de crier au miracle à chaque victoire de l’idole. Sans lâcher un set de surcroît. Pas spécialement flatteur pour Dracula, je trouve, même s’il a été vaguement bousculé à une ou deux reprises dans ses deux derniers matches. Un crime de lèse-vampire à en juger par l’énervement du Serbe, outré de l'audace des braves Fernand et Gilou à faire un peu de résistance.

A part ça, ce doit être hyper-frustrant pour les joueurs de seconde zone de savoir qu’une seule balle de break obtenue par leur adversaire équivaut pratiquement à une balle de match. Alors vous imaginez le stress et le désarroi lorsque la chose se produit au premier jeu du premier set! Les malheureux doivent se défoncer comme des bêtes pendant plus ou moins deux heures avec la quasi certitude d’avoir déjà perdu la partie. A la fois cruel et inhumain, le tennis!

Wawrinka a failli en être victime face à l’Espagnol Garcia Lopez. Mais bon, il aime se faire peur, son petit côté maso, je ne vais pas le plaindre. Parce ceux qui souffrent le plus dans l’histoire, ce sont les téléspectateurs. Vous et moi donc. Bon d’accord, il a plutôt bien joué et déclenché les passions en remontant un handicap de cinq points dans le t-break avec un rare courage. Mais ce n’est pas une première. Federer l’avait réussi dans je ne sais plus quel match contre Del Potro. En plus, rien ne dit que ce sera du sushi contre le Nippon Nishikori au tour suivant.

A propos du maestro, seul top absent de la fête dans les sept qualifiés pour les quarts en compagnie de l’outsider Kyrgios, il a de quoi se consoler grâce à l’admiration inconditionnelle que lui voue son clone Dimitrov. En effet Baby Fed a poussé la ressemblance avec Papy Fed jusqu’à perdre au troisième tour, comme son idole! Cela dit, le Bulgare aurait intérêt à se remuer le popotin pour gagner un Grand Chelem. Parce que les aiguilles, elles tournent…

Et puisque j’en parle, merci à Berdych de mener la vie dure à Nadal demain matin, histoire d'empêcher le pitbull ibère d’empocher son quinzième majeur. Sinon Sa Grâce helvétique va commencer à drôlement sentir le vent du boulet!  

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23/01/2015

Open d'Australie: Federer humilié par l'Italien Seppi!

 

dt.common.streams.StreamServer[1].jpgNe jamais vendre la peau de l’ours, un dicton à méditer pour Federer... Je préfère affronter Seppi plutôt que Chardy, déclarait le Suisse un rien condescendant à l’égard de l’Italien, pensant sans doute que c’était dans la poche, avant de se faire sortir sans gloire par le Transalpin sur un nuage en seizièmes de finale.

Certes ce dernier ne l’avait jamais battu jusqu’ici en dix rencontres, ne lui prenant de surcroît qu’un set. Mais hélas, le tennis n’est pas une science exacte et la victime peut devenir le bourreau.

 Et pourtant que n’avaient pas raconté les spécialistes, dont les Leconte, Wilander ou autres Mouratoglou. A leur avis évidemment éclairé, la possibilité pour Sa Grâce d’ajouter un chapitre à sa légende en remportant son dix-huitième Gand Chelem à Melbourne était très réelle. 

Sa fin de saison ponctuée par le triomphe en Coupe Davis et son succès dimanche dernier à Brisbane en remportant sa millième victoire renforçaient encore l’idée d’une quasi invincibilité retrouvée du maestro. Il est sur la même ligne que Djokovic, il a une certaine marge sur Nadal qu’il devrait rencontrer en demi-finale, j’en passe et des plus saugrenues. Lui-même d’ailleurs, évoquant sa forme et son niveau de tennis, se laissait aller à évoquer un nouveau triomphe. Imaginant en outre remonter sur le trône.

Alors forcément on parle de coup de tonnerre, d’énorme sensation avec cette défaite indigne. Annoncée cependant la bombe, car en réalité, le mythe, qui à son habitude a lamentablement galvaudé des balles de break, avait déjà joué plus ou moins comme un pied lors de ses deux matches précédents. Quoiqu’on en dise, il a en effet eu un peu de mal à croquer le petit Lu dans le premier et a dû s'employer dans le second pour venir à bout de Bolelli, le pote de son futur exécuteur. 

Bref, toujours selon nos experts aussi crédibles que Madame Soleil, Rodgeur devait atteindre les quarts sans avoir à puiser dans ses réserves, avant son duel avec Andy Murray qu’il avait terrassé 6-0 6-1  au dernier Masters de Londres. Avec cette phrase à l’appui: «Il y a des humiliations dont on ne se relève jamais!» Il reste à espérer que ce ne sera pas le cas de notre orchidée noire un rien fanée après celle subie face au brave Seppi, qui voulait juste prendre du plaisir sur le court…
 
En attendant j’éprouve les pires craintes quant à l’avenir de Wawrinka dans le tournoi. Car on raconte de pareilles bêtises, sinon plus grandes, à son sujet. Du genre, il n’aura presque pas besoin de donner un coup de raquette avant son grand rendez-vous contre le Japonais Nei Nishikori. Alors qu’il a déjà sué sang et eau contre le Roumain Copil, 194e mondial! Sans compter qu’à l’instar de Federer, Stan The Man ne cesse de se vanter de son physique et de la qualité exceptionnelle de son jeu,

 Autrement posé, on n’est pas sorti de l’auberge!

 

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20/01/2015

Grand écran: "Une merveilleuse histoire du temps", l'histoire d'un génie qui méritait mieux

53e343bae6d26[1].jpgNous sommes en 1963, en Angleterre. Stephen  Hawking, 21 ans, fréquente l’université de Cambridge où il se penche sur le mystère de la création, auquel il est bien déterminé à donner une réponse simple. C’est là qu’il fait la connaissance de Jane Wilde (Felicity Jonnes), une jolie étudiante en art et en tombe amoureux.

Mais son corps le lâche soudain et Stephen (Eddie Redmayne) doit faire face à un diagnostic inexorable. Une dystrophie neuromusculaire, connue sous le nom de maladie de Charcot en France ou de Gehrig aux Etats-Unis  va s’attaquer à ses membres, sa motricité, son élocution. La faculté lui donne au maximum deux ans à vivre.

Malgré ses réticences, Jane, refusant l’inéluctable, l’épouse et l’encourage à finir son doctorat. Ils fondent une famille de trois enfants et, tandis que le corps de Stephen se dégrade, son cerveau en ébullition fait reculer les frontières de la physique. Et partant de la date d’une mort trop tôt annoncée, puisque l’un des physiciens le plus influent de la seconde moitié du 20e siècle est toujours vivant cinquante ans après la sentence.

Jusque là tout va bien, car on n’en est qu’à l’idée d’un long-métrage sur l'homme, dont l'existence et les découvertes avaient déjà été évoquées en 2004 dans un téléfilm de la BBC, Hawking, avec Benedict Cumberbatch dans le rôle-titre. Signé James Marsh, la version cinéma intitulée Une merveilleuse histoire du temps (The Theory Of Everything), est adaptée de l’autobiographie de Jane Hawking, avec promesse d’incursion dans la vie intime, conjugale et familiale du génie.

Le brillant scientifique méritait mieux

Malheureusement, les choses ne tardent pas à se déliter. Après une première partie, la moins décevante, vouée aux années d’études de Hawking, sa rencontre avec Jane et la découverte de sa terrible affection, les fans du maître de ses travaux sur la cosmologie et ses essais sur la gravité quantique qui ont entre autres permis d’élucider le mystère des trous noirs, en seront pour leurs frais. 

Bien que Stephen Hwking ait aimé le film (c’est du moins James Marsh qui le dit..), le brillant scientifique arrivé à la conclusion selon laquelle l’univers n’a pas eu besoin de Dieu pour se former, méritait  mieux que la longue deuxième partie de ce biopic lisse à la mise en scène convenue et où la science est réduite à la portion congrue.

Le réalisateur a en effet choisi de s’appesantir sur les problèmes du couple qui a fini par se séparer après l’arrivée d’un deuxième homme, Jonathan Jones (Charlie Cox) dans le ménage. Et on a du coup droit au triangle amoureux sur fond de violons et de bons sentiments, nettement plus énervants qu’émouvants.

596198[1].jpgReste l’interprétation du mannequin et acteur britannique ’Eddie Redmayne, le plus souvent portée aux nues et qui lui a déjà valu un Golden Globe. Elle est certes impressionnante, mais tellement calibrée pour l’Oscar dont il est l’un des grands favoris, qu’elle en devient caricaturale.

L’intéressé en tout cas mis tous les atouts de son côté. On peut lire que pour ressembler le plus possible au vrai Stephen Hawking, il a perdu six kilos, rencontré des gens souffrant de la même maladie et passé des heures à distordre son corps, au point d’altérer l’alignement de sa colonne vertébrale.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 janvier.

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Grand écran: "Foxcatcher", un thriller à haute tension. Fascinant, ambigu, toxique

foxcatcher-channing-tatum-steve-carell[1].jpgPour assouvir ses rêves de grandeur et prouver à sa mère castratrice, hautaine et cruellement jugeante, qu’il peut mener à bien un ambitieux projet, l’excentrique milliardaire américain John du Pont, grand patriote, ornithologiste à ses heures et passionné de lutte gréco-romaine, décide de coacher deux champions de la discipline pour les JO de Séoul en 1988. Dans cette optique, il met sur pied une luxueuse structure d’entraînement à Foxcatcher, la somptueuse propriété familiale. 

Le réalisateur Bennett Miller s’inspire d’un fait divers authentique, complètement fou, vécu par les frères Schultz, Dave et son cadet Mark, tous deux médaillés d’or à Los Angeles en 1984. Après leur triomphe ils traversent une mauvaise passe, et c‘est alors que John du Pont fait appel à eux pour former son équipe de choc.

Un magnat cyclothymique

Tout d’abord Dave refuse. En revanche Mark, souffrant de rester dans l’ombre de son aîné, flatté de l’attention que lui porte le rejeton de la puissante dynastie, attiré par son monde, accepte et emménage chez lui. Ce dernier s’improvise entraîneur, mentor et père de substitution pour son poulain avide de lui plaire.  

Une relation filiale aussi trouble que toxique se développe entre les deux hommes (photo). Parano et manipulateur, John du Pont (Steve Carell) pousse Mark (Channing Tatum) à des comportements  nuisibles à l’entraînement d’un sportif d’élite déjà fragilisé par un manque de reconnaissance et des blessures d’enfance.

Du coup le cyclothymique magnat se tourne vers Dave (Mark Ruffalo) dont il envie une assurance que sa fortune ne pourra jamais lui procurer. Le trio évolue dans une ambiance malsaine qui le conduit inéluctablement vers une fin tragique.

foxcatcher-channing-tatum-mark-ruffalo1[1].jpgComme dans Le stratège, avec Brad Pitt, Bennett Miller s‘aventure au-delà du sport pour livrer un fascinant thriller psychologique à haute tension, glaçant, ambigu, en forme de tragédie grecque. Foxcatcher, qui avait logiquement obtenu le prix de la mise en scène au dernier Festival de Cannes,  tant elle séduit par sa force, jouit également d’un bon scénario et d’une excellente interprétation.

A commencer par celle d’un Steve Carell à contre-emploi, très loin des rôles comiques qui lui sont habituellement confiés. Alors que le cinéaste exploite le côté obscur des besoins de pouvoir de ce héros malfaisant, redoutable, fantasque et mégalo, le comédien apparaît méconnaissable avec sa tête d’oiseau, ses cheveux grisonnants, sa prothèse nasale, son menton déformé, ses dents jaunies.
 
A ses côtés le ténébreux Channing Tatum se montre très convaincant en lutteur à la fois fruste, costaud, névrosé et vulnérable. Tout comme Mark Ruffalo, impeccable en frère protecteur et rongé par l’inquiétude (photo).

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 21 janvier.

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13/01/2015

Grand écran: "Wild", la randonnée de choc en solitaire de Reese Witherspoon

Wild-2014-Movie[1].jpgWild est tiré d’une histoire vraie, celle de Cheryl Strayed, qui en avait fait un bestseller éponyme. Après des années d’errance, d’addiction à l’héro et un mariage foireux, cette femme perdue a décidé de se lancer dans une randonnée en solitaire de plus de 1700 kilomètres, le PCT (Pacific Crest Trail), parcours le plus long, le plus difficile et le plus sauvage d’Amérique.

Elle n’a aucune expérience de la chose. Mais elle y va avec, pour lui tenir compagnie, le souvenir de sa mère morte d’un cancer et de quelques autres moments de sa vie passée , ce qui nous vaut du flash back à la pelle. Nous voici donc partis pour un drame initiatique avec Cheryl en quête de transcendance, de rédemption, affrontant ses peurs, frôlant la folie et testant ses limites, bref, un petit soldat déterminé à se retrouver, à se reconstruire. Et qui finit par s'en sortir comme un chef.

C’est à Reese Witherspoon (photo) que le Canadien Jean-Marc Vallée a confié le soin de porter le film sur ses frêles épaules. Ainsi qu'un un sac à dos maousse, trois fois trop grand pour elle, si lourd qu’elle en titube en l'arrimant péniblement, mais qu’elle se coltinera quand même pendant un bon bout de chemin. Sans le moindre entraînement de surcroît.

Heureusement, lors d’un poste de ravitaillement et de repos, un homme des plus raisonnable va enfin lui conseiller d’alléger un peu son fardeau. La belle en retirera sagement quelques tampax et une poignée de préservatifs. J’exagère à peine…

Enfin, tout ça pour relever qu’en dépit de son absence de maquillage, de sa grosse fatigue et de ses pieds en sang, dire qu’elle n’a même pas pensé à prendre de bonnes chaussures de rechange, on peine à croire en l’authenticité, la persévérance, le courage et la force de cette héroïque marcheuse qui se veut attachante. Malheureusement, cette ixième aventure sur la survie permet surtout au réalisateur de nous servir des bons sentiments à la louche, assortis d’un discours pesant sur la redécouverte de soi.

Non seulement le film n’a qu’un très lointain rapport avec le formidable Into The Wild de Sean Penn  auquel on prétend parfois le comparer, mais on est encore plus frustré et déçu quand on pense par exemple  au récent Dallas Buyers Club, puissant et passionnant récit où Jean-Marc Vallée évoque ce bouseux texan sidéen qui apprend la compassion et la tolérance.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 janvier.

 

 

 

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Grand écran: "Durak", un homme seul face à la corruption en Russie

477705[1].jpgDima Nikitin, père de famille menant une vie des plus banale dans une petite ville de province, , travaille comme plombier pour payer ses études à l’université.

On découvre pourtant l’exceptionnelle intégrité de cet homme tout simple, lorsqu’il est appelé d’urgence une nuit dans un vieil immeuble de neuf étages abritant principalement des ivrognes, des marginaux, des drogués, une femme et sa fille battues par le mari.

Nikitin aperçoit  avec consternation des fissures courant jusqu’au sommet de ce bâtiment dans un état catastrophique, menaçant de s’écrouler suite à l’explosion d’une tuyauterie dans un dortoir. Tous les occupants doivent être immédiatement évacués, mais c’est le cadet des soucis des élus locaux, ignobles personnages qui s’en sont mis plein les poches et qui célèbrent bruyamment, à grand renfort d’alcool, les cinquante ans de la maire au restaurant.

N’écoutant que ses principes face à une société décadente dont il représente la conscience et la morale envolées, le courageux Dima se lance dans une course contre la montre semée d’embûches pour tenter malgré tout de convaincre ces bureaucrates pourris jusqu’à la moelle de se remuer pour éviter le drame qu’il estime imminent. Sa croisade lui sera fatale, mais il sauvera son âme.

S’attaquer à la corruption qui ravage la Russie n’est pas une nouveauté. Sauf qu' il y a la manière. Et avec le portrait de cet anti-héros, le réalisateur Yury Bykov, tout en se livrant à une violente dénonciation du système, propose un thriller haletant. Un film coup de poing en compétition au récent festival de Locarno, qui allie maîtrise de la mise en scène, traitement intelligent du sujet et excellente direction d’acteurs.

Le jury ne s’est pas trompé en décernant le prix d’interprétation masculine à son comédien principal, le remarquable Artem Bystrov (en rouge au centre de la photo), dans le rôle de ce plombier si responsable, qui a oublié d’avoir peur dans sa préoccupation première: sauver des vies. 

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 janvier.   

 

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Grand écran: "Les nouveaux sauvages" entre humour noir et pétages de plombs. Jouissif

images[10].jpgRéalisateur, scénariste, créateur de Los Simuladores, une série télévisée très populaire dans son pays, l’Argentin Damian Szifron livre Les nouveaux sauvages, son troisième long-métrage produit par Pedro Almodovar.

En compétition à Cannes en mai dernier, cet opus à l’humour noir corrosif, féroce, propose six histoires déjantées. Indépendantes les unes des autres, elles mêlent thriller, comédie, cynisme, romantisme, drame, fantastique.

Sur fond d’inégalité et d’injustice, de trahison, de déprime et de stress, maux inhérents à nos sociétés bancales et chaotiques, le cinéaste critique une Argentine actuelle où il explore la fragilité de gens confrontés à la réalité d’un quotidien aussi cruel qu’inattendu. Face à des situations qui les dépassent, absurdes, improbables, inextricables, kafkaïennes, surréalistes, ses personnages perdent les pédales et finissent par disjoncter. 

Qu’il s’agisse de passagers dans un avion, d’une serveuse qui venge froidement son géniteur, de deux automobilistes hystériques rejouant Duel sur une route déserte, d’un père de famille victime de PV à répétition se rebellant contre une administration obtuse, d’un jeune homme auteur d’un accident mortel que sa riche famille tente de protéger, ou encore d’une femme trompée dont le mariage vire au jeu de massacre.

Des pétages de plombs jouissifs constituant le fil conducteur de ces différents sketches certes un rien inégaux mais le plus souvent très drôles et politiquement incorrects en diable, qui font de ce film une jolie réussite. Y contribuent d’excellents acteurs, à commencer par le grand Ricardo Darin (photo), star du cinéma argentin et notamment héros du formidable «Dans ses yeux», qui nous replongeait dans les sombres  années de la dictature militaire et des combines glauques d'après.

Film à l'affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 14 janvier.   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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06/01/2015

Grand écran: Godard s'essaye à la 3D dans "Adieu au langage". Bluffant!

adieu-au-langage-real[1].jpgCinéaste culte, Jean-Luc Godard l’a encore prouvé en mai dernier sur la Croisette où, treize ans après L’éloge de l’amour il revenait en compétition avec Adieu au langage, un film de 70  minutes qui a poussé ses fans et quelques curieux avides de le découvrir, à poireauter dans une queue interminable et sous le soleil pendant plus d’une heure et demie.

Un essai sans surprise inclassable, sinon un objet cinématographique non identifié, où se succèdent dans une sorte de frénésie des scènes saugrenues, parfois brusquement coupées, et où se multiplient maximes ou citations.

Avant le Festival, Godard s'était expliqué, notamment à France Inter sur la signification de son titre Adieu au langage. "En gros, c'est un adieu à ce que les gens appellent le langage qui ne l'est pas. On pourrait dire aujourd'hui de la conversation, du talk show, du dialogue personnel entre les gens. Le langage vient de plus loin, c'est une alliance entre la parole et l'image que l'enfant qui naît connaît un bref moment car il est à la fois ébloui et il crie. Puis vient la communication, qui n'a aucun rapport sérieux avec le langage…"

Oui mais encore... On croit alors être aidé par le dossier de presse où on peut lire que le propos est simple. Une femme mariée et un homme libre se rencontrent ils s'aiment se disputent, les coups pleuvent un chien erre entre ville et campagne les saisons passent l'homme et la femme se retrouvent…

adieu-au-langage-51d6835081985[1].jpgLe chien se trouve entre eux. L'autre est dans l'un. L'un est dans l'autre. Et ce sont les trois personnes. L'ancien mari fait tout exploser. Un deuxième film commence. Le même que le premier. Et pourtant pas. De l'espèce humaine on passe à la métaphore. Ca finira par des aboiements. Et des cris de bébé...

A nouveau, on n’est pas beaucoup plus avancé. Pour autant que cela soit nécessaire. A l'écran, on voit un couple nu philosopher, un bateau sillonner le "lac de Genève" (pour agacer les Vaudois et autres riverains?), des extraits de vieux films hollywoodiens en noir et blanc.

Sans oublier la fréquente apparition d’un chien qui fait admirablement le chien en battant de la queue et dont le museau sort littéralement de l’écran. C'est Roxy, le toutou du maestro, qui vous aime plus qu'il ne s'aime lui-même et nous regarde de ses yeux noisette. Lui ne communique pas, il communie.

Tout et n'importe quoi. Ou pas...

Tandis que s'inscrivent en alternance les chapitres 1 et 2 soit la nature et la métaphore, les aphorismes foisonnent en voix off. "Ceux qui manquent d'imagination se réfugient dans la réalité". "Bientôt on aura besoin d'un interprète pour comprendre les mots qui sortent de votre propre bouche". "Une femme ne peut pas faire de mal, elle peut gêner, elle peut tuer, c'est tout". "La société est-elle prête à accepter le meurtre pour limiter le chômage?"  "La pensée retrouve sa force dans le caca".


Tout et n'importe quoi en somme. Ou pas... Le mieux est encore de regarder. Et là, on en a plein les yeux. On est  scotché au fauteuil par l'utilisation étonnante et géniale que le réalisateur fait de la 3D. Dans son entretien Jean-Luc Godard expliquait que la 3 D est juste quelque chose qui vous fait croire que vous pouvez voir une surface plate en relief. Mais quelle vision stupéfiante!

Film à l‘affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 janvier.

 

20:00 Publié dans Sorties de la Semaine | Lien permanent | Commentaires (0) | |  Facebook

Grand écran: "La rançon de la gloire", avec le duo de choc inédit Benoît Poelvoorde et Roschdy Zem

rdlg1[1].jpgA sa sortie de prison en 1977 à Vevey, Eddy retrouve son pote Osman qui l’héberge dans sa caravane. En contrepartie, Eddy s’occupe de Samira, la fille de sept ans d’Osman, pendant que sa femme Noore subit des examens à l‘hôpital.

Mais le soir de Noël, incapable de faire face au manque cruel d’argent, une idée folle traverse le cerveau d’Eddy, alors que la télévision annonce la mort du célébrissime Charlie Chaplin: déterrer le cercueil du comédien et exiger une rançon de la famille.

Xavier Beauvois, l’auteur comblé de Des hommes et des Dieux, s‘est inspiré de l’authentique profanation commise par deux mécaniciens, un Polonais et un Bulgare dans le but de monter un atelier de réparation automobile. Elle s’était déroulée trois mois après le décès de l’illustre Chaplin le 25 décembre 1977.

Avec La rançon de la gloire, Le cinéaste réalise sa première comédie en forme de conte de fées moderne où il en profite, sur fond de misère sociale, pour rendre hommage à l’icône du genre en usant de citations, d’apparitions de Charlot. Mais aussi par le biais de l’aventure grotesque et burlesque des deux héros, tentant maladroitement, dans un premier temps, d’extorquer une fortune contre la restitution du cercueil. 

Xavier Beauvois excelle autant dans la mise en scène de leur plan foireux que dans le choix de ses deux exécutants, pauvres marginaux minables à la fois pathétiques et attendrissants. D’un côté le rêveur dingue, drôle et cabossé incarné par Benoît Poelvoorde, de l’autre le garçon solide et sérieux, musulman fondamentalement honnête mais révolté que joue Roschdy Zem. Parfaits dans leur rôle respectif, ils forment un véritable duo de choc. Inédit de surcroît.

Film à l’affiche dans les salles de Suisse romande dès mercredi 7 janvier.

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